Blog sobre la Pintura que nos rodea, escrito por Nuria Armengol, pintora. Pintura contemporánea, pintura antigua, hecha con ordenador, con arena, por niños, de grandes pintores, anónima, en museos, en la calle,... Pintura sin límites. Peinture sans limites. Painting no limits. ¡Bienvenidos!
2009/12/31
12 cuadros para el año 2010
Un cuadro interesante cada mes.
Expondré un cuadro que podamos mirar y comentar. Necesitaré cuantos más comentarios mejor porque cada comentario aportará algo nuevo a la manera de mirar el cuadro de los demás.
El año que viene en azulbleu empezará con buena pintura. Sería fantástico que los lectores del blog propusierais cuadros que os interesan. Lanzo la pregunta: ¿Cuál es tu cuadro favorito y por qué?
2009/12/25
Mirar un cuadro
Robert Hughes creció en Sydney Harbour, en Australia, practicando rugby en el colegio cuando su idea de un deporte de contacto era el ajedrez. Desarrolló una gran afición a la pesca por la posibilidad que le daba de permanecer solo varias horas, algo valioso a esa edad para quien tiene fama merecida de listillo snob entre sus compañeros y un padre muy ocupado. Ningún problema, porque sin ser consciente de ello entonces, estaba recibiendo una educación muy valiosa en mirar y discriminar.
Traduzco libremente del inglés un párrafo de su libro:
"Para pescar algo, por pequeño que sea, has de percibir qué pasa: el movimiento del agua y los dibujos que hace, las rocas, las algas, el temblor de los pececillos en desbandada que delata a un depredador mayor por debajo de ellos. El tiempo que pasé en el muelle me enseñó a concentrarme en lo visual, porque pescar es una actividad intensamente visual, incluso-quizá especialmente-cuando no ocurre nada. Ver es fácil, pero aprender a mirar es algo que ocurre gradualmente, algo que se adquiere poco a poco de una forma inconsciente y llega con sigilo. La señal de que se ha adquirido es el hecho de que ya no te aburre la ausencia de lo espectacular."
La ausencia de lo espectacular es precisamente lo que hace que mirar un cuadro sea una experiencia placentera, porque si hemos superado el primer impacto después de verlo y seguimos mirando, podremos recorrer y disfrutar el dibujo, la composición, la gama de color, los matices, las innumerables decisiones que ha tomado el pintor con respecto al tema, veremos el tiempo que el pintor pasó frente a la tela y podremos compartir la luz que le iluminó, las emociones que le influyeron y la conclusión a la que llegó, al firmarlo, de que aquel cuadro es su visión del mundo y que quiere compartir esa visión con cualquiera que en ese momento se detenga a mirar su cuadro.
2009/12/23
Ver cuadros en la web, con super alta resolución
Ahora podemos ver en la pantalla del ordenador algunas obras maestras de la pintura que están en el Museo del Prado de Madrid, con un grado de definición y de detalle como nunca antes nos fué posible visitando las salas del Museo, gracias a la super alta resolución. Es increíble acercarse a los cuadros y poder ver la pincelada como si sólo nos separaran unos centímetros de la tela. Vemos el craquelé, la trama del lienzo, el rastro del pincel como lo veríamos si pudiéramos acercar una lupa. Podemos ver cada trazo de la cabellera huyendo de la frente de Eva en el Jardin de las Delicias de el Bosco, o ver la mancha nada redonda de la pupila de una Menina de Velázquez y la comisura de la sonrisa de una de las Tres Gracias de Rubens.
Son catorce cuadros extraordinarios, como lo es la manera de verlos que ha posibilitado Google Earth, digitalizando estas imágenes en formato super alta resolución. No puedo poner un enlace directo ya que para verlo hay que instalar gratuitamente Google Earth en nuestro ordenador, buscar Museo del Prado, Madrid, España y una vez allí, seleccionar la opción Obras Maestras que aparece como un pequeño recuadro blanco sobre el edificio.
Por curiosidad he buscado si existía en el Louvre y en el British Museum la misma posibilidad de ver obras que se encuentran allí con este grado de definición, pero no lo he encontrado. Aunque ha sido pura avidez, ya que bucear con este nivel de detalle visual en estos catorce cuadros puede llevar a cualquier aficionado a la pintura, a disfrutar durante años de la riquísima imaginación visual de el Bosco, de la precisión de Durero, o de las transparencias de Rubens y descubrir nuevos detalles en cada visita. Todavía recuerdo el curso de Historia del Arte que nos dió el profesor José Milicua en la facultad de Bellas Artes, donde durante un año observamos únicamente tres cuadros: "El matrimonio de los Arnolfini", de Jan Van Eyck, "La muerte de Marat", de David y el "Guernica" de Picasso. En esas clases que siempre se me hacían cortas aprendí a mirar los cuadros, que veíamos proyectados en diapositivas en la Sala de Actos. Primero mostraba el cuadro en general y después nos acercaba a observar y analizar los detalles, mientras nos hablaba de las técnicas de pintura que había utilizado el pintor, el estilo artístico al que pertenecía, el contexto histórico en que vivió el artista y realizó su obra, y costumbres de la época o sucesos históricos que plasmaba. El cuadro crecía y crecía a nuestros ojos conforme con sus palabras José Milicua ampliaba nuestra manera de mirarlo.
Gracias a Luis Serra por enseñarme esta opción en google earth.
2009/12/18
¡Pintura! Marina Núñez.
Pintura de Marina Nuñez, una pintora a la que admiro desde hace años, cuando vi un cuadro suyo en la exposición colectiva "Una locura", comisariada por Juan Bofill, en la que también participaba Jordi Saladrigas, en 2001(?). De pronto he caído en que no había escrito nada sobre ella, a pesar de recordar su cuadro durante todos estos años. Era una cabeza enorme, con una gama de color nada realista y una mueca como expresión. Pertenecía a su serie de cuadros "Locura" y aunque era otra, he decidido reproducir ésta cabeza porque es donde mejor se aprecia el contraste de azules y rojos, ya que es difícil en el pequeño tamaño de la columna de este blog producir el mismo impacto que me produjo ver el cuadro de 145 x 145 cm al natural. Creía recordar que el color del fondo era el mismo lienzo de lino sin imprimar, pero al ver las fotos de su web, ahora lo dudo.
La memoria, dicen, reconstruye nuestros recuerdos cada vez que los evocamos y los va modificando con el tiempo.
Es el único cuadro que he visto de ella al natural. Al visitar su web, lamento no haber visto hasta ahora cuadros como éste de la serie "Ciencia Ficción" donde, gracias a un punto de vista cenital nos pinta una inquietante realidad sugiriendo que dos seres habitan un mismo cuerpo, aunque bien podría ser la representación de un pensamiento, un recuerdo, o bien de un proceso mental o capacidad de percepción.
2009/12/11
El Bosco visto desde Beijing: Miao Xiaochun
Miao Xiaochun (1962) es un artista chino que revisita las obras de grandes maestros del arte occidental utilizando técnicas de imagen generada por ordenador.
Es una auténtica revisión y recreación, a partir de una iconografía fácilmente identificable para quienes admiran las obras del Bosco, Lorrain, Cranach, etc. La originalidad de su mirada oriental sobre un arte en principio culturalmente ajeno, pero que conoce admirablemente, actualiza y da un nuevo sentido a imágenes que asociamos con un pasado glorioso, pero lejano, del arte occidental. Todas las culturas emergentes han revisado, adoptado y transformado las culturas imperantes a las que vienen a sustituir: lo hicieron los romanos con el arte griego, los italianos del Renacimiento con los romanos, los cubistas europeos con el arte africano...
Señoras y señores: Pasen y vean cómo nuestro patrimonio cultural europeo pasa a ser asimilado y transformado por China, en la Exposición "Beijing Time/ La hora de China" en el Matadero de Madrid, del 17 de diciembre de 2009 al 21 de marzo de 2010. Ya que están en Madrid, pueden pasar por el Museo del Prado para mirar "El Jardín de las Delicias" de el Bosco. Nunca defrauda.
2009/11/10
Balthus habla de Pintura, escuchamos.
"Cuando la melancolía caía como nieve sobre el Grand Chalet cubierto de escarcha por el viento, Balthus me tomaba interminablemente la mano para calentar la suya. Lo interminable se me hacía corto. Ese ladrón de calor encendía un pitillo detrás de otro y, con voz quebrada, me hacía compartir sus recuerdos más recónditos: "No sé -me dijo unos días antes de su muerte- si le he contado, Maître Paul -siempre me llamaba así-, cómo conocí a Antonin Artaud".
Oímos el ronroneo de algún gato que se acerca, y la voz de Balthus en un susurro:
"Hay que aprender a atisbar la luz. Sus inflexiones. Sus fugas y sus filtraciones. Por la mañana, después del desayuno, después de leer el correo, informarse sobre el estado de la luz. Saber si es posible pintar hoy, si el avance en el misterio del cuadro será profundo. Si la luz del estudio será buena para penetrar en él."
(...) "El estudio es el lugar de trabajo. De la dura faena. El lugar del oficio. Es fundamental. Es allí donde me recojo, como en un lugar de iluminación."
(...) "Me encantan esas horas que paso mirando el lienzo. Contemplándolo. Horas incomparables en su silencio."
(...) "Un cuadro o una oración, lo mismo da: una inocencia por fin alcanzada, un tiempo sustraído del desastre del tiempo que pasa. Una inmortalidad capturada."
(...) "Tengo fama de pintar un cuadro en diez años. Yo sé cuándo está terminado. Es decir, cuándo está cumplido. Ninguna pincelada, ni el menor rastro de color deben corregir el mundo por fin alcanzado, el espacio secreto por fin percibido. Fin de la larga plegaria pronunciada en el silencio del estudio. Fin de la contemplación silenciosa. Se ha acariciado una idea de la belleza".
2009/10/30
Pintores en el cine
Las películas en que aparecen pintores son numerosas, ya que su trabajo es muy fotogénico. Al contrario de los poetas, cuyo trabajo es muy poco cinematográfico como bien explica la gran poeta polaca Wieslawa Szymborska:
"Espectaculares pueden ser las películas sobre pintores, ya que es posible reconstruir todas las fases de creación de un cuadro -desde la primera raya hasta la última pincelada. Las películas sobre los compositores se llenan con su música: desde los primeros compases, que el creador escucha en su interior, hasta la obra madura ya terminada y repartida entre varios instrumentos. Todo sigue siendo muy ingenuo y no dice nada sobre el extraño estado de ánimo que se conoce comúnmente como inspiración, pero por lo menos hay algo para ver y oír.
El peor de los casos es el de los poetas. Su trabajo resulta irremediablemente poco fotogénico. Uno permanece sentado a la mesa o acostado en un sofá, con la vista inmóvil, fija en un punto de la pared o en el techo; de vez en cuando escribe siete versos, de los cuales, después que transcurre un cuarto de hora, va a quitar uno y de nuevo pasa una hora en la que no ocurrirá nada ¿Qué clase de espectador podría soportar una cosa semejante"
¿Por qué algunas películas no son ingenuas y sí transmiten el trabajo de Pintura? Parecen sortear la dificultad de mostrar el "extraño estado de ánimo que se conoce comúnmente como inspiración" del que habla W.S. y que más adelante explica:
"la inspiración no es privilegio exclusivo de los poetas ni de los artistas en general. Hay, hubo, habrá siempre un número de personas en quienes de vez en cuando se despierta la inspiración. A este grupo pertenecen los que escogen su trabajo y lo cumplen con amor e imaginación. Hay médicos así, hay maestros, hay también jardineros y centenares de oficios más. Su trabajo puede ser una aventura sin fin, a condición de que sepan encontrar en él nuevos desafíos cada vez. Sin importar los esfuerzos y fracasos, su inquietud no desfallece. De cada problema resuelto surge un enjambre de nuevas preguntas. La inspiración, cualquier cosa que sea, nace de un perpetuo "no lo sé".
En la película "Andrei Rublev", Tarkovski une la profundidad de las reflexiones que se hace el monje del siglo XV y pintor de iconos Andrei Rublev sobre las relaciones entre el arte y los poderosos, ya sean políticos o eclesiásticos y la enorme belleza de las imágenes en blanco y negro, que sólo dejan paso al color cuando al final de la película se muestran los iconos de los que fué autor, como este "Cristo Redentor".
2009/10/28
Un lugar seguro
Imagen: Fred Wilson, "Safe House II, (Speak of Me as I Am)", 2003
Un espacio seguro es el título de una interesante entrada en el blog de arte Art21. En el artículo varios profesores de arte comentan maneras de ofrecer a los alumnos un espacio seguro en el que puedan aprender, estudiar y crear. Para ello proponen al alumno el uso de una libreta de apuntes en la que volcar ideas y proyectos, trabajar fuera de clase para aplicar los conocimientos que han aprendido allí y al profesor le proponen que organice bien el tiempo de clase. Llegan a la conclusión de que los espacios a los que dan forma tienen más que ver con las herramientas que facilitan, la confianza que construyen y la buena distribución del tiempo, que simplemente con el orden de las lecciones y el espacio físico.
Sin embargo, la imagen con que lo ilustran me ha hecho pensar en el espacio físico seguro.
No sólo los humanos, todos los animales que recuerdo necesitan un espacio seguro. Todos establecen una madriguera en la que sentirse seguros, que puede ser un espacio físico como lo son nuestras casas o puede ser un espacio de refugio como el que crean las manadas y rebaños o los bancos de peces envolviendo protectoramente a cada individuo. Ya sean nómadas o sedentarios, los seres vivos recurren al espacio seguro cada cierto tiempo, ya sea durante la noche, el día, el invierno o durante la época de cría.
Es una necesidad básica incluída en la Declaración de Derechos Humanos.
Bueno, muchos pintores establecen el espacio seguro de su trabajo en su estudio. En estos tiempos de crisis económica, muchos vamos a ver desaparecer ese espacio seguro y volveremos a pintar en una pequeña habitación de la casa. O estableceremos ese gran estudio portátil que es la libreta de apuntes. Y su hermano mayor el libro de artista, con las páginas abiertas como paredes creadoras de espacios mentales. El blog, la web, escenarios tan efímeros como la visita virtual, en los que caben un artista trabajando y cuantos quieran entrar a participar serán otro espacio seguro que se trasladará con nosotros allá donde vayamos.
Un espacio físico seguro para trabajar lo encontraremos en bares, bibliotecas, centros de arte y lugares públicos que nos ofrezcan el refugio, el silencio, la comunidad y los estímulos sensoriales o intelectuales que necesitamos para hacer lo que mejor sabemos hacer.
2009/10/25
2009/10/14
2009/09/24
Pintura y Música
Pintura y Música es título para un libro con millones de páginas, si eso es posible. La relación mutua de Música y Pintura es remota como los cantos o el sonido de percusión que posiblemente acompañó el trazo de la pintura en las cuevas de Altamira o Lascaux. En Tassili, Argelia, éstos músicos fueron pintados en las paredes de una cueva hace unos seis mil años.
La Música ha ayudado a crear infinidad de cuadros y la Pintura ha sugerido sonidos a los músicos. Muchos pintores trabajamos envueltos literalmente en música cuando estamos en el estudio y la música que elegimos escuchar influye en la obra. He terminado titulando cuadros con el título de la música que escuchaba al pintarlos, porque son tan míos como de la atmósfera sonora que crea la música.
Los músicos hablan de coloratura como un realce de la música y la soprano de coloratura es la que interpreta la famosa aria de La Reina de la Noche en La flauta mágica de Mozart.
El cuadro de Gustav Klimt "la Música", logra con el movimiento de formas abstractas en el fondo y en el instrumento, que contrastan con el gesto de concentración de la mujer, sugerir lo que quiere representar: la inmaterialidad de los sonidos y su capacidad evocadora.
La música para esta entrada: video de la celista Zoë Keating, interpretando "Escape Artist".
Y para los que quieren escuchar la música que han compuesto dibujando en una cuadrícula, aquí está inudge.net, cuyo slogan es: todos podemos crear música.
Aurelia Muñoz. Escultura y color.
2009/09/14
Pintura, fluidez.
La música es del compositor islandés Ólafur Arnalds y la imagen generada por ordenador del animador argentino Esteban Diácono.
Ólafur Arnalds - Ljósið (Official Music Video) from Erased Tapes on Vimeo.
2009/08/29
Raquel Cohen. Escultura y Luz.
2009/08/20
Feliz Cumpleaños
2009/08/11
Cosmos y Pintura
2009/08/06
Banksy y Miquel Barceló
2009/08/02
Restauración de Pintura
2009/08/01
Pintura, fama y fortuna.
2009/07/16
Concurso de Pintura Rápida. Mark Tansey
El título "Action Painting" se refiere al estilo pictórico que también conocemos como Expresionismo Abstracto.
2009/07/09
Cartas a un joven artista, capítulo III
John Baldessari
2009/07/07
Pintura, Museos
2009/07/03
Pintura y objetos encontrados
Cartas a un joven artista, capítulo II
Sigo con la publicación de las cartas que destacados artistas escriben en respuesta a un supuesto joven artista que les pide consejo. Son la traducción que Nuria Armengol, con la revisión de Victoria Morera, hemos hecho del libro "Letters to a young artist".
JO BAER
Sinceramente,
Jo Baer
2009/07/02
Cartas a un joven artista, capítulo I.
2009/06/29
Pictos, ¿cómo obtenían el azul con que se pintaban?
Empezamos con William Wallace. Al "Braveheart" de Mel Gibson habría que desmaquillarlo y quitarle la falda. No existen testimonios de que en esa época hubiera guerreros escoceses pintados de azul, esa ornamentación es bastante anterior, así como tampoco lo hay de escoceses con kilt (la falda) hasta mucho después. Sin embargo lo que nos interesa es el azul que los antepasados de Wallace emplearon para teñir la ropa y pintarse el cuerpo. Para aplicarse esos colores utilizaban un tinte azul que procedía del glasto, un arbusto de un metro de altura que crece en la Europa septentrional. Cuando se ponía el glasto en contacto con un montón de abono produce un líquido amarillo que si se frota en las ropas o el cuerpo cambia de color convirtiéndose en azul brillante.
Como se podía obtener a bajo costo en grandes cantidades este azul se extendió por toda Europa y durante la Edad Media lo encontramos dando color a calzas, jubones y tocas. No tuvo rival hasta unos siglos más tarde cuando los mercaderes holandeses que viajaban a Oriente trajeron una planta que produce el mismo tinte y crece más deprisa y a menos coste que el glasto: el índigo. Los británicos, principales productores europeos de azul de glasto, reclamaron impuestos sobre el “azul extranjero” ya que según sus análisis era “dañosa, funestamente devoradora, perniciosa, engañadora, consuntiva y corrosiva” (documento londinense de 1577). La Marina Real se puso de su lado, sus uniformes sólo podrían ser teñidos mediante el patriótico glasto. Pero los los productores de tinte no tardaron en ver las ventajas del índigo y establecieron plantaciones en el Caribe y en la India abandonando el glasto. A principios del siglo XVII entró en bancarrota el último de los productores de glasto.
La venganza del glasto llegaría por medio de un químico alemán, Adolf von Bayer, que desde los 8 años buscaba una manera de obtener indigo en una probeta y cuya tenacidad se vió recompensada en 1885 cuando contaba 60 años. Ahora una fábrica alemana podía producir tanto índigo como una plantación subtropical británica de 100.000 hectáreas. Los productores de índigo pidieron impuestos sobre ese pernicioso índigo sintético, la Armada Real manifestó que sus uniformes sólo podían ser teñidos con el hermoso y patriótico indigo. Pronto las fabricas británicas empezaron a “cosechar” el índigo sintético. En 1912 entró en bancarrota la ultima de las plantaciones.
Estamos en la gran época del indigo sintético, las batallas en los campos de Europa destrozan millones de uniformes teñidos de ese color. Pero en los 50 estalla el crack del azul, China que utilizaba el índigo para teñir los monos de obrero, el uniforme oficial y obligatorio, cierra el comercio al “azul extranjero” y comienza a utilizar sus propios tintes. El 30% del mercado mundial se vino a pique. Para empeorar las cosas la empresa suiza Ciba y la británica ICI se ponen de acuerdo para comercializar nuevos tintes sintéticos de colores brillantes y baratos. El índigo yace arrinconado en el fondo del armario ante el boom de las prendas de algodón chillonas de los 60. La Armada Real no dice nada no vaya a ser que acabe por llevar uniformes de rosa fucsia.
A principios de los 60 sólo existían cuatro fábricas de índigo fuera de China y la situación empeoraba por momentos, se debía buscar un nuevo uso para el índigo. No se conoce el nombre del ingeniero químico que sugirió la primera aproximación a la solución, marketing dijo que la idea era una solemne estupidez y no fue apoyada. ¿A quién iban a interesarle unos pantalones azules?. La verdad es que el índigo le daba a los pantalones un brillante color azul que los hacia parecer demasiado llamativos. Otro químico dio con una solución que calmaba la intensidad del color azul: se teñirian los hilos verticales de la tela de indigo y se dejarían que los horizontales siguiesen de color blanco. Se descubrió que una pequeña empresa textil de California poseía precisamente este tipo de diseño en su catálogo. Se llamaba Levi-Strauss, y fabricaba los pantalones tejanos de marca Levi’s.
Libro:
David Bodanis : Los secretos de una casa
Existe una información diferente a la del pigmento de glasto que explicaría el origen de ese azul de otro modo:
Herodías, en el Siglo III d.c. escribe:…”Poco acostumbrados a llevar ropas, adornan sus cuellos y cinturas, lo que consideran un símbolo de belleza y de prosperidad económica, tatúan su cuerpo con dibujos abstractos y toda suerte de animales, acudiendo casi siempre desnudos a la lucha…”