Pintura Virtual e Interactiva. Body Paint.

"Body Paint" Installation at "Clicks or Mortar", March 2009 from Memo Akten on Vimeo.
"Body Paint"es una instalación interactiva mediante la que "pintar" sobre un lienzo virtual con los movimientos del cuerpo. No pretende tener una aplicación pictórica, sino ofrecer la posibilidad de hacer algo "plástico" con los movimientos de todo el cuerpo. Es una performance lúdica que permite a los adultos comportarse como niños con una caja de pinturas y verlos embadurnar las paredes mientras juegan y ríen.
El video muestra a varios visitantes de la exposición Decode en el Victoria & Albert Museum de Londres, del 8 de diciembre 2009 al 11 de abril 2010.
Su autor, Memo Akten, se define en su blog como artista, músico, ingeniero, creador de juegos, visualizador y científico loco residente en Londres. En su web se pueden ver muestras detalladas de su trabajo, como Reincarnation, de la que hablé en la entrada sobre La Pintura y el Fuego.

Escultura, Luz e Interactividad. Studio Roosegaarde.

El video muestra cómo recorrer un pasillo subterráneo de una estación de Metro en Rotterdam, se convierte en un paseo artístico e interactivo, cuando los transeúntes interactúan con la instalación Dune 4.1- Maastunnel de Studio Roosegaarde.

Presentación del libro Journal de voyage.

azulbleu presenta el libro "Journal de voyage", que muestra en detalle la serie de siete cuadros de Nuria Armengol, realizados entre noviembre 2006 y abril 2008. Puede verse completo y puede comprarse en la web de blurb. 
Aviso:  Actúa como bálsamo para las prisas, antídoto para los enfados y estimulante de la actividad cerebral. No tiene contraindicaciones y puede consumirse tantas veces como se quiera, sin necesidad de receta médica.

No hay ningún camino hacia la felicidad, la felicidad es el camino.
Proverbio tibetano.



Texto de introducción que aparece en el libro:
Esta serie de siete cuadros se desarrolló como las etapas de un viaje que se han dejado al azar. El título me lo dió la lectura del libro "Journal de voyage", la correspondencia que durante cuarenta años mantuvo la intrépida viajera y orientalista francesa Alexandra David-Néel con su marido. Esta viajera salió de Argel en 1910 hacia Oriente, sin saber que permanecería allí durante treinta años. Recorrió y vivió largas temporadas en Japón, India, China y Tibet, mientras estudiaba budismo, hinduismo y otras filosofías orientales, siendo la primera mujer occidental que entró en Lhasa en 1924, la capital del país que entonces estaba cerrado a todos los extranjeros: el Tibet.

Inicié la serie “Journal de Voyage” como un viaje del que no tenía un destino fijado de antemano. Sólo sabía que sería un viaje en varias etapas y que esas etapas serían siete cuadros, sin determinar de entrada exactamente cómo serían, dejando que cada cuadro terminado me llevara al siguiente. Estos cuadros relatan un viaje simbólico, una transformación interior, no son un reportaje de viajes, por lo que les dí desde un principio un denominador común visual para que compartieran aquello que miran todos los viajeros: el horizonte. De manera que la línea del horizonte se mantiene a la misma altura en los cuadros 1, 2, 4, 5 y 6, y permanece indicada en los cuadros 3 y 7. Respecto a la niña protagonista de esta serie de cuadros "Journal de voyage", quería hacer evidente su evolución de niña a joven y de joven a adulta, durante la que sufre auténticas metamorfosis interiores, por lo que cambio su aspecto en cada cuadro. Lo mismo les ocurre a los animales y objetos que la acompañan. El paso del tiempo forma parte del viaje y esta serie es una secuencia temporal que abarca varios años en la vida de la niña. Al mismo tiempo, dado que la mejor hora para iniciar un viaje suele ser al amanecer, situé en ése momento el primer cuadro y asigné la noche cerrada al último cuadro. De este modo viajaríamos con las distintas luces del día, recorriendo el arco luminoso completo de una jornada. 

La vida se manifiesta como una danza ininterrumpida de acontecimientos. La serie no queda cerrada en el cuadro “Journal de voyage 7”, que será algún día un nuevo inicio.

Pintura Mural en animación.

Face 2 Face- balloon girl from EB Hu on Vimeo.

Una niña cobra vida en esta animación por ordenador sobre la pintura mural que cubre las fachadas de nuestras ciudades. Los muros de muchas fachadas urbanas están cubiertos de seres, escenas, retratos, pintados por muchos pintores anónimos que regalan su arte. En esta animación que utiliza un dibujo algo ingenuo, se explica muy bien el proceso de transformación mostrando un único personaje que cobra vida, el de una niña pintada en un muro que, haciendo entrega de sí misma, logra permanecer en un mundo impermanente. Es una narración visual sobre la impermanencia de nuestro paisaje urbano, donde vemos aparecer nuevos edificios donde se derriban los anteriores y cómo con ellos desaparecen otros habitantes y otra manera de vivir.


Es el mismo tema que José Luis Guerín narró muy bien en su pelicula documental "En construcción", filmando durante un año el proceso de construcción de un nuevo edificio en el barrio barcelonés del Raval y dejando hablar a los albañiles, a los vecinos antiguos y nuevos de un barrio en transformación, haciéndonos descubrir auténticas pepitas de oro entre el barro de los ladrillos con las palabras del albañil filósofo, el gesto del capitán de barco retirado o la belleza esencial de una joven pareja de enamorados.

En las ciudades pasean personajes anónimos entre pinturas anónimas, como en esta imagen del proyecto pedestrian, de la artista Yvette Helin.

Manifiesto de creative commons

Manifiesto publicado en la página española de creative commons, que suscribo y publico en el blog:

En defensa de los derechos fundamentales en internet

4 Diciembre 2009 por Administrator

Ante la inclusión en el Anteproyecto de Ley de Economía sostenible de modificaciones legislativas que afectan al libre ejercicio de las libertades de expresión, información y el derecho de acceso a la cultura a través de Internet, los periodistas, bloggers, usuarios, profesionales y creadores de Internet manifestamos nuestra firme oposición al proyecto, y declaramos que:
1 - Los derechos de autor no pueden situarse por encima de los derechos fundamentales de los ciudadanos, como el derecho a la privacidad, a la seguridad, a la presunción de inocencia, a la tutela judicial efectiva y a la libertad de expresión.
2 - La suspensión de derechos fundamentales es y debe seguir siendo competencia exclusiva del poder judicial. Ni un cierre sin sentencia. Este anteproyecto, en contra de lo establecido en el artículo 20.5 de la Constitución, pone en manos de un órgano no judicial -un organismo dependiente del ministerio de Cultura-, la potestad de impedir a los ciudadanos españoles el acceso a cualquier página web.
3 - La nueva legislación creará inseguridad jurídica en todo el sector tecnológico español, perjudicando uno de los pocos campos de desarrollo y futuro de nuestra economía, entorpeciendo la creación de empresas, introduciendo trabas a la libre competencia y ralentizando su proyección internacional.
4 - La nueva legislación propuesta amenaza a los nuevos creadores y entorpece la creación cultural. Con Internet y los sucesivos avances tecnológicos se ha democratizado extraordinariamente la creación y emisión de contenidos de todo tipo, que ya no provienen prevalentemente de las industrias culturales tradicionales, sino de multitud de fuentes diferentes.
5 - Los autores, como todos los trabajadores, tienen derecho a vivir de su trabajo con nuevas ideas creativas, modelos de negocio y actividades asociadas a sus creaciones. Intentar sostener con cambios legislativos a una industria obsoleta que no sabe adaptarse a este nuevo entorno no es ni justo ni realista. Si su modelo de negocio se basaba en el control de las copias de las obras y en Internet no es posible sin vulnerar derechos fundamentales, deberían buscar otro modelo.
6 - Consideramos que las industrias culturales necesitan para sobrevivir alternativas modernas, eficaces, creíbles y asequibles y que se adecuen a los nuevos usos sociales, en lugar de limitaciones tan desproporcionadas como ineficaces para el fin que dicen perseguir.
7 - Internet debe funcionar de forma libre y sin interferencias políticas auspiciadas por sectores que pretenden perpetuar obsoletos modelos de negocio e imposibilitar que el saber humano siga siendo libre.
8 - Exigimos que el Gobierno garantice por ley la neutralidad de la Red en España, ante cualquier presión que pueda producirse, como marco para el desarrollo de una economía sostenible y realista de cara al futuro.
9 - Proponemos una verdadera reforma del derecho de propiedad intelectual orientada a su fin: devolver a la sociedad el conocimiento, promover el dominio público y limitar los abusos de las entidades gestoras.
10 - En democracia las leyes y sus modificaciones deben aprobarse tras el oportuno debate público y habiendo consultado previamente a todas las partes implicadas. No es de recibo que se realicen cambios legislativos que afectan a derechos fundamentales en una ley no orgánica y que versa sobre otra materia.

12 cuadros para el año 2010

La última entrada de 2009 y primera entrada de 2010 es la propuesta de un proyecto para el blog:
Un cuadro interesante cada mes.
Expondré un cuadro que podamos mirar y comentar. Necesitaré cuantos más comentarios mejor porque cada comentario aportará algo nuevo a la manera de mirar el cuadro de los demás.
El año que viene en azulbleu empezará con buena pintura. Sería fantástico que los lectores del blog propusierais cuadros que os interesan. Lanzo la pregunta: ¿Cuál es tu cuadro favorito y por qué?

Mirar un cuadro

Robert Hughes, escritor y crítico de arte con un gran prestigio internacional, es también un gran aficionado a la pesca, sin ser un experto pescador. "Un idiota en un extremo de una línea, esperando a un idiota en el otro", es una manera popular de definir la pesca con caña y es como titula su libro sobre el tema: "A Jerk on One End: Reflections of a Mediocre Fisherman", en el que nos explica que pescar con caña consiste en gran medida en no capturar ningún pez y que el fracaso forma parte de este deporte igual que las heridas en la rodilla forman parte del fútbol.
Robert Hughes creció en Sydney Harbour, en Australia, practicando rugby en el colegio cuando su idea de un deporte de contacto era el ajedrez. Desarrolló una gran afición a la pesca por la posibilidad que le daba de permanecer solo varias horas, algo valioso a esa edad para quien tiene fama merecida de listillo snob entre sus compañeros y un padre muy ocupado. Ningún problema, porque sin ser consciente de ello entonces, estaba recibiendo una educación muy valiosa en mirar y discriminar.
Traduzco libremente del inglés un párrafo de su libro:
"Para pescar algo, por pequeño que sea, has de percibir qué pasa: el movimiento del agua y los dibujos que hace, las rocas, las algas, el temblor de los pececillos en desbandada que delata a un depredador mayor por debajo de ellos. El tiempo que pasé en el muelle me enseñó a concentrarme en lo visual, porque pescar es una actividad intensamente visual, incluso-quizá especialmente-cuando no ocurre nada. Ver es fácil, pero aprender a mirar es algo que ocurre gradualmente, algo que se adquiere poco a poco de una forma inconsciente y llega con sigilo. La señal de que se ha adquirido es el hecho de que ya no te aburre la ausencia de lo espectacular."

La ausencia de lo espectacular es precisamente lo que hace que mirar un cuadro sea una experiencia placentera, porque si hemos superado el primer impacto después de verlo y seguimos mirando, podremos recorrer y disfrutar el dibujo, la composición, la gama de color, los matices, las innumerables decisiones que ha tomado el pintor con respecto al tema, veremos el tiempo que el pintor pasó frente a la tela y podremos compartir la luz que le iluminó, las emociones que le influyeron y la conclusión a la que llegó, al firmarlo, de que aquel cuadro es su visión del mundo y que quiere compartir esa visión con cualquiera que en ese momento se detenga a mirar su cuadro.  

Ver cuadros en la web, con super alta resolución

Ahora podemos ver en la pantalla del ordenador algunas obras maestras de la pintura que están en el Museo del Prado de Madrid, con un grado de definición y de detalle como nunca antes nos fué posible visitando las salas del Museo, gracias a la super alta resolución. Es increíble acercarse a los cuadros y poder ver la pincelada como si sólo nos separaran unos centímetros de la tela. Vemos el craquelé, la trama del lienzo, el rastro del pincel como lo veríamos si pudiéramos acercar una lupa. Podemos ver cada trazo de la cabellera huyendo de la frente de Eva en el Jardin de las Delicias de el Bosco, o ver la mancha nada redonda de la pupila de una Menina de Velázquez y la comisura de la sonrisa de una de las Tres Gracias de Rubens.
Son catorce cuadros extraordinarios, como lo es la manera de verlos que ha posibilitado Google Earth, digitalizando estas imágenes en formato super alta resolución. No puedo poner un enlace directo ya que para verlo hay que instalar gratuitamente Google Earth en nuestro ordenador, buscar Museo del Prado, Madrid, España y una vez allí, seleccionar la opción Obras Maestras que aparece como un pequeño recuadro blanco sobre el edificio. 
Por curiosidad he buscado si existía en el Louvre y en el British Museum la misma posibilidad de ver obras que se encuentran allí con este grado de definición, pero no lo he encontrado. Aunque ha sido pura avidez, ya que bucear con este nivel de detalle visual en estos catorce cuadros puede llevar a cualquier aficionado a la pintura, a disfrutar durante años de la riquísima imaginación visual de el Bosco, de la precisión de Durero, o de las transparencias de Rubens y descubrir nuevos detalles en cada visita. Todavía recuerdo el curso de Historia del Arte que nos dió el profesor José Milicua en la facultad de Bellas Artes, donde durante un año observamos únicamente tres cuadros: "El matrimonio de los Arnolfini", de Jan Van Eyck, "La muerte de Marat", de David y el "Guernica" de Picasso. En esas clases que siempre se me hacían cortas aprendí a mirar los cuadros, que veíamos proyectados en diapositivas en la Sala de Actos. Primero mostraba el cuadro en general y después nos acercaba a observar y analizar los detalles, mientras nos hablaba de las técnicas de pintura que había utilizado el pintor, el estilo artístico al que pertenecía, el contexto histórico en que vivió el artista y realizó su obra, y costumbres de la época o sucesos históricos que plasmaba. El cuadro crecía y crecía a nuestros ojos conforme con sus palabras José Milicua ampliaba nuestra manera de mirarlo. 

Gracias a Luis Serra por enseñarme esta opción en google earth.

¡Pintura! Marina Núñez.

Pintura de Marina Nuñez, una pintora a la que admiro desde hace años, cuando vi un cuadro suyo en la exposición colectiva "Una locura", comisariada por Juan Bofill, en la que también participaba Jordi Saladrigas, en 2001(?). De pronto he caído en que no había escrito nada sobre ella, a pesar de recordar su cuadro durante todos estos años. Era una cabeza enorme, con una gama de color nada realista y una mueca como expresión. Pertenecía a su serie de cuadros "Locura" y aunque era otra, he decidido reproducir ésta cabeza porque es donde mejor se aprecia el contraste de azules y rojos, ya que es difícil en el pequeño tamaño de la columna de este blog producir el mismo impacto que me produjo ver el cuadro de 145 x 145 cm al natural. Creía recordar que el color del fondo era el mismo lienzo de lino sin imprimar, pero al ver las fotos de su web, ahora lo dudo.

La memoria, dicen, reconstruye nuestros recuerdos cada vez que los evocamos y los va modificando con el tiempo.

Es el único cuadro que he visto de ella al natural. Al visitar su web, lamento no haber visto hasta ahora cuadros como éste de la serie "Ciencia Ficción" donde, gracias a un punto de vista cenital nos pinta una inquietante realidad sugiriendo que dos seres habitan un mismo cuerpo, aunque bien podría ser la representación de un pensamiento, un recuerdo, o bien de un proceso mental o capacidad de percepción.

Utilizar la pintura figurativa y el dibujo realista no para representar una realidad externa, sino pensamientos, emociones, procesos mentales, es algo a muchas mujeres pintoras parece interesarnos mucho.

El Bosco visto desde Beijing: Miao Xiaochun

Miao Xiaochun (1962) es un artista chino que revisita las obras de grandes maestros del arte occidental utilizando técnicas de imagen generada por odenador.
Es una auténtica revisión y recreación, a partir de una iconografía fácilmente identificable para quienes admiran las obras del Bosco, Lorrain, Cranach, etc. La originalidad de su mirada oriental sobre un arte en principio culturalmente ajeno, pero que conoce admirablemente, actualiza y da un nuevo sentido a imágenes que asociamos con un pasado glorioso, pero lejano, del arte occidental. Todas las culturas emergentes han revisado, adoptado y transformado las culturas imperantes a las que vienen a sustituir: lo hicieron los romanos con el arte griego, los italianos del Renacimiento con los romanos, los cubistas europeos con el arte africano...
Señoras y señores: Pasen y vean cómo nuestro patrimonio cultural europeo pasa a ser asimilado y transformado por China, en la Exposición "Beijing Time/ La hora de China" en el Matadero de Madrid, del 17 de diciembre de 2009 al 21 de marzo de 2010. Ya que están en Madrid, pueden pasar por el Museo del Prado para mirar "El Jardín de las Delicias" de el Bosco. Nunca defrauda.

Balthus habla de Pintura, escuchamos.

Podemos tener la sensación de estar en la misma habitación y escuchar a Balthus hablándonos de pintura, al leer el libro "Memorias. Balthus". Durante sus estancias en la Rossinière, la gran casona de madera situada en una ladera de Enhaut, Suíza, Alain Vircondelet escuchó atentamente las reflexiones y los recuerdos del anciano Balthus, el gran pintor figurativo del siglo XX, contemporáneo y amigo de Bonnard, Rilke, Picasso, Giacometti, Mondrian, Malraux, entre muchos otros, que vuelve sobre sus pasos para recordar cuando siendo muy joven aprendía a pintar copiando en las salas del Louvre a Poussin y Lorrain, y cómo más tarde descubría en Italia a sus maestros Piero della Francesca, Massacio y Giotto, para volver a Francia concentrando su vida en la pintura de depurados, lentamente elaborados, intemporales y esenciales retratos, cuadros y decorados y finalmente regresar a Italia para dirigir durante unos años la Villa Medici en Roma. En estas conversaciones nos hace sentir cercanos a todos los grandes artistas que encontró en su vida, vivos y muertos, europeos y orientales, y nos expone sus pensamientos y procesos de trabajo para que podamos vislumbrar cómo ha elaborado sus cuadros. En el prólogo del libro , Paul Lombard explica:
"Cuando la melancolía caía como nieve sobre el Grand Chalet cubierto de escarcha por el viento, Balthus me tomaba interminablemente la mano para calentar la suya. Lo interminable se me hacía corto. Ese ladrón de calor encendía un pitillo detrás de otro y, con voz quebrada, me hacía compartir sus recuerdos más recónditos: "No sé -me dijo unos días antes de su muerte- si le he contado, Maître Paul -siempre me llamaba así-, cómo conocí a Antonin Artaud".

Oímos el ronroneo de algún gato que se acerca, y la voz de Balthus en un susurro:
"Hay que aprender a atisbar la luz. Sus inflexiones. Sus fugas y sus filtraciones. Por la mañana, después del desayuno, después de leer el correo, informarse sobre el estado de la luz. Saber si es posible pintar hoy, si el avance en el misterio del cuadro será profundo. Si la luz del estudio será buena para penetrar en él."
(...) "El estudio es el lugar de trabajo. De la dura faena. El lugar del oficio. Es fundamental. Es allí donde me recojo, como en un lugar de iluminación."
(...) "Me encantan esas horas que paso mirando el lienzo. Contemplándolo. Horas incomparables en su silencio."
(...) "Un cuadro o una oración, lo mismo da: una inocencia por fin alcanzada, un tiempo sustraído del desastre del tiempo que pasa. Una inmortalidad capturada."
(...) "Tengo fama de pintar un cuadro en diez años. Yo sé cuándo está terminado. Es decir, cuándo está cumplido. Ninguna pincelada, ni el menor rastro de color deben corregir el mundo por fin alcanzado, el espacio secreto por fin percibido. Fin de la larga plegaria pronunciada en el silencio del estudio. Fin de la contemplación silenciosa. Se ha acariciado una idea de la belleza".

Pintores en el cine

Las películas en que aparecen pintores son numerosas, ya que su trabajo es muy fotogénico. Al contrario de los poetas, cuyo trabajo es muy poco cinematográfico como bien explica la gran poeta Wieslawa Szymborska:

"Espectaculares pueden ser las películas sobre pintores, ya que es posible reconstruir todas las fases de creación de un cuadro -desde la primera raya hasta la última pincelada. Las películas sobre los compositores se llenan con su música: desde los primeros compases, que el creador escucha en su interior, hasta la obra madura ya terminada y repartida entre varios instrumentos. Todo sigue siendo muy ingenuo y no dice nada sobre el extraño estado de ánimo que se conoce comúnmente como inspiración, pero por lo menos hay algo para ver y oír.

El peor de los casos es el de los poetas. Su trabajo resulta irremediablemente poco fotogénico. Uno permanece sentado a la mesa o acostado en un sofá, con la vista inmóvil, fija en un punto de la pared o en el techo; de vez en cuando escribe siete versos, de los cuales, después que transcurre un cuarto de hora, va a quitar uno y de nuevo pasa una hora en la que no ocurrirá nada ¿Qué clase de espectador podría soportar una cosa semejante" 

¿Por qué algunas películas no son ingenuas y sí transmiten el trabajo de Pintura? Parecen sortear la dificultad de mostrar el "extraño estado de ánimo que se conoce comúnmente como inspiración" del que habla W.S. y que más adelante explica:


"la inspiración no es privilegio exclusivo de los poetas ni de los artistas en general. Hay, hubo, habrá siempre un número de personas en quienes de vez en cuando se despierta la inspiración. A este grupo pertenecen los que escogen su trabajo y lo cumplen con amor e imaginación. Hay médicos así, hay maestros, hay también jardineros y centenares de oficios más. Su trabajo puede ser una aventura sin fin, a condición de que sepan encontrar en él nuevos desafíos cada vez. Sin importar los esfuerzos y fracasos, su inquietud no desfallece. De cada problema resuelto surge un enjambre de nuevas preguntas. La inspiración, cualquier cosa que sea, nace de un perpetuo "no lo sé".

"Andrei Rublev", de Tarkovski une profundidad y belleza.

 

Un lugar seguro

 Imagen: Fred Wilson, "Safe House II, (Speak of Me as I Am)", 2003

Un espacio seguro es el título de una interesante entrada en el blog de arte Art21. En el artículo varios profesores de arte comentan maneras de ofrecer a los alumnos un espacio seguro en el que puedan aprender, estudiar y crear. Para ello proponen al alumno el uso de una libreta de apuntes en la que volcar ideas y proyectos, trabajar fuera de clase para aplicar los conocimientos que han aprendido allí y al profesor le proponen que organice bien el tiempo de clase. Llegan a la conclusión de que los espacios a los que dan forma tienen más que ver con las herramientas que facilitan, la confianza que construyen y la buena distribución del tiempo, que simplemente con el orden de las lecciones y el espacio físico.

Sin embargo, la imagen con que lo ilustran me ha hecho pensar en el espacio físico seguro.
No sólo los humanos, todos los animales que recuerdo necesitan un espacio seguro. Todos establecen una madriguera en la que sentirse seguros, que puede ser un espacio físico como lo son nuestras casas o puede ser un espacio de refugio como el que crean las manadas y rebaños o los bancos de peces envolviendo protectoramente a cada individuo. Ya sean nómadas o sedentarios, los seres vivos recurren al espacio seguro cada cierto tiempo, ya sea durante la noche, el día, el invierno o durante la época de cría.
Es una necesidad básica incluída en la Declaración de Derechos Humanos.

Bueno, muchos pintores establecen el espacio seguro de su trabajo en su estudio. En estos tiempos de crisis económica, muchos vamos a ver desaparecer ese espacio seguro y volveremos a pintar en una pequeña habitación de la casa. O estableceremos ese gran estudio portátil que es la libreta de apuntes. Y su hermano mayor el libro de artista, con las páginas abiertas como paredes creadoras de espacios mentales. El blog, la web, escenarios tan efímeros como la visita virtual, en los que caben un artista trabajando y cuantos quieran entrar a participar serán otro espacio seguro que se trasladará con nosotros allá donde vayamos.
Un espacio físico seguro para trabajar lo encontraremos en bares, bibliotecas, centros de arte y lugares públicos que nos ofrezcan el refugio, el silencio, la comunidad y los estímulos sensoriales o intelectuales que necesitamos para hacer lo que mejor sabemos hacer.

Día internacional de la Pintura

Sin comentarios.

lo que quiero pintar...

...es un video (hacer click sobre la imagen).

Pintura y Música

Pintura y Música es título para un libro con millones de páginas, si eso es posible. La relación mutua de Música y Pintura es remota como los cantos o el sonido de percusión que posiblemente acompañó el trazo de la pintura en las cuevas de Altamira o Lascaux. En Tassili, Argelia, éstos músicos fueron pintados hace unos seis mil años.

La Música ha ayudado a crear infinidad de cuadros y la Pintura ha sugerido sonidos a los músicos. Muchos pintores trabajamos envueltos literalmente en música cuando estamos en el estudio y la música que elegimos escuchar influye en la obra. He terminado titulando cuadros con el título de la música que escuchaba al pintarlos, porque son tan míos como de la atmósfera sonora que crea la música.
Los músicos hablan de coloratura como un realce de la música y la soprano de coloratura es la que interpreta la famosa aria de La Reina de la Noche en La flauta mágica de Mozart.

El cuadro de Klimt "la Música", logra con el movimiento de formas abstractas en el fondo y en el instrumento, que contrastan con el gesto de concentración de la mujer, sugerir lo que quiere representar: la inmaterialidad de los sonidos y su capacidad evocadora.

La música para esta entrada: video de la celista Zoë Keating, interpretando "Escape Artist".
Y para los que quieren escuchar la música que han compuesto dibujando en una cuadrícula, aquí está inudge.net, cuyo slogan es: todos podemos crear música.

Aurelia Muñoz. Escultura y color.

Aurelia Muñoz es una gran artista de ochenta y tres años que ha realizado esculturas con todo tipo de materiales de origen vegetal: yute, algodón, papel. Sus obras pueden verse en la galería N2 de Barcelona hasta el día 7 de noviembre de 2009. Las obras son compactas, como la realizada en yute "Ente social" y etéreas, como "Mandala jardín". El día de la inauguración fué un placer verla a través de su obra "Algas azules", realizada con papeles a los que da forma y color al elaborarlos, rodeada por el respeto de jóvenes artistas.

Pintura, fluidez.

La fluidez de la pintura se asocia con las técnicas al agua, como acuarelas o tintas. Son pigmentos mezclados con un aglutinante y disueltos en agua. Un ejemplo de tinta utilizada en Oriente para escritura y pintura es este haiku de Ikkô y un ejemplo de acuarela utilizada en Occidente es "Norham Castle. The sunrise", de Turner:

Este video evanescente recrea la fluidez de los colores de la pintura como la observamos al limpiar pinceles de tinta en agua, al utilizar salpicaduras en dripping painting o al pulverizar pigmentos con un spray o un aerógrafo. La música es del compositor islandés Ólafur Arnalds y la imagen generada por ordenador del animador argentino Esteban Diácono.

Ólafur Arnalds - Ljósið (Official Music Video) from Erased Tapes on Vimeo.

Raquel Cohen. Escultura y Luz.

Una mujer puede pintar con luz utilizando planchas de cobre con pátinas de distintos colores. Colores para una noche negra y oro, cubierta de verdes, ocres y rojos de tierra. Una mujer puede, sólo con una aguja y un hilo, construir un barco para navegar la Noche. En su noche, los troncos de árbol se abren como libros. Las enormes hojas tienen en sus nervaduras que recorre una savia luminosa, el mapa de un laberinto.

La fotosíntesis es el proceso por el que las plantas transforman la luz solar en materia vegetal. Esta mujer hace el camino inverso y la materia de sus esculturas de arquetipos vegetales produce luz: las semillas gigantes que surgen en su estudio, cuando germinan no producen flores, dan a luz estrellas.

Si la Pintura hay que verla al natural, la Escultura ha de recorrerse y se ha de tocar. Se pueden ver las esculturas de Raquel Cohen y quedar envueltos por su luz en la exposición que inaugura en la Galería Michael Dunev el 5 de septiembre 2009. Para que la escultura sea una experiencia además de un objeto, hay que verla.

Feliz Cumpleaños

Para todos los pintores y las pintoras que hoy, 20 de agosto, cumplen años, regalo un texto lleno de colores firmado por Pablo Picasso, fechado el 20-8-59:

"Las escarapelas rosas y verdes de las estrellas lucían sus pelos negros el sol de rodillas al borde del pozo tocando y retocando sus afeites en las lunas de las uñas y en las tejas de racimos verdes de las uvas negras recortadas de perfil sobre el enjambre de azules de la camiseta rayada del azul del azul verdoso del azucarado azul clavado al rosa del pañal morado del lila arrebujado en el nido del morado celeste del ombligo azul del catre tendido al risueño olor de cabra y cabrón al borde del riachuelo con tanta gracia y sin risas ni gritos- a las seis empezó el baile de todos los antiguos empleados de las casas castillos estaciones de trenes tabernas panaderías sastres curas y peluqueros chicas de servir amas de casa niñeras peones camineros- todas las niñas de dos semanas a cuarenta y tantos años vestidas de rosas y claveles de jazmines y nardos distribuyeron las torrijas airosas a los mozos y a las autoridades- la hermana de Montserrat y la Pamela sacaron el número mayor y se fueron tan contentas al olivo. Don Augusto Manuel el sinvergüenza se emborrachó y se puso como una sopa en el portal del curro. Gracias sean dadas a la presencia de espíritu del Alcalde no pasó nada pero la cosa estuvo fea durante seis semanas sin contar los días de fiesta."

Extracto del libro:

"El Entierro del Conde de Orgaz", Pablo Picasso, Editorial Gustavo Gili, Barcelona, 1970

¡Felicidades!

Cosmos y Pintura

Los pintores y las pintoras han levantado muchas veces la vista para mirar el cielo y han querido después pintar esa inmensidad. Turner, Van Gogh, Kandinsky, Miró, Joan Ponç, Vija Celmins, ...

Ahora los astronautas orbitan alrededor de la Tierra y desde las ventanas de la estación espacial ISS miran hacia abajo. Y lo que ven cuando nos miran desde el cielo, se parece mucho a lo que vemos nosotros cuando levantamos la vista hacia el cielo.

Y algo curioso, es que estas imágenes parecen compartir la misma belleza que Santiago Ramón y Cajal dibujó mirando hacia abajo en su microscopio, para estudiar las neuronas del cerebro:

y que encontramos en las fotografías actuales de neuronas:

o en las simulaciones de neuronas realizadas por ordenador:

Las resonancias en la forma, los elementos comunes en el dibujo de sus componentes que forman los seres vivos, pueden recordarnos cuán interconectados estamos todos los seres. No sólo entre los de la misma especie, sino con todo lo que forma parte de la Naturaleza en la Tierra y con el Cosmos.

Banksy y Miquel Barceló

Los pintores muralistas de hoy día no esperan que un cliente, ya sea la Iglesia o el Estado, el Rey o la Nobleza, le hagan un encargo, como el que el Papa Julio II hizo a Michelangelo para que pintara el techo de la Capilla Sixtina en Roma. El pintor y la pintora muralista de hoy día ya no pintan los muros interiores de un palacio o de una iglesia, dejando sus Pinturas a la vista sólo de unos privilegiados con acceso al interior del palacio, o de los fieles a un determinado culto religioso.

Los pintores muralistas hoy, realizan sus pinturas en las paredes exteriores de los palacios que levanta el poder actual, ya sean Bancos o Museos de Arte contemporáneo. Siguiendo el signo de los tiempos, que han traído los avances sociales que suponen el acceso generalizado a la salud, la educación y la enseñanza, los pintores murales utilizan ahora todas las paredes de fachadas que encuentran a su alcance, poniendo así su Pintura a la vista de todos. Ahora sólo has de pasear por la calle para acceder a muestras de Pintura mural. En Barcelona ha habido ejemplos excelentes en los alrededores del Macba durante los últimos años. Y cualquiera que entre o salga de una gran ciudad en coche o tren, habrá podido ver muchos.

A diferencia de Miquel Barceló que ha aceptado el encargo hecho por el Ministerio de Cultura español con un presupuesto de millones de euros, para pintar el techo de la Sala Central de la ONU en Ginebra, siguiendo así la larga tradición que une a artistas y poderosos de todas las épocas, Banksy es un Pintor muralista que trabaja de forma altruista.

Banksy pinta gratuitamente los muros de fachadas con temas figurativos y socialmente comprometidos. Sus graffitti son el equivalente gráfico a un editorial de prensa sobre temas actuales. Eligiendo el lugar y la imagen, hace comentarios a la vista de todos y emite su opinión sobre terrorismo, autoridad, libertad, vigilancia policial, sexo, etc. Lo ha hecho en las calles de Londres y de muchas otras ciudades. También sobre el muro que separa a los Palestinos en Israel.

Banksy, con su preocupación por mostrar temas que son motivo de polémica y con los que se cuestionan actitudes, tiene un enfoque parecido al Géricault de La balsa de la medusa.

Aunque Banksy abandona temporalmente los muros callejeros y expone sus cuadros en el Bristol Museum. Mmmhh...¿Quizá sea el próximo en pintar la cúpula de Saint Peters?

Restauración de Pintura

Francisco de Goya responde por carta fechada en 1801 a la consulta que se le hace sobre la restauración de unas pinturas, tras visitar el taller del pintor que la realiza:

"(...) No puedo ponderar a Vuestra Excelencia la disonancia que me causó el cotejo de las partes retocadas con las que no estaban, pues en aquéllas se había desaparecido y destruído enteramente el brío de los pinceles y la maestría de delicados y sabios toques del original que se conservaban en éstos; con mi franqueza natural, animada del sentimiento, no le oculté lo mal que me parecía. A continuación se me mostraron otros, y todos igualmente deteriorados y corrompidos a los ojos de los profesores y de los verdaderos inteligentes, porque además de ser constante que cuanto más se toquen las pinturas con pretexto de su conservación más se destruyen, y que aun los mismos autores reviviendo ahora, no podrían retocarlas perfectamente a causa del tono rancio de colores que les da el tiempo, que es también quien pinta, según máxima y observación de los sabios, no es fácil retener el intento instantáneo y pasajero de la fantasía y el acorde y concierto que se propuso en la primera ejecución, para que dejen de resentirse los retoques de la variación. Y si esto se cree indispensable en un artista consumado, ¿qué ha de suceder cuando lo emprende el que carece de sólidos principios? (...)"

La restauración de pinturas utiliza hoy en día técnicas de análisis muy precisas, como puede verse en ésta presentación que publica The Wall Street Journal, del cuadro "Madonna con niño" de Boltraffio.

Las palabras de Goya siguen siendo vigentes, porque tras la sofisticada tecnología sigue estando la intervención de un pintor restaurador que va a pintar sobre los trazos de otro, siglos después de aquél instante de invención y fantasía de la pincelada original. Parece que Goya asumía que el tiempo también pinta, al modificar con su paso el tono de los colores.

Pintura, fama y fortuna.

"No te metas en arte por adquirir fama o fortuna. Hazlo porque no puedes no hacerlo", dice John Baldessari en su carta a un joven artista que le pide consejo.

Un periodista le preguntó a Samuel Beckett por qué se dedicaba al Teatro. "Porque es lo único que sé hacer" fué su respuesta.

El filósofo Alain de Botton en su charla TED, nos recuerda con una sonrisa que la medida del éxito y del fracaso en nuestra vida lo determinamos nosotros mismos.

Concurso de Pintura Rápida. Mark Tansey

El cuadro "Action Painting II" del pintor americano Mark Tansey, nacido en 1.949, muestra un grupo de pintores al aire libre, como las reuniones de pintores que se forman en los Concursos de Pintura Rápida.

La fotografía de detalle, para no perder detalle:

El título "Action Painting" se refiere al estilo pictórico que también conocemos como Expresionismo Abstracto.

Mark Tansey utiliza en sus cuadros la grisalla, la técnica de manchado de la tela con grises, con la que se establecía la composición general y el dibujo con sus luces y sombras, el claroscuro, antes de la aplicación del color por veladuras.

El contraste entre el realismo decimonónico de sus escenas y lo absurdo de las situaciones, hacen que su Pintura sea inolvidable.