Pequeños Dibujos Animados. El mejor regalo.

Pequeños Dibujos Animados es un proyecto artístico de colaboración entre adultos y niños para crear animaciones. Como explican en su web:
PDA es una asociación de artistas audiovisuales que realiza proyectos de cortometrajes de animación con la colaboración de niños entre 6 y 12 años. Siguiendo una metodologia lúdica y didáctica se pretende mostrar el proceso de creación de una obra audiovisual. De la misma manera que ellos aprenden de nosotros, nosotros lo hacemos de ellos creando una obra conjunta.

Ellos descubren cómo se ordena una historia, la creación de un storyboard, la animación y el doblaje, participando en cada una de estas áreas

El resultado final es un cortometraje hecho por un colectivo de niños y adultos, donde las inquietudes artistísticas de unos y otros se encuentran, contrastan y dan fruto a una nueva obra de arte. Dichos cortometrajes se promocionan dentro del panorama artístico internacional ya sea en museos, galerias o festivales internacionales de cine y animación.

El equipo del PDA ha trabajado con el Consorci de Biblioteques de Barcelona, festivales internacionales de cine y animación y escuelas de todo el país. Actualmente estamos realizando una gira  internacional con el Instituto Cervantes.

Desde el mes de mayo del 2008 ya está a la venta el primer DVD de los cortometrajes realizados por el PDA. Editado por Cameo y presentado en el Fnac de Barcelona

Los cuatro adultos de PDA son Mario Torrecillas, Tyto Alba, David Borrull y Pablo Hernández. Los niños son legión, de varios países.  Entre los videos que pueden verse en su web está "El mejor regalo", donde el dibujo es un juego infantil que sirve para explicar cosas muy serias, como el trasplante de médula al que se someten los niños en un hospital, dibujado y explicado por ellos mismos.

Muro de comunicación

Ya lo hizo Banksy antes, pintar el muro de separación en Palestina, ahora un grupo de artistas grafiteros palestinos de ambos sexos se han propuesto pintar o escribir en el muro mensajes email que se les han enviado y fotografiarlos para que puedan verlos. La idea es convertir un muro de hormigón de 8 metros de altura y 620 km de longitud, construido para separar y dividir, en un soporte de mensajes de alegría, unidad y concordia. Y los fondos que recogen van a ayudar y formar a jóvenes palestinos.


Para ver su web aquí

Pintura de arena

En Tibet se utiliza una técnica de pintura que consiste en depositar el pigmento en polvo, sin ningún tipo de aglutinante ni medio líquido, sobre una superficie horizontal dibujada. Se denominan mandalas, que es la palabra sánscrita para círculo y son representaciones devocionales del cosmos.
En este video podemos ver cómo la pintura se deposita con una gran precisión mediante un cono hueco que se sostiene con la mano izquierda, mientras con la derecha se rasca su superficie rugosa, lo que provoca un leve movimiento que hace caer el pigmento en polvo.
Los mandalas tibetanos de arena suelen realizarlos varios monjes, guiados por el de más experiencia, que realiza el dibujo inicial en tiza y dirige todo el proceso. El dibujo inicial sigue unos modelos predeterminados, los mismos desde hace siglos, que tienen una finalidad ritual. Cuatro o cinco monjes tardan una o varias semanas en realizar un mandala, según su complejidad. La improvisación y la espontaneidad están en principio alejados de esta técnica, que requiere acción en equipo, coordinación, paciencia, gran precisión y concentración.

Al finalizar el mandala, se realiza una ceremonia en la que se deshace el dibujo y se recogen las arenas de colores utilizadas, que se terminan depositando en un río o curso de agua o lanzándolas al aire, como una muestra de impermanencia.

Más información sobre mandalas aquí. and here
Si estás en Barcelona, puedes ampliar la información visitando la Casa del Tibet. web.

Creative Commons, los derechos de los autores en internet.

Los Derechos de Autor son un tema de actualidad estos días porque salen noticias en la Prensa. Para los Autores son un tema de actualidad todos los días. Esta interesante entrevista que publica el periódico La Vanguardia de Barcelona con Ignasi Labastida, responsable de Creative Commons en España, clarifica conceptos y espero que sea útil para artistas y amantes del arte.


web de creative commons en España aquí
web de creative commons en inglés aquí
encuentra la licencia creative commons adaptada a tu país aquí

Pintura y Ruinas.

Fotografías de un mural pintado hacia 1.900 en el interior de una casa de estilo modernista. La casa está ahora en ruinas, abandonada desde hace muchos años. El texto en catalán dice:
"Y vosotros, hijos míos, ya tenéis un mundo que es bien vuestro, 
si algún día salís al mundo, sabréis el valor que tiene: 
recordaréis el batir de la lluvia sobre el tejado y
la dulzura de la sombra del porche en la casa paterna."
Las fotografías son del interesante proyecto artístico personal  abandonat, que recoge fotografías de su autor tomadas en muy diversos edificios abandonados, viviendas, fábricas, talleres, molinos, que encuentra durante sus viajes. 

Los pintores románticos y neoclásicos encontraron en las ruinas un tema muy atractivo, ya fueran reales, como este ejemplo del arquitecto y grabador veneciano Piranesi (1720-1778) "Arco de Tito", grabado que forma parte de sus "vedute" de Roma, o más o menos irreales, como "Ruinas junto al mar" de Arnold Böcklin (1827-1902), autor de la imponente "Ciudad de los muertos".

La mujer artista, personaje literario. Artículo de Laura Freixas en La Vanguardia.

Interesante y bien documentado artículo sobre La mujer artista, personaje literario, de la escritora Laura Freixas en el periódico de Barcelona La Vanguardia. 
Puedes leerlo completo aquí
Web de Laura Freixas, aquí.

Of the BLUE color of the sky.Ok Go.

Del color AZUL del cielo es el nuevo álbum del grupo Ok Go. Hay muchas maneras de mancharse con pintura el mono blanco de pintor que utilizamos los que pintamos, la mayoría más lentas y todas menos divertidas.
web de Ok Go. 

Marc Dalessio pinta su autorretrato.

Un video excelente sobre la realización del autorretrato del pintor Marc Dalessio. No solo se ve todo el proceso en time lapse, sino que la cámara muestra también la vida que transcurre en el estudio alrededor de la tela pintada durante dos semanas, los amigos que vienen y van, el pintor en su ambiente. Y la calidad de la pintura es indudable.

Anish Kapoor: la escultura de un cuadro

La escultura que Anish Kapoor presenta en el Guggenheim de Nueva York hasta el 28 de marzo de 2010 lleva la pintura adonde nunca había llegado.
Un cuadro es una representación en 2 dimensiones de una realidad en 3 dimensiones. Es pues una ilusión, un artificio, que utiliza los colores, la línea o la perspectiva para representar una realidad nueva en una pared. Es la ilusión de una ventana siempre abierta en un muro cerrado.
En la visita al Guggenheim podemos ver colgados en las paredes de varias salas cuadros de Modigliani, Juan Gris, Braque, Matta o éste Picasso, como parte de la exposición "París y las Vanguardias", con ejemplos de pinturas que hacia 1910 o 1920 desafiaban el academicismo mediante nuevas propuestas como el cubismo o la abstracción.

Pablo Picasso, Mandolin and Guitar (Mandoline et guitare), Juan-les-Pins, 1924. Oil with sand on canvas, 140.7 x 200.3 cm. Solomon R. Guggenheim Museum, New York 53.1358


Y tras ver estos cuadros, entramos en la sala donde la enorme mole de acero kor-ten de Kapoor ocupa casi todo el espacio con su color ocre anaranjado y su forma ovoide. Tiene una presencia ineludible y también muda, inescrutable, gracias a sus remaches que la hacen hermética. Podemos rodearla, si despistamos por un momento al guarda de la sala, excepto en el punto en que se funde con la pared. -¿Por qué lo hace? ¿continúa en otra sala completando su forma al otro lado de la pared?- Salimos de esta sala en busca de una respuesta y vamos hacia otra sala que hay en un recodo tras subir unos escalones, y en la pared donde estaría el volumen de la escultura que falta en la primera sala, hay un cuadrado de 1,50m x 1,50m aproximadamente, centrado en la pared, como un cuadro. Su color negro destaca en los muros blancos y nos acercamos recordando el "cuadrado negro" de Malevitch. Pero éste cuadrado negro es diferente. Muy diferente. Porque cuando te asomas al cuadro que ha colgado Kapoor en la pared la Pintura pierde la partida, su ilusión de vacío no es ilusión y lo sabes. Te asomas a un cuadrado negro que es una incógnita real, es la oscuridad de un espacio del que ni siquiera adivinas las dimensiones o los límites y del que sin embargo eres muy consciente porque en la otra sala acabas de ver su volumen exterior. Lo escrutas, te acercas con decisión, te alejas con incredulidad porque no se deja definir. Es vacío y está ahí. Sigues mirando un rato, esperas que cuando tus pupilas se acostumbren a la oscuridad vislumbrarás su forma que ahora ya sabes es ovoide. Pero nada, por más tiempo que pases frente a él, la pared es inmaculadamente blanca y el cuadrado es un espacio inescrutablemente negro. 
Y cuando bajas al hall, sales del edificio y caminas por la calle recordando los cuadros de Picasso, Braque, Miró, Modigliani, que acabas de ver hace un rato, con sus revolucionarios esfuerzos por captar la luz, por romper la forma o por dibujar con el color, ahora te parecen amables y anecdóticos. La escultura del cuadro ha hecho que te asomes a una incógnita, un paso más allá de una ilusión.

Pintar. A pesar de todo.

Frantz Zéphirin es un pintor haitiano. Sobrevivió al seísmo que sacudió Port-au-Prince el pasado 12 de enero y tras experimentar que la tierra se abría bajo sus pies, ver edificios caídos, encontrar cadáveres por las calles y perder a familiares y amigos, ha empezado a pintar cuadros. Ahora los muestra a su galerista diciendo: mira lo que he hecho, mira lo que he vivido, mira lo que pienso. La suya es la pintura de un sacerdote vudú que pinta un mundo poblado de espíritus y dioses y que habla de su deseo de reconstrucción para Haití. "Creo que el seísmo puede actuar como un tratamiento de shock. Hace falta un cambio de mentalidad. Mi país necesita reducir la corrupción y aumentar la educación. Un verdadero proyecto para el pueblo. ¡Tengo muchas cosas que explicar en mis cuadros!".

Henri Jean-Louis pinta en su barrio de Musseau la escena de un campamento de refugiados en la campiña haitiana. La misma campiña en la que le gustaba pintar mercados coloristas y campesinas atareadas, está ahora poblada por la ayuda internacional a un país destruído. Como muchos haitianos, traumatizados por el dolor y la pérdida, quisiera irse de Haití. Y con su dolor y su esperanza, se pone a pintar, a pesar de todo.

Préfète Duffaut pintó esta tela antes del seísmo.

 

Levoy Exil también pintó esta tela antes del seísmo, que pueden verse en la Galeria Monnin de Pétionville.

Ambos pintores tuvieron premoniciones de que iba a suceder algo terrible en Haití meses o días antes del 12 de enero. Todos los pintores que trabajan en Haití son conscientes de que su pintura va a cambiar tras lo que han vivido. 

Reynald Joseph ha empezado a trabajar en un gran tríptico, tras derrumbarse su estudio y perder toda su obra. Dice que no va a cambiar los temas de sus cuadros: escenas de calle, de bodas, de carnaval, de burdeles, simplemente todo estará más movido, en un desequilibrio al borde del caos. "Jugaré con los códigos del vudú para los colores de mis cuadros. Por ejemplo, esta mujer que está del revés llevará unas bragas rojas, como las mujeres que han perdido a sus maridos, porque los muertos temen el color rojo".

La pintura de la joven Pascale Monnin está habitualmente poblada por animales y seres que llenan sus cuadros de evocaciones, poesía y dudas. Está ocupada en criar a su bebé, y una noche se despierta tras una pesadilla llena de gritos de haitianos enterrados bajo los escombros, y empieza a dibujar y escribir sobre los desaparecidos.

Todos ellos son artistas que siguen trabajando. Pintores que cogen su dolor, su tristeza, su desesperación, su incertidumbre, sus esperanzas y deseos, sus convicciones y su testimonio y mezclándolos con colores se ponen a pintar. A pesar de todo.

Gracias a Anne Murat por enviarme este interesante artículo del periódico Le Monde: "Haití, les peintres de l'espoir".

Muy recomendable también la lectura de: "Des milliers d'oeuvres d'art disparues dans les ruines".

Pintura Virtual e Interactiva. Body Paint.

"Body Paint" Installation at "Clicks or Mortar", March 2009 from Memo Akten on Vimeo.
"Body Paint"es una instalación interactiva mediante la que "pintar" sobre un lienzo virtual con los movimientos del cuerpo. No pretende tener una aplicación pictórica, sino ofrecer la posibilidad de hacer algo "plástico" con los movimientos de todo el cuerpo. Es una performance lúdica que permite a los adultos comportarse como niños con una caja de pinturas y verlos embadurnar las paredes mientras juegan y ríen.
El video muestra a varios visitantes de la exposición Decode en el Victoria & Albert Museum de Londres, del 8 de diciembre 2009 al 11 de abril 2010.
Su autor, Memo Akten, se define en su blog como artista, músico, ingeniero, creador de juegos, visualizador y científico loco residente en Londres. En su web se pueden ver muestras detalladas de su trabajo, como Reincarnation, de la que hablé en la entrada sobre La Pintura y el Fuego I.

Escultura, Luz e Interactividad. Studio Roosegaarde.

El video muestra cómo recorrer un pasillo subterráneo de una estación de Metro en Rotterdam, se convierte en un paseo artístico e interactivo, cuando los transeúntes interactúan con la instalación Dune 4.1- Maastunnel de Studio Roosegaarde.

Presentación del libro Journal de voyage.

azulbleu presenta el libro "Journal de voyage", que muestra en detalle la serie de siete cuadros de Nuria Armengol, realizados entre noviembre 2006 y abril 2008. Puede verse completo y puede comprarse en la web de blurb. 
Aviso:  Actúa como bálsamo para las prisas, antídoto para los enfados y estimulante de la actividad cerebral. No tiene contraindicaciones y puede consumirse tantas veces como se quiera, sin necesidad de receta médica.

No hay ningún camino hacia la felicidad, la felicidad es el camino.
Proverbio tibetano.



Texto de introducción que aparece en el libro:
Esta serie de siete cuadros se desarrolló como las etapas de un viaje que se han dejado al azar. El título me lo dió la lectura del libro "Journal de voyage", la correspondencia que durante cuarenta años mantuvo la intrépida viajera y orientalista francesa Alexandra David-Néel con su marido. Esta viajera salió de Argel en 1910 hacia Oriente, sin saber que permanecería allí durante treinta años. Recorrió y vivió largas temporadas en Japón, India, China y Tibet, mientras estudiaba budismo, hinduismo y otras filosofías orientales, siendo la primera mujer occidental que entró en Lhasa en 1924, la capital del país que entonces estaba cerrado a todos los extranjeros: el Tibet.

Inicié la serie “Journal de Voyage” como un viaje del que no tenía un destino fijado de antemano. Sólo sabía que sería un viaje en varias etapas y que esas etapas serían siete cuadros, sin determinar de entrada exactamente cómo serían, dejando que cada cuadro terminado me llevara al siguiente. Estos cuadros relatan un viaje simbólico, una transformación interior, no son un reportaje de viajes, por lo que les dí desde un principio un denominador común visual para que compartieran aquello que miran todos los viajeros: el horizonte. De manera que la línea del horizonte se mantiene a la misma altura en los cuadros 1, 2, 4, 5 y 6, y permanece indicada en los cuadros 3 y 7. Respecto a la niña protagonista de esta serie de cuadros "Journal de voyage", quería hacer evidente su evolución de niña a joven y de joven a adulta, durante la que sufre auténticas metamorfosis interiores, por lo que cambio su aspecto en cada cuadro. Lo mismo les ocurre a los animales y objetos que la acompañan. El paso del tiempo forma parte del viaje y esta serie es una secuencia temporal que abarca varios años en la vida de la niña. Al mismo tiempo, dado que la mejor hora para iniciar un viaje suele ser al amanecer, situé en ése momento el primer cuadro y asigné la noche cerrada al último cuadro. De este modo viajaríamos con las distintas luces del día, recorriendo el arco luminoso completo de una jornada. 

La vida se manifiesta como una danza ininterrumpida de acontecimientos. La serie no queda cerrada en el cuadro “Journal de voyage 7”, que será algún día un nuevo inicio.

Pintura Mural en animación.

Face 2 Face- balloon girl from EB Hu on Vimeo.

Una niña cobra vida en esta animación por ordenador sobre la pintura mural que cubre las fachadas de nuestras ciudades. Los muros de muchas fachadas urbanas están cubiertos de seres, escenas, retratos, pintados por muchos pintores anónimos que regalan su arte. En esta animación que utiliza un dibujo algo ingenuo, se explica muy bien el proceso de transformación mostrando un único personaje que cobra vida, el de una niña pintada en un muro que, haciendo entrega de sí misma, logra permanecer en un mundo impermanente. Es una narración visual sobre la impermanencia de nuestro paisaje urbano, donde vemos aparecer nuevos edificios donde se derriban los anteriores y cómo con ellos desaparecen otros habitantes y otra manera de vivir.


Es el mismo tema que José Luis Guerín narró muy bien en su pelicula documental "En construcción", filmando durante un año el proceso de construcción de un nuevo edificio en el barrio barcelonés del Raval y dejando hablar a los albañiles, a los vecinos antiguos y nuevos de un barrio en transformación, haciéndonos descubrir auténticas pepitas de oro entre el barro de los ladrillos con las palabras del albañil filósofo, el gesto del capitán de barco retirado o la belleza esencial de una joven pareja de enamorados.


En las ciudades pasean personajes anónimos entre pinturas anónimas, como en esta imagen del proyecto pedestrian, de la artista Yvette Helin.

Manifiesto de creative commons

Manifiesto publicado en la página española de creative commons, que suscribo y publico en el blog:

En defensa de los derechos fundamentales en internet

4 Diciembre 2009 por Administrator

Ante la inclusión en el Anteproyecto de Ley de Economía sostenible de modificaciones legislativas que afectan al libre ejercicio de las libertades de expresión, información y el derecho de acceso a la cultura a través de Internet, los periodistas, bloggers, usuarios, profesionales y creadores de Internet manifestamos nuestra firme oposición al proyecto, y declaramos que:
1 - Los derechos de autor no pueden situarse por encima de los derechos fundamentales de los ciudadanos, como el derecho a la privacidad, a la seguridad, a la presunción de inocencia, a la tutela judicial efectiva y a la libertad de expresión.
2 - La suspensión de derechos fundamentales es y debe seguir siendo competencia exclusiva del poder judicial. Ni un cierre sin sentencia. Este anteproyecto, en contra de lo establecido en el artículo 20.5 de la Constitución, pone en manos de un órgano no judicial -un organismo dependiente del ministerio de Cultura-, la potestad de impedir a los ciudadanos españoles el acceso a cualquier página web.
3 - La nueva legislación creará inseguridad jurídica en todo el sector tecnológico español, perjudicando uno de los pocos campos de desarrollo y futuro de nuestra economía, entorpeciendo la creación de empresas, introduciendo trabas a la libre competencia y ralentizando su proyección internacional.
4 - La nueva legislación propuesta amenaza a los nuevos creadores y entorpece la creación cultural. Con Internet y los sucesivos avances tecnológicos se ha democratizado extraordinariamente la creación y emisión de contenidos de todo tipo, que ya no provienen prevalentemente de las industrias culturales tradicionales, sino de multitud de fuentes diferentes.
5 - Los autores, como todos los trabajadores, tienen derecho a vivir de su trabajo con nuevas ideas creativas, modelos de negocio y actividades asociadas a sus creaciones. Intentar sostener con cambios legislativos a una industria obsoleta que no sabe adaptarse a este nuevo entorno no es ni justo ni realista. Si su modelo de negocio se basaba en el control de las copias de las obras y en Internet no es posible sin vulnerar derechos fundamentales, deberían buscar otro modelo.
6 - Consideramos que las industrias culturales necesitan para sobrevivir alternativas modernas, eficaces, creíbles y asequibles y que se adecuen a los nuevos usos sociales, en lugar de limitaciones tan desproporcionadas como ineficaces para el fin que dicen perseguir.
7 - Internet debe funcionar de forma libre y sin interferencias políticas auspiciadas por sectores que pretenden perpetuar obsoletos modelos de negocio e imposibilitar que el saber humano siga siendo libre.
8 - Exigimos que el Gobierno garantice por ley la neutralidad de la Red en España, ante cualquier presión que pueda producirse, como marco para el desarrollo de una economía sostenible y realista de cara al futuro.
9 - Proponemos una verdadera reforma del derecho de propiedad intelectual orientada a su fin: devolver a la sociedad el conocimiento, promover el dominio público y limitar los abusos de las entidades gestoras.
10 - En democracia las leyes y sus modificaciones deben aprobarse tras el oportuno debate público y habiendo consultado previamente a todas las partes implicadas. No es de recibo que se realicen cambios legislativos que afectan a derechos fundamentales en una ley no orgánica y que versa sobre otra materia.

12 cuadros para el año 2010

La última entrada de 2009 y primera entrada de 2010 es la propuesta de un proyecto para el blog:
Un cuadro interesante cada mes.
Expondré un cuadro que podamos mirar y comentar. Necesitaré cuantos más comentarios mejor porque cada comentario aportará algo nuevo a la manera de mirar el cuadro de los demás.
El año que viene en azulbleu empezará con buena pintura. Sería fantástico que los lectores del blog propusierais cuadros que os interesan. Lanzo la pregunta: ¿Cuál es tu cuadro favorito y por qué?

Mirar un cuadro

Robert Hughes, escritor y crítico de arte con un gran prestigio internacional, es también un gran aficionado a la pesca, sin ser un experto pescador. "Un idiota en un extremo de una línea, esperando a un idiota en el otro", es una manera popular de definir la pesca con caña y es como titula su libro sobre el tema: "A Jerk on One End: Reflections of a Mediocre Fisherman", en el que nos explica que pescar con caña consiste en gran medida en no capturar ningún pez y que el fracaso forma parte de este deporte igual que las heridas en la rodilla forman parte del fútbol.
Robert Hughes creció en Sydney Harbour, en Australia, practicando rugby en el colegio cuando su idea de un deporte de contacto era el ajedrez. Desarrolló una gran afición a la pesca por la posibilidad que le daba de permanecer solo varias horas, algo valioso a esa edad para quien tiene fama merecida de listillo snob entre sus compañeros y un padre muy ocupado. Ningún problema, porque sin ser consciente de ello entonces, estaba recibiendo una educación muy valiosa en mirar y discriminar.
Traduzco libremente del inglés un párrafo de su libro:
"Para pescar algo, por pequeño que sea, has de percibir qué pasa: el movimiento del agua y los dibujos que hace, las rocas, las algas, el temblor de los pececillos en desbandada que delata a un depredador mayor por debajo de ellos. El tiempo que pasé en el muelle me enseñó a concentrarme en lo visual, porque pescar es una actividad intensamente visual, incluso-quizá especialmente-cuando no ocurre nada. Ver es fácil, pero aprender a mirar es algo que ocurre gradualmente, algo que se adquiere poco a poco de una forma inconsciente y llega con sigilo. La señal de que se ha adquirido es el hecho de que ya no te aburre la ausencia de lo espectacular."

La ausencia de lo espectacular es precisamente lo que hace que mirar un cuadro sea una experiencia placentera, porque si hemos superado el primer impacto después de verlo y seguimos mirando, podremos recorrer y disfrutar el dibujo, la composición, la gama de color, los matices, las innumerables decisiones que ha tomado el pintor con respecto al tema, veremos el tiempo que el pintor pasó frente a la tela y podremos compartir la luz que le iluminó, las emociones que le influyeron y la conclusión a la que llegó, al firmarlo, de que aquel cuadro es su visión del mundo y que quiere compartir esa visión con cualquiera que en ese momento se detenga a mirar su cuadro.  

Ver cuadros en la web, con super alta resolución

Ahora podemos ver en la pantalla del ordenador algunas obras maestras de la pintura que están en el Museo del Prado de Madrid, con un grado de definición y de detalle como nunca antes nos fué posible visitando las salas del Museo, gracias a la super alta resolución. Es increíble acercarse a los cuadros y poder ver la pincelada como si sólo nos separaran unos centímetros de la tela. Vemos el craquelé, la trama del lienzo, el rastro del pincel como lo veríamos si pudiéramos acercar una lupa. Podemos ver cada trazo de la cabellera huyendo de la frente de Eva en el Jardin de las Delicias de el Bosco, o ver la mancha nada redonda de la pupila de una Menina de Velázquez y la comisura de la sonrisa de una de las Tres Gracias de Rubens.
Son catorce cuadros extraordinarios, como lo es la manera de verlos que ha posibilitado Google Earth, digitalizando estas imágenes en formato super alta resolución. No puedo poner un enlace directo ya que para verlo hay que instalar gratuitamente Google Earth en nuestro ordenador, buscar Museo del Prado, Madrid, España y una vez allí, seleccionar la opción Obras Maestras que aparece como un pequeño recuadro blanco sobre el edificio. 
Por curiosidad he buscado si existía en el Louvre y en el British Museum la misma posibilidad de ver obras que se encuentran allí con este grado de definición, pero no lo he encontrado. Aunque ha sido pura avidez, ya que bucear con este nivel de detalle visual en estos catorce cuadros puede llevar a cualquier aficionado a la pintura, a disfrutar durante años de la riquísima imaginación visual de el Bosco, de la precisión de Durero, o de las transparencias de Rubens y descubrir nuevos detalles en cada visita. Todavía recuerdo el curso de Historia del Arte que nos dió el profesor José Milicua en la facultad de Bellas Artes, donde durante un año observamos únicamente tres cuadros: "El matrimonio de los Arnolfini", de Jan Van Eyck, "La muerte de Marat", de David y el "Guernica" de Picasso. En esas clases que siempre se me hacían cortas aprendí a mirar los cuadros, que veíamos proyectados en diapositivas en la Sala de Actos. Primero mostraba el cuadro en general y después nos acercaba a observar y analizar los detalles, mientras nos hablaba de las técnicas de pintura que había utilizado el pintor, el estilo artístico al que pertenecía, el contexto histórico en que vivió el artista y realizó su obra, y costumbres de la época o sucesos históricos que plasmaba. El cuadro crecía y crecía a nuestros ojos conforme con sus palabras José Milicua ampliaba nuestra manera de mirarlo. 

Gracias a Luis Serra por enseñarme esta opción en google earth.

¡Pintura! Marina Núñez.

Pintura de Marina Nuñez, una pintora a la que admiro desde hace años, cuando vi un cuadro suyo en la exposición colectiva "Una locura", comisariada por Juan Bofill, en la que también participaba Jordi Saladrigas, en 2001(?). De pronto he caído en que no había escrito nada sobre ella, a pesar de recordar su cuadro durante todos estos años. Era una cabeza enorme, con una gama de color nada realista y una mueca como expresión. Pertenecía a su serie de cuadros "Locura" y aunque era otra, he decidido reproducir ésta cabeza porque es donde mejor se aprecia el contraste de azules y rojos, ya que es difícil en el pequeño tamaño de la columna de este blog producir el mismo impacto que me produjo ver el cuadro de 145 x 145 cm al natural. Creía recordar que el color del fondo era el mismo lienzo de lino sin imprimar, pero al ver las fotos de su web, ahora lo dudo.

La memoria, dicen, reconstruye nuestros recuerdos cada vez que los evocamos y los va modificando con el tiempo.

Es el único cuadro que he visto de ella al natural. Al visitar su web, lamento no haber visto hasta ahora cuadros como éste de la serie "Ciencia Ficción" donde, gracias a un punto de vista cenital nos pinta una inquietante realidad sugiriendo que dos seres habitan un mismo cuerpo, aunque bien podría ser la representación de un pensamiento, un recuerdo, o bien de un proceso mental o capacidad de percepción.

Utilizar la pintura figurativa y el dibujo realista no para representar una realidad externa, sino pensamientos, emociones, procesos mentales, es algo a muchas mujeres pintoras parece interesarnos mucho.

El Bosco visto desde Beijing: Miao Xiaochun

Miao Xiaochun (1962) es un artista chino que revisita las obras de grandes maestros del arte occidental utilizando técnicas de imagen generada por ordenador.
Es una auténtica revisión y recreación, a partir de una iconografía fácilmente identificable para quienes admiran las obras del Bosco, Lorrain, Cranach, etc. La originalidad de su mirada oriental sobre un arte en principio culturalmente ajeno, pero que conoce admirablemente, actualiza y da un nuevo sentido a imágenes que asociamos con un pasado glorioso, pero lejano, del arte occidental. Todas las culturas emergentes han revisado, adoptado y transformado las culturas imperantes a las que vienen a sustituir: lo hicieron los romanos con el arte griego, los italianos del Renacimiento con los romanos, los cubistas europeos con el arte africano...
Señoras y señores: Pasen y vean cómo nuestro patrimonio cultural europeo pasa a ser asimilado y transformado por China, en la Exposición "Beijing Time/ La hora de China" en el Matadero de Madrid, del 17 de diciembre de 2009 al 21 de marzo de 2010. Ya que están en Madrid, pueden pasar por el Museo del Prado para mirar "El Jardín de las Delicias" de el Bosco. Nunca defrauda.