2011/12/12

Antonio López, conferencia en la Facultad de Bellas Artes de Barcelona

Antonio López, pintor.
Fotografía: UNAV


''No me interesa la pintura técnicamente excelente pero sin contenido.
Crecí en Tomelloso, un pequeño pueblo de la Mancha. Yo iba a ser oficinista o algún trabajo así, no estaba previsto que fuera a la Universidad y que fuera médico o arquitecto, mi familia era muy humilde. Nada en mi ambiente anunciaba que me dedicaría a esto. Tenía un tío pintor que venía a visitarnos de vez en cuando, Antonio López Torres, un pintor que ahora considero excelente. Cuando yo tenía doce años, durante el verano, de pronto, me fascinó verle pintar las notas que hacía del natural y dejé de jugar a fútbol con mis amigos, para ir con él y copiar los cuadros que él hacía. También empecé a copiar unas láminas de unas revistas de mi abuelo, unos grabados de los que yo copiaba las líneas con lápiz y conseguía una copia fiel. Se vió que tenía una facilidad para el dibujo, y llegó un momento que mi tío me cogió de la mano y dijo que tenía que seguir el aprendizaje. Por eso fui a Bellas Artes, a San Fernando, en Madrid.


Yo sabía copiar muy bien y creía que lo tenía muy fácil. A los tres años de Bellas Artes, con el trato con chicos mayores que yo, tuve la certeza de que pintar era algo más que eso. A los 15, 16 años, no sabía qué hacer con la técnica que yo tenía. Recuerdo que el verano del 52 dibujé y pinté mucho, pero fue realmente angustioso, porque creía que no tenia nada que decir. Pero entonces descubrí que había unos elementos que me interesaban. De la inmensidad que es el mundo real, hice una selección porque noté que me identificaba con ellos y ahí estuvo mi salvación. Noté algo decisivo, que es tener algo que decir. 


La pérdida que se produce de ciertos lenguajes de la figuración, yo no le doy importancia a eso. Lo importante es transmitir algo con la pintura, decir algo que sea inteligible, estar en el medio donde lo que dices pueda ser entendido. Desde mi etapa de formación tuve el instinto de rodearme de unas personas que te acompañan en un camino tan largo, que te ayudan, te acompañan, te enseñan. Más que en el Museo del Prado, o con los libros de Picasso, de Matisse o de Henry Moore, porque entonces no había las exposiciones que hay ahora, yo me hice con esas personas. Personas que me han acompañado muchos años, algunas hasta hoy, otras ya han muerto.


Lo que hagas tiene que estar habitado por algo emocional fuerte. Los artistas estamos en manos de las personas que nos apoyan. A veces lo hemos estado demasiado, hemos pactado con los gustos de la época, por agradar. Hay mucha trampa en relación con la habilidad técnica y también en simular emoción. Es necesario saber si la obra tiene peso y es verdadero. Cuando se consigue, ofreces a los demás y a ti mismo.


La escultura para mi es menos dificultosa que la pintura, que es sumamente laberíntica.Yo aprendí poco de la escultura que vi en el Prado, pero en el Casón del Buen Retiro había reproducciones en yeso de toda la historia de la escultura. Ahí es donde voy a serenarme, cuando necesito encontrar calma. Hay un libro muy bueno, "El retrato de Giacometti", que escribió el modelo al que Giacometti hacia el retrato y que recoge las sesiones, los comentarios que hacia, las situaciones que ocurrían. Estoy muy cercano a Giacometti. No puede trabajar sin el modelo. No hacia nada si el modelo no estaba delante, en cuanto se iba dejaba de trabajar hasta que volvía. Limitación, dificultad y riqueza que te da el mundo real.


Hay momentos de la historia en que surge una pintura que gusta más que la verdad. En esos momentos tal vez había demasiadas batallas, demasiadas enfermedades y desgracias. Querían unas señoras desnudas que bailan, rodeadas de amorcillos, es el arte escapista. Hay un bodegón de Zurbarán, que no se puede decir más con menos: una jarra con agua y un platito en el que hay una rosa. Ahí está el mundo. Y eso no lo hacía Poussin, que no trabajaba de la realidad.


PREGUNTAS DEL PÚBLICO, ALUMNOS Y PROFESORES DE LA FACULTAD.


Alumno:
_. En esta Facultad no se pueden usar los talleres fuera de las horas de clase. ¿Qué opina de esto?
_. En mi época no se hacía otra cosa más que pintar. Pintamos muchas caras y pies y culos. Eso no salvó al que no se tenía que salvar.


(...) Es la mafia de la mediocridad, que se cuela por todas partes. Hay que volar por encima de eso y salvarse. Tú sálvate. De todos modos, si hoy tuviera un nieto que quisiera aprender le diría: ve a Bellas Artes, estate entre los demás, haciendo el recorrido de los primeros años. Nosotros no les hacíamos caso a nuestros profesores. Y eran muy buenos pintores y escultores, de los que hubiéramos podido aprender mucho. Pero estaban resentidos, y una persona amargada no puede llevarte de la mano a enseñarte.
La técnica necesaria, en un año la adquieres. Lo difícil es formarte, iniciarte en un recorrido, que esté en armonía con lo que eres, que llene tu vida.


(...) Dices que la figuración (la pintura figurativa en relación a otros estilos artísticos considerados más contemporáneos: abstracción, video, instalación, etc) no tiene el apoyo que se merece. La figuración, como la Derecha, está pagando siglos de abuso. Creo que artistas como Hopper, como Henry Moore,... aportan algo imprescindible a la totalidad del arte contemporáneo.


(...) El quid está en saber lo que tienes que hacer. Muchos jóvenes me preguntan, ¿qué hago ahora?
El vínculo con el mundo real te va generando un camino. La fotografía (pintar a partir de fotografías) rompe el vínculo con el mundo real.


(...) A mí pintar me mejora la vida. Cuando pinto estoy mejor de la espalda, mejor de la cabeza... Yo quiero pintar.


(...) Hay dos realidades, la realidad objetiva y la realidad subjetiva. Las cuevas de Altamira es pintura realista, pero no está hecho de la realidad: el pintor no tenía un bisonte dentro de la cueva posando para él mientras lo pintaba. Un cuadro de El Bosco no está hecho de la realidad. Recuerdo haber visto la exposición "El retrato y la máscara", y recuerdo los cuadros de Stanley Spencer. Unos copiados de la realidad, como un retrato de una mujer con una falda de tablas, que es un tema bastante banal, pero él lo había hecho de tal modo que sólo podía ser así. Otros cuadros son místicos, pinta experiencias, que eso no lo puedes tener delante para pintarlos. Son dos formas de trabajo en el mundo real: proporcionar una historia o dar una forma literal.


_. (...) Soy una alumna que para aprender estoy copiando cuadros, pero eso no está bien visto porque no es original.
_. Yo hablaría de autenticidad más que de originalidad. (...) El crear de modo que sea una ayuda para los demás. Creo en el contenido secreto de las cosas. No siempre aparece lo mejor de una manera inmediata. (...) Lo primero es hacer algo que tenga veracidad y autenticidad. Después surgen personas que ayudan.


_. ¿Cómo debe utilizar el pintor las nuevas tecnologías?
_. Son una herramienta más. No ha cambiado nada, está nuestro cerebro, nuestra mirada y un impulso que nos lleva a hacer algo. El pintor siempre se ha sabido adaptar. Los nuevos procedimientos han creado nuevos lenguajes. (...) Para mí la dificultad es encontrar modelos y encontrar fuerza para realizar una obra que va a necesitar toda mi energía. 


(...) He tenido un problema en un ojo y no se acoplaban. Lo maravilloso es que se acople lo que vemos y lo que somos.


(...) Yo no hablaría de las dificultades, sino de los logros.


(...) Todo se hace para que digas algo que sólo puedes decir tú.


(...) Los niños que he hecho (en pintura o escultura) los he tenido cerca: primero mis hermanas, después mis hijas, ahora mis nietos. Yo trabajo con cosas que amo. No puedo trabajar con cosas que no me importan, eso me destruiría.


_. ¿Cómo se enfrenta al lienzo en blanco?
_. Llevo varios cuadros en marcha a la vez. No conozco la angustia del lienzo en blanco. Eso es una etapa, el cuadro es como un iceberg, hay mucho trabajo preparatorio que no se ve. Cuando llego al lienzo en blanco tengo ganas de pintarlo.


_. Como docente ¿qué les diría a sus discípulos?
_. Cada cual ha de contar sus propias historias. ¿Qué es lo que más amas? ¿Qué es lo que más odias? Ten más respeto a lo que tú sientes y confía. Sin violentar nada. Yo he copiado también a Picasso y he aprendido de otros. Si lees libros, si ves películas, te van haciendo luz. (...) En los talleres que hago, los alumnos trabajan con la realidad y ahí sale su verdad, aunque muchas veces no se den cuenta. Después, vuelven a su estudio, y a su cárcel.


(...) De la realidad a mí me interesa pintar lo que permanece, lo que mañana cuando vuelva seguirá estando ahí."









2011/10/24

Cuaderno de Apuntes, El Taller / Dibujando del natural en Barcelona




´Cuaderno de Apuntes, El Taller´ de Nuria Armengol
Dibujando del Natural en Barcelona



Noviembre 2011: 
miércoles por la tarde, o sábados por la mañana. 


No es necesario conocimiento previo de dibujo

El notebook es el lugar más íntimo y privado donde registrar observaciones personales. ¿Sabemos utilizarlo? Con este taller fijarás el hábito de guardar y retener tus ideas y percepciones útiles mientras contemplas o te mueves en la ciudad. No es un taller de dibujo, es la adquisición de un gadget, de papel, insustituible para profesionales y amateurs contemporáneos.
Este Taller práctico está dirigido a fotógrafos, escritores, estudiantes, científicos, músicos, diseñadores, artesanos, ingenieros, arquitectos, biólogos, artistas, etc. Utilizando la Observación y la Reflexión previas a la Acción, probaremos distintas técnicas de dibujo del natural en distintos espacios de Barcelona, y adquiriremos el hábito de utilizar el cuaderno con las técnicas de registro que nos sean más útiles según nuestras necesidades profesionales.

Al final del taller tendremos las herramientas y los hábitos necesarios para registrar nuestras ideas siempre que lo necesitemos.

Lugar de inicio: 
Taller Carmen Balada.

c.Freixures, 29 (frente Mercado Santa Catalina)
08003 Barcelona

Fechas: 
2, 9, 16 y 23 Noviembre 2011
5, 12, 19 y 26 Noviembre 2011

Horarios: 
miércoles tarde: de 18,30 a 20,30 h
sábados mañana: de 11,30 a 13,30 h

Precio: 
80 €

Contactar: 
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2011/10/21

Flora Goldberg, dibuja, pinta y esculpe "a golpe de corazón".

Cientos de dibujos de dinosaurios a todo color. Las viñetas ordenadas en las páginas como en los álbumes de cromos que rellenábamos de niños, y escrito al pie, el nombre en latín de cada uno, desde el Brontosaurus al Thyrannosaurus Rex. Los dibujos de los dinosaurios son realistas, con un perfil grueso de rotulador negro, coloreados a lápiz y situados en un paisaje. Me impresiona ver cómo van saliendo páginas y páginas que completan un atlas exhaustivo de dinosaurios, de la carpeta que nos enseña esta mujer de pelo cano y expresión dulce y firme: 
_Los he dibujado para mi nieto. Es autista. Tiene siete años y lo sabe todo todo todo sobre los dinosaurios. A veces me corrige, y me dice: 
"_No, abuela, no se escribe así, lo has hecho mal. Pero no te preocupes, me gustan igual."
Y sonríe recordando a su nieto.
Acabo de conocer a Flora Goldberg, pintora, grabadora y escultora mejicana, en casa de Ulises Cortés y Helena Martínez. Levanto la vista de los dinosaurios, porque me dice señalando la pared que tengo a un lado:
_Esos dos grabados son míos. 
Son dos figuras a tamaño natural, de trazo firme y expresión serena.


Flora Goldberg me explica que nació en París, y a los siete años tuvo que huir a México con su madre cuando los nazis invadieron Francia. Muy joven, con diecinueve años, su padre le enseñó unas de sus acuarelas a su amigo Diego Rivera, el gran pintor muralista mejicano, que al verlas la invitó a acudir a su casa como discípula. Yendo a su casa coincidió con Frida Kahlo, a la que recuerda pintando siempre doliente:
_"Al entrar por primera vez en la casa de Altavista me sentí cautivada por la magia que se respiraba y por la deslumbrante personalidad del maestro Diego Rivera, que pintaba con pasión al tiempo que explicaba historias fantásticas. Decidí ser pintora y dejé la carrera de Química."
Rivera le habló de la libertad en el arte y la constancia en el oficio:
_"El pintar no es solo inspiración, sino diligencia."


En 1957 Flora se casó con Pablo Rudomín, eminente científico que ha recibido el Premio Principe de Asturias por sus trabajos de biología, con quien ha tenido dos hijos.
_"La maternidad fue un período muy importante para mi. El ver día a día cómo mis hijos crecían, fue un período mágico, milagroso. La maternidad es un tema constante en mi obra.
Mi experiencia en lo que concierne a seguir trabajando en el arte teniendo una familia, es que todo el tiempo desde que mis hijos eran bebés, siempre encontré la forma y el tiempo para trabajar en el arte, fué a base de organizarme y sacrificar sueño y vida social. (Y claro  también porque no tenía que trabajar para la manutención de la familia, de eso se encargaba y sigue encargándose mi marido). Lo que yo siento es que la labor creativa se vuelve un vicio para ciertas personas, por lo que si no lo hacía sentía que me faltaba algo y me sentía vacía y hacía hasta lo imposible para trabajar. Hace algunos años pasé mucho tiempo enferma, pero inclusive entonces seguí trabajando."


La crítica Marta Traba ha dicho que Flora Goldberg "dibuja a golpe de corazón, con líneas profundamente humanas y reales". Creo que ese golpe de corazón se ha hecho más evidente si cabe desde hace unos años, al iniciarse  en la escultura.
Flora nos dice que:
_"El cuerpo es nuestra posesión más preciada y solo se nos presta temporalmente. Quizá por eso queremos plasmarlo y darle eternidad a través del arte".
La suya es una pintura costumbrista que ha leído del realismo mágico. Mientras hojeo las páginas del libro monográfico que muestra su obra pictórica, me llaman la atención el cuadro de unas figuras con coronas de flores en la cabeza.
_Son gente de Chalma, un pueblo cerca de Toluca. Es tradición que en Cuaresma, todo el pueblo, niños, hombres, mujeres y ancianos, salgan a la calle adornados con coronas de flores en la cabeza, para ofrecerlas después a San Nicolás.
En el libro se suceden los cuadros de hombres, de mujeres y niños, de flores y de aves, mostrando que esta artista no ha dejado de trabajar incansablemente todos estos años. Inspiración y diligencia.


Su dibujo es estilizado, de texturas trabajadas y líneas airosas, sus temas son en muchos casos alegorías, como en "Susana y los viejos" o "Caligrafía". 


Tiene series dedicadas a frutas o a flores, encarnadas en una figura femenina. 


En 1972 decidió aprender grabado y se dirigió a un renombrado Centro de arte que lamentablemente ya no existe, donde se formaron importantes grabadores mejicanos en un ambiente artístico y creativo muy fructífero:
_"Cuando llegué al Molino de Santo Domingo creí llegar al mundo de Alicia en el País de las Maravillas. Un lugar de silencio y sosiego."

Hace algunos años empezó de una manera autodidacta a trabajar la escultura en madera, un material que selecciona no solo por su textura sino también por el carácter simbólico de su color. 
Utiliza madera de caoba:

madera de ceiba:

o madera de cedro blanco:

Sin boceto previo, esculpe para sacar a la superficie la escena que ella ve en el trozo de madera que ha elegido para trabajar. Sigue centrada en la figura como ocurre en su pintura, aunque con formas más sintetizadas, por lo que a veces las cabezas pierden el rostro, tal como puede verse en las esculturas de Henry Moore, que creo es uno de sus referentes. La expresión del movimiento, que se hace tridimensional y palpable, es por lo tanto más sensual que en su pintura. Los tamaños varían mucho, algunas son piezas pequeñas, otras son grandes, o enormes, como el torero y el toro bravo que han surgido con ímpetu del enorme tronco de nogal en el que trabajó durante meses.



















Flora Goldberg es una mujer hermosa, con una espléndida 
vitalidad, que ha puesto su corazón en una vida dedicada al arte.

2011/09/10

Abans que el temps ho esborri



Retrato de Teresa Mestre de Baladía (1869-1949), pintado por Ramón Casas (1866-1932). En la película documental "Abans que el temps ho esborri" (Antes de que el tiempo lo borre) se cuenta la historia de este cuadro y cómo influyó decisiva y trágicamente en la vida de la retratada. 
Cartel de la película.

El libro que escribió su bisnieto Javier Baladía, se ha convertido en una película cuyo guión han escrito Victoria Bermejo y él, y ha dirigido Mireia Ros. Una película hecha con fotografías en blanco y negro y filmaciones de época, alternadas con imágenes del mismo Javier Baladía como narrador moviéndose en la Barcelona actual. Se utilizan con mucha agilidad recursos visuales de postproducción con humor, que ayudan a sobrellevar las a veces desmesuradas biografías de los Baladía, y nos descubre personajes que crearon una Barcelona cosmopolita y culta, que atrajo entre otros a Diaghilev y Nijinski, a Einstein, a Richard Strauss o a Carlos Gardel. Entre las dos Exposiciones Universales de 1881 y 1929, los Baladía fueron parte de la alta burguesía industrial que amasó grandes fortunas. Tuvieron tiempo de divertirse en París, apoyar a Pompeu Fabra, crear el Conferentia Club, encargarle casas a Puig i Cadafalch y pusieron en el mapa de los veranos de miles de turistas posteriores lo que entonces eran remotos pueblos de pescadores como Cadaqués o Palamós.


Teresa Mestre era una belleza, además de una mujer inteligente e independiente, que se casó con Jaume Baladía i Soler, con quien tuvo tres hijos. La madre de su marido murió en el parto y fué su tía Ramona Soler quien lo crió. Esta temible mujer era una fuerza de la naturaleza, capaz de dirigir una empresa textil con miles de obreros que le llamaban "el amo" y acudir al despacho de la fábrica con un revólver en la liga y tener un rifle Winchester encima de la mesa para cuando tenía que enfrentarse a las reclamaciones obreras. Era viuda, sin hijos, dominante, y muy fea, lo que con los años había empeorado un carácter ya de por sí poco afable.

Ramón Casas realizó este retrato de Teresa y dicen que cuando Eugeni d'Ors lo vió en su estudio, reconoció en ella a "La ben plantada", la protagonista de las glosas que publicó el verano de 1911 y en las que quisieron reflejarse todas las mujeres de su época, ya que personificó las virtudes de belleza e independencia de la ética noucentista. Sin embargo, el retrato no había sido un encargo. Se supone que lo hizo a partir de dibujos que  hizo a escondidas, cuando pintó a sus tres hijos por encargo de la matriarca Baladía. La temible tia Ramona tuvo siempre celos de Teresa y descubrir el retrato le dió la oportunidad de perjudicarla. Ante las sospechas que generó el retrato, y el escándalo consiguiente, le retiró la custodia de sus tres hijos y la recluyó en la casa de Argentona, fuera de Barcelona. Su marido se encontró entre dos fuegos, entre el amor por su mujer y la ira de tía Ramona. Teresa resistió algún tiempo y al cabo de unos meses tomó la única vía posible para una mujer en aquella época: huir. Huyó a Suíza con Josep Pijoan, un intelectual  más joven que ella, que le había mostrado su apoyo durante el doloroso proceso de separación de sus hijos. La película incluye la grabación sonora de Teresa en su lecho de muerte en 1949, pidiendo perdón a sus hijos y mostrándoles todo su amor, a pesar de no haber podido volver a verlos en todos esos años, aislada como quedó por tía Ramona.


Una historia trágica, desencadenada a raíz del retrato de una mujer muy hermosa, pintada por un excelente retratista.

Existe otro cuadro de Ramón Casas en que pintó a Teresa Mestre de Baladía Es un cuadro de cuerpo entero que se conserva en el MNAC, Museu Nacional d'Art de Catalunya, en Barcelona.


Respecto a ambos cuadros, Javier Baladía me explica que:

_ El de la túnica es más formal, pero es curioso que este cuadro, pintado por el retratista del Modernismo por excelencia, sea la obra fundacional del Noucentisme, su movimiento opuesto. Es un cuadro excepcional en el conjunto de la obra de Ramón Casas, porque a una persona real y conocida, la descontextualiza y la disfraza y peina de diosa griega. Realmente curioso. Es la única vez que lo hizo.

_  ¿Este cuadro lo pintó por encargo? 
_ Ninguno de los dos cuadros fue por encargo. Los pintó en secreto mientras retrataba a tía Ramona, Gip y Niní (niños, dos de los hijos de Teresa). Como Ramón Casas era amigo de la familia, hubo lio por este tema. Antes de venderlo al Museu d'Art Modern -luego MNAC- , pidió permiso a mi bisabuelo. Guardamos la carta original de Ramón Casas en la que se lo pide. Por eso Casas lo vendió al MNAC con la condición expresa de que nunca figure en una galería de retratos. 
El retrato en que está sentada, creo que se lo vendió Casas poco antes de morir a mi abuelo. El poder que tenía ese cuadro presidiendo el salón de casa de mis abuelos era tremendo. Nadie podía apartarle la mirada solo entrar. Lo llenaba todo con una vibración de belleza, serenidad y elegancia. Cuando te acercabas te miraba con una sonrisa muy amable pero con un punto de tristeza.
El retrato de la túnica es también muy potente, pero personalmente para mi no tiene tantos matices.  És más mitológico y épico, pero menos humano.



Fotografías: Archivo / Fons Baladía - Llorach

Links:
Trailer de "Abans que el temps ho esborri"
Ramón Casas
Eugeni d'Ors
Novecentismo 
Noucentisme
Javier Baladía

2011/08/17

Taller de pintura con Antonio López


Durante una semana he asistido al Taller de pintura que dirige Antonio López, acompañado por su mujer la pintora Mari Moreno, y los pintores José Maria Mezquita y Juan José Aquerreta, en la Universidad de Navarra, en Pamplona.

Del 8 al 12 de agosto, en un aula de la Facultad de Arquitectura temporalmente cubierta de caballetes de pintor, nos reuníamos unos 30 pintores y pintoras, donde estaban dispuestos dos bodegones de alimentos sobre mesas, dos bodegones volumétricos con cajas de cartón apiladas y para los que preferían trabajar figura del natural, posaban una modelo por la mañana y un modelo por la tarde.


apuntes del natural:óleo sobre papel

Para los pintores que solemos trabajar solos en el estudio, es fantástico tener un lugar en el que compartir tiempo y trabajo con otros pintores. Las conversaciones que tenemos sobre pintura, el olor de la esencia de trementina, la organización tan personal de los colores que puede verse en la paleta de cada uno, los comentarios de los profesores a cada cuadro o a cada etapa de cada cuadro, animándonos y corrigiéndonos, orientándonos y apoyándonos, son auténtico alimento del bueno.
Vernos trabajar de maneras tan diversas, incluso partiendo de una premisa realista como es la pintura de Antonio López y los temas de bodegón y figura del natural, es una lección de pintura non stop. Convivir nos permite conocernos, explicar nuestros problemas, consultar dudas técnicas, escuchar y ser escuchados, superar los bajones de ánimo y compartir las alegrías.

Apuntes rápidos a lápiz que hice durante el curso:




En una pausa del montaje de dos bodegones sobre mesas que se utilizarán como temas para pintar, Gonzalo Goytisolo le comenta a Antonio López que la gente de nuestra profesión se está quejando mucho, a lo que éste le responde:
_ En el mundo del arte no hay que estar con gente estropeada. La gente se queja mucho, llora mucho, y la gente estropeada hace más mal que bien..."


El pintor José Mº Mezquita, el primer día del Taller, nos explica en una pizarra:
_"En la realidad, ya sea el mundo vegetal o animal, se da un orden. Si entendemos ese orden y somos capaces de trasladarlo al lienzo, podemos transmitir la sensación que produce."




_"¡La herramienta para representar la realidad es el rigor!". Nos recomienda el uso de herramientas: la regla y el metro para medir las cosas en la realidad y trasladar esas medidas al cuadro, la plomada para comprobar las verticales y horizontales en la realidad y trasladarlas al dibujo, la calculadora para calcular la escala a la que hemos de traducir las medidas que tomamos.




Se realizó una mesa redonda abierta al público en el Museo de Navarra, que pudieron hacer todo tipo de preguntas a Antonio López, José Maria Mezquita y Juan José Aquerreta, mientras Maria Moreno escuchaba desde la primera fila.
La respuesta de Juan José Aquerreta a una de las preguntas del público:

_"(...) Como ahora no hay curas y los políticos han perdido todo el prestigio, la gente busca a los más raros para que les explique algo de sus propias vidas."

En una de las tertulias espontáneas que se organizaban en el taller cuando se juntaba un corro de gente, una alumna comentó el bajo nivel de exigencia que veía en las clases de la facultad de Bellas Artes, a lo que Antonio López comentó:
_ El método es que no haya método. Eso es más cómodo y más divertido. Hay que educar a la gente a la libertad, si no, es una irresponsabilidad. Eso es muy cómodo, para los profesores y para los alumnos. Mucha gente que enseñan allí no se ganan el pan bien y mucha gente que estudia allí le está quitando el sitio a niños que se diviertan y a viejos. Un rato les puedes decir: _haced lo que os dé la gana._ , pero incluso eso lo tienes que hacer con atención, porque esas personas están ahí para aprender, si no, es una irresponsabilidad."




Creo que lo que he vivido esta semana va a resonar durante meses de trabajo en el estudio. Eso es lo que me han comentado varios veteranos de asistencia a estos Talleres que cada verano, desde hace seis años, da Antonio López en la Universidad de Navarra. Pintores como Gonzalo Goytisolo, Elena Goñi, Maite Piñero, o Juan Sorroche, han asistido varios años porque la experiencia es muy positiva. Otros novatos, como Gemma Pichot, Aina Sánchez, Emilio Vidal, Pablo Giménez o yo misma, nos vamos con la intención de volver el año que viene. Aunque hay una selección de los participantes que hace Antonio López a partir de un cv y dos fotos de cuadros, por lo que ya veremos si tengo esa suerte otra vez.


Enlaces:
Taller de pintura en la Universidad de Navarra
Antonio López
Jose Maria Mezquita
Juan José Aquerreta
Elena Goñi
Gonzalo Goytisolo
Maite Piñero
Emilio Vidal
Gemma Pichot
Pablo Giménez Olavarria
Juan Sorroche

Fotografías y dibujos: Nuria Armengol



2011/01/09

Vivian Maier, fotógrafa.

Vivian Maier trabajó como niñera para varias familias durante cuarenta años en la ciudad de Chicago. En sus días libres salía siempre a la calle con una cámara de fotos, pero nunca enseñó sus fotos a nadie.

Los niños a los que cuidó en los años 50 la describen como una Mary Poppins, siempre sorprendente e interesante. Otros empleadores la describen como una mujer de carácter fuerte, que hablaba con acento francés, con opiniones firmes en política y un marcado anti-catolicismo.


Este video de un reportaje de tv, entrevista a John Maloof, un vendedor inmobiliario de Chicago que en 2007 preparaba un libro sobre un barrio de su ciudad y encontró en un mercadillo una caja con negativos que incluía alguna vista de Chicago que podía serle útil. Al mirar los negativos con calma se quedó cada vez más admirado. De hecho, como él mismo explica, ver sus fotos le inspiró para hacerse fotógrafo también él y, conforme hacía progresos, cada vez "veía" más en las fotos de Vivian Maier. Compró una cámara como la suya y fué a las calles que Maier había fotografiado, con lo que comprobó lo difícil que era obtener una foto de ese calibre.



Blog de John Maloof sobre Vivian Maier: fotografías, Biografía, calendario de documental, libro, etc:
http://vivianmaier.blogspot.com/
El artículo de wikipedia es muy completo y bien documentado:
http://en.wikipedia.org/wiki/Vivian_Maier
Exposicion en Chicago, del 8 de enero al 3 de abril de 2011:
http://www.explorechicago.org/city/en/things_see_do/event_landing/events/dca_tourism/FindingVivianMaier_ChicagoStreetPhotographer.html