Blog sobre la Pintura que nos rodea, escrito por Nuria Armengol, pintora. Pintura contemporánea, pintura antigua, hecha con ordenador, con arena, por niños, de grandes pintores, anónima, en museos, en la calle,... Pintura sin límites. Peinture sans limites. Painting no limits. ¡Bienvenidos!
Retrato de Teresa Mestre de Baladía (1869-1949), pintado por Ramón Casas (1866-1932). En la película documental "Abans que el temps ho esborri" (Antes de que el tiempo lo borre) se cuenta la historia de este cuadro y cómo influyó decisiva y trágicamente en la vida de la retratada.
El libro que escribió su bisnieto Javier Baladía, se ha convertido en una película cuyo guión han escrito Victoria Bermejo y él, y ha dirigido Mireia Ros. Una película hecha con fotografías en blanco y negro y filmaciones de época, alternadas con imágenes del mismo Javier Baladía como narrador moviéndose en la Barcelona actual. Se utilizan con mucha agilidad recursos visuales de postproducción con humor, que ayudan a sobrellevar las a veces desmesuradas biografías de los Baladía, y nos descubre personajes que crearon una Barcelona cosmopolita y culta, que atrajo entre otros a Diaghilev y Nijinski, a Einstein, a Richard Strauss o a Carlos Gardel. Entre las dos Exposiciones Universales de 1881 y 1929, los Baladía fueron parte de la alta burguesía industrial que amasó grandes fortunas. Tuvieron tiempo de divertirse en París, apoyar a Pompeu Fabra, crear el Conferentia Club, encargarle casas a Puig i Cadafalch y pusieron en el mapa de los veranos de miles de turistas posteriores lo que entonces eran remotos pueblos de pescadores como Cadaqués o Palamós.
Teresa Mestre era una belleza, además de una mujer inteligente e independiente, que se casó con Jaume Baladía i Soler, con quien tuvo tres hijos. La madre de su marido murió en el parto y fué su tía Ramona Soler quien lo crió. Esta temible mujer era una fuerza de la naturaleza, capaz de dirigir una empresa textil con miles de obreros que le llamaban "el amo" y acudir al despacho de la fábrica con un revólver en la liga y tener un rifle Winchester encima de la mesa para cuando tenía que enfrentarse a las reclamaciones obreras. Era viuda, sin hijos, dominante, y muy fea, lo que con los años había empeorado un carácter ya de por sí poco afable.
Ramón Casas realizó este retrato de Teresa y dicen que cuando Eugeni d'Ors lo vió en su estudio, reconoció en ella a "La ben plantada", la protagonista de las glosas que publicó el verano de 1911 y en las que quisieron reflejarse todas las mujeres de su época, ya que personificó las virtudes de belleza e independencia de la ética noucentista. Sin embargo, el retrato no había sido un encargo. Se supone que lo hizo a partir de dibujos que hizo a escondidas, cuando pintó a sus tres hijos por encargo de la matriarca Baladía. La temible tia Ramona tuvo siempre celos de Teresa y descubrir el retrato le dió la oportunidad de perjudicarla. Ante las sospechas que generó el retrato, y el escándalo consiguiente, le retiró la custodia de sus tres hijos y la recluyó en la casa de Argentona, fuera de Barcelona. Su marido se encontró entre dos fuegos, entre el amor por su mujer y la ira de tía Ramona. Teresa resistió algún tiempo y al cabo de unos meses tomó la única vía posible para una mujer en aquella época: huir. Huyó a Suíza con Josep Pijoan, un intelectual más joven que ella, que le había mostrado su apoyo durante el doloroso proceso de separación de sus hijos. La película incluye la grabación sonora de Teresa en su lecho de muerte en 1949, pidiendo perdón a sus hijos y mostrándoles todo su amor, a pesar de no haber podido volver a verlos en todos esos años, aislada como quedó por tía Ramona.
Una historia trágica, desencadenada a raíz del retrato de una mujer muy hermosa, pintada por un excelente retratista.
Existe otro cuadro de Ramón Casas en que pintó a Teresa Mestre de Baladía. Es un cuadro de cuerpo entero que se conserva en el MNAC,Museu Nacional d'Art de Catalunya, en Barcelona.
Respecto a ambos cuadros, Javier Baladía me explica que:
_ El de la túnica es más formal, pero es curioso que este cuadro, pintado por el retratista del Modernismo por excelencia, sea la obra fundacional del Noucentisme, su movimiento opuesto. Es un cuadro excepcional en el conjunto de la obra de Ramón Casas, porque a una persona real y conocida, la descontextualiza y la disfraza y peina de diosa griega. Realmente curioso. Es la única vez que lo hizo.
_ ¿Este cuadro lo pintó por encargo?
_ Ninguno de los dos cuadros fue por encargo. Los pintó en secreto mientras retrataba a tía Ramona, Gip y Niní (niños, dos de los hijos de Teresa). Como Ramón Casas era amigo de la familia, hubo lio por este tema. Antes de venderlo al Museu d'Art Modern -luego MNAC- , pidió permiso a mi bisabuelo. Guardamos la carta original de Ramón Casas en la que se lo pide. Por eso Casas lo vendió al MNAC con la condición expresa de que nunca figure en una galería de retratos.
El retrato en que está sentada, creo que se lo vendió Casas poco antes de morir a mi abuelo. El poder que tenía ese cuadro presidiendo el salón de casa de mis abuelos era tremendo. Nadie podía apartarle la mirada solo entrar. Lo llenaba todo con una vibración de belleza, serenidad y elegancia. Cuando te acercabas te miraba con una sonrisa muy amable pero con un punto de tristeza.
El retrato de la túnica es también muy potente, pero personalmente para mi no tiene tantos matices. És más mitológico y épico, pero menos humano.
"Cuando me vaya al cielo, pienso pasar una parte considerable de mi primer millón de añospintando y de ese modo aprender a hacerlo bien. Pero entonces necesitaré una paleta más alegre que la que tengo aquí abajo. Espero que el naranja y el bermellón serán los colores más oscuros y fríos de esa paleta, y a partir de ellos habrá toda una gama de nuevos colores maravillosos que serán un deleite para el ojo celestial". Winston Churchill, tras ser Primer Ministro de Inglaterra, recibió el Premio Nobel de Literatura en 1953. Se dedicó a pintar con auténtica pasión de amateur tras retirarse de la política. Buena prueba es este párrafo de su libro: "Painting as a pastime", "La pintura como un pasatiempo".
Durante sus viajes privados o como estadista siempreencontró tiempo para pintar al menosun cuadro al óleo, preferentemente de paisajes: Francia, Italia, Palestina, Marruecos, Madeira,... Ya en 1921 expuso en una galería de París con el seudónimo Charles Morin. Y cada año, entre 1947 y 1959, sus cuadros fueron seleccionados para la exposición de verano en la prestigiosa Royal Academy de Londres, con el seudónimo David Winter.
Hay varios libros dedicados a su faceta de pintor:
En cambio, estos paisajes realizados en tintasonmuy diferentes a los de Churchill, porque tienen elementos de la tradición pictórica oriental y occidental.
Son cuadros delPremio Nobel de Literatura en el año 2000, Gao Xingjian.
Fotografía: Robert Wilson
Elescritor chino que reside exiliado enParís desde 1987, y que ha escrito su obra más conocida "La montagne de l'âme" en francés, es también un consumado pintor:"La peinture vient de l'endroit où les mots ne peuvent plus s'exprimer" (...) "L'esprit vient de la vie: il est dans les montagnes, les rivières, l'herbe et les arbres" (...) "Il ne faut pas sonder les âmes, il ne faut pas rechercher les causes et les effets, il ne faut pas rechercher le sens, tout n'est que chaos".
Gao Xingjian, Marseille, 2003. Fotografía cortesía de Alain Melka/Jean-Louis Darmyn y Triangle Méditerranée. La ciudad de Marsella en Francia, declaró 2003 como el año Gao Xingjian, con una exposición de sus obras y la realización del film "Silhouette / Shadow" que trata de su trabajo pictórico y que él describe como un poema cinemático o una fábula moderna, ya que la película muestra imágenes de sus actividades a lo largo de ese año, sin seguir una línea narrativa. En España Gao Xingjian expuso en el Museo de Arte Reina Sofía de Madrid en 2002 y pudimos ver sus pinturas en tinta china sobre tela y papel en Barcelona cuando las expusola Galería Senda en 2008.
Durante seis días un grupo de siete personas hemos caminado unos quince kilómetros diarios por las montañas de los alrededores de Digne-les-Bains, en la Alta Provenza francesa, para contemplar in situ obras del escultor británico Andy Goldsworthy. Es el recorrido "Refuges d'Art", "Refugios de Arte", un proyecto artístico que propone visitar los lugares donde están las esculturas, ya sean los "Centinela" realizados en piedra tallada en tres carreteras o las cavidades en el muro de la ermita de Sainte Madeleine y el Refugio de la Forest, o los arcos subterráneos en el refugio La Ferme Belon, el muro de arcilla en el refugio Le Vieil Esclangon o las líneas en las piedras del muro en el refugio Col de l'Escuichière.
En los alrededores de Digne-les-Bains se encuentra la Réserve Géologique d'Haute Provence, una zona donde los movimientos tectónicos que dieron origen a los Alpes no sólo elevaron y dejaron al descubierto los fondos marinos, sino que lo hicieron de tal forma que en algunos lugares las capas de tierra siguen un orden no cronológico sorprendente y ahora quedan las más antiguas por encima de las más modernas. Los geólogos encuentran estratos desconcertantes y los artistas material de reflexión sobre el paso del tiempo, el movimiento y la tierra. Durante todo el recorrido de "Refuges d'Art" se puede ver cómo el tiempo se ha solidificado y el movimiento se ha hecho piedra. Es una zona donde el agua es una presencia constante por los ríos que serpentean en los valles, los torrentes que horadan la piedra y los fósiles marinos que pisamos cuando estamos a 1800 metros de altitud. Nadine Gomez, directora del Musée Gassendi de Digne y Guy Martini, director de la Réserve Géologique, iniciaron la colaboración con artistas que realizaban intervenciones en el terreno, como las obras de Herman de Vries que pudimos ver durante la visita al refugio de le Vieil Esclangon.
En 1995 invitaron al escultor británico Andy Goldsworthy para que realizara alguna intervención en esta zona. Como él mismo explica: "Mis primeras obras en Digne las realicé en el río.(...) El río es fundamental para mí. Como lo son todos los ríos. Son siempre el primer lugar donde empiezo a trabajar (...) Una carretera te transporta, mientras que un río te guía." El libro "Cairns" publicó esos primeros trabajos efímeros que realizó en el río. Algunos similares pueden verse en la extraordinaria película documental sobre el trabajo de Goldsworthy "Ríos y mareas" del director Thomas Riedelsheimer.
Andy Goldsworthy se sintió muy atraído por la zona y regresó cada año, haciendo estancias en las que fué conociéndola más en profundidad. Siguieron tres obras que titula "Centinela", muy conectados con la carretera y que le dieron la primera idea de establecer un recorrido, de realizar un viaje serpenteante de uno a otro. "La construcción de un cairn consiste en poner una piedra sobre otra de forma similar a la superposición de los estratos. Se convierte así en algo parecido a un proceso geológico."
"El cairn se origina en las piedras apiladas que delimitan los caminos en las colinas y montañas del Norte de Inglaterra y Escocia (...) Me fijaba en los "Nine Standards", esas pilas de piedras sobre la montaña encima de Hartley, en la cima del valle de Eden. Las opiniones difieren sobre su función. Para mí, son los centinelas del valle. No sabría explicar por qué el cairn tiene una función de centinela. Es algo que sé, sencillamente. Quizá por la forma en que se yergue, con esa energía silenciosa y contenida."
En el primer Centinela que realizó en Digne, en la carretera de Clues de Barles, en el angosto valle del río Bès, la relación de los inverosímiles estratos verticales de la montaña y las líneas horizontales de la escultura dan mucha fuerza a la escultura, que parece estar refugiada en un pequeño recodo que había sido utilizado como área de descanso por los obreros que construyeron la carretera en los años veinte. Hice un apunte muy rápido a lápiz en la libreta de apuntes que llevo siempre encima. Jean-Pierre Brovelli conoció a Andy siendo director cultural de la Réserve Géologique y, al ser un experto guía de montaña, ha acompañado a Andy Goldsworthy desde su llegada a Digne y le ha mostrado la zona durante todos estos años en los que la han recorrido a pie. Él es quien nos guía estos días que hacemos el recorrido de "Refuges d'Art" y me explica los inicios de proyecto: "Una noche, hacia 1999, durante una cena, Andy comentó que sería una buena idea restaurar cinco lugares de los que había visto en ruinas, realizar en ellos una escultura y ofrecer a la gente la posibilidad de llegar caminando y pasar la noche en el lugar".
Así se inició el proyecto que se conoce como "Refuges d'Art", "Refugios de Arte", que no se parece a ningún otro recorrido de exposiciones que podamos hacer en ciudades. Hay que realizar un esfuerzo físico para hacer desniveles de subida de 600 m y de bajada de 400 o 500 m en un día. El premio al final de la jornada es encontrar la escultura que está al final del camino. El tercer día llegamos al "Centinela" de la vallée du Vançon. El interior de los "Centinelas" puede ser macizo pero en este caso está hueco por dentro y en su interior Andy guardó dibujos de niños de los alrededores y una botella llena de deseos escritos para el futuro. Recuerda la manera en que los budistas rellenan el interior de imágenes del Buda con reliquias, mantras y joyas para dotarlas de mayor significado devocional. Es, en cualquier caso, una manera de incorporar a los habitantes de la zona a formar parte de las obras que se encuentran en su territorio.
Son días soleados de primavera en la Alta Provenza, un grupo de cinco mujeres, cuatro inglesas: Susan, Carol, Wendy, Gemma y yo, acompañadas de tres guías que se turnaban: la bella Pascale, el experto Jean-Pierre y el gigante Eric, hemos recorrido caminos a través de bosques interminables de robles, prados todavía no pisados por el ganado llenos de hierba tierna y flores azules de distintas formas y tamaños: orquídeas, myosotis o genciana, mientras olemos la lavanda, el romero y la menta. Todos los días escuchamos el canto del cuco, vemos àguilas volar sobre nuestras cabezas y nos rodean mariposas azules, amarillas, blancas, tornasoladas, de las seiscientas especies de mariposas que habitan en la zona.
Pasé la segunda noche durmiendo bajo las estrellas, en un prado frente al refugio la Forest. Otra noche dormimos en le Gîte des Monges, que llevan Max y Anne, de la "tribu" de Bartabas, el increíble circo ecuestre francés que crea imágenes inolvidables para los que hemos tenido la suerte de verlo, sin necesidad de usar espuelas, fustas ni látigos con los animales. En todos los albergues y refugios donde vamos reina una alegre convivencia y tenemos conversaciones muy amenas sobre los viajes que cada uno ha realizado, sobre el proyecto que estamos recorriendo y sobre la vida en la región .
Las obras de este recorrido de "Refugios de Arte" se han pensado, creado y construído en el mismo lugar en que las vemos. Son de una gran coherencia con el lugar tal como lo vemos ahora y con su historia. En la región hay numerosas ruinas que explican cómo ésta zona se despobló durante el siglo XX, en el que desaparecieron pueblos enteros y se abandonaron las numerosas granjas y los campos de cultivo. Este proyecto artístico tiene un importante componente social ya que está reconstruyendo algunas de estas ruinas y dando nueva vida a un patrimonio perdido, atrayendo a la zona a visitantes de todo el mundo. Curiosamente, pocos de los visitantes son franceses y he sido la primera española en realizar el recorrido. Espero poder animar a los que quieren acercarse al arte contemporáneo y al mismo tiempo vivir una experiencia estimulante de contacto con la naturaleza.
Estamos lejos de cualquier museo y las esculturas que encontramos están pensadas no solo para ser tocadas y contempladas sino también habitadas. La cavidad en el muro de la ermita de Sainte Madeleine acoge a una persona de pie dentro.
Sucesivamente fuimos habitando la escultura que está en el muro frente a la puerta de entrada, como el altar de una iglesia que ya no es una iglesia, y pregunté a cada una:
_ ¿qué sientes estando allí dentro?
Wendy se siente dentro de un capullo; Gemma siente que nace de una concha y está lista para salir al mundo, por lo que bromeamos con el nacimiento de Venus tal como lo pintaron los clásicos; Susan recuerda un dibujo de David Hockney en que un hombre está acuclillado con la forma de un huevo; Pascale siente calor y bienestar, como si estuviera en la barriga de su madre; Carol ve el contraste entre la forma ovoide en la que está y el rectángulo de la puerta frente a ella, a lo que Wendy añade que la forma masculina del rectángulo queda enfrente de la forma femenina de la cavidad; y yo siento que estoy dentro de la montaña y formo parte de ella, me siento piedra y viva al mismo tiempo.
Cuando entramos dos personas al mismo tiempo en la cavidad, sentimos que el espacio cambia por completo, ya no es "nuestro" y ya no percibimos nada de lo anterior.
Al día siguiente nos espera una escultura que aunque es también una cavidad en el muro, la cavidad en el muro del refugio la Forest es como un negativo de la anterior. Está en una sala lateral a la que no llega la luz de la puerta de entrada, por lo que al entrar en esta sala desde el exterior está completamente a oscuras. Solo la cavidad está iluminada por dentro, gracias al material translúcido con que se ha rematado la cúspide de su forma ovoide y el efecto de luz es inverso al de la ermita, donde la parte más oscura era el interior de la cavidad.
Este río de arcilla se encuentra en el refugio de le Vieil Esclangon, donde una chimenea frente al muro de arcilla hace que los imprevisibles juegos de luz del fuego den una nueva visión de la escultura a los que se quedan allí a pasar la noche. Para reforzar su composición a base de arcilla de la zona, Andy recogió cabellos de los habitantes de Digne y los mezcló con la arcilla, logrando también de esta forma una implicación en la obra de la gente de esta región. Varios voluntarios recogieron durante un día cabellos en todas las peluquerías de la región. "Este rio de arcilla roja es del mismo material que pisamos antes de llegar al refugio al que llegamos con los pies manchados de rojo y la vista llena de este color". Esto produce la resonancia entre el paisaje y la obra que el artista quiere lograr.
En el refugio de Col de l'Escuichière Andy Goldsworthy ha levantado un muro con piedra negra en la que la calcita dibuja líneas blancas. Ha tallado las piedras de forma que las líneas son continuas, como lo serían regueros de agua que se deslizaran desde el techo.
Terminamos el recorrido donde se inició el proyecto, en el Musée Gassendi, de Digne-les-Bains. Allí está el muro de arcilla, muy bien situado en la sala de Paisajes, con cuadros de artistas franceses de diversas épocas. Hay también una sala Goldsworthy, con material gráfico, apuntes a lápiz, fotografías, cartas, mapas del proyecto. Y una piedra negra con un aspa de calcita, expuesta allí hasta que Andy la utilice en la ampliación prevista en el refugio de Col de l'Escuichière.
Las obras que hemos recorrido estos días pertenecen a la colección del Musée Gassendi de Digne, son por tanto públicas y su realización se financia mediante aportaciones del programa Alcotra de la Unión Europea y de diversos organismos públicos franceses así como del British Council. La reconstrucción del refugio de la Foret fué gracias al mecenazgo del coleccionista norteamericano Jerry Murdoch. Andy Goldsworthy no recibe honorarios por su trabajo más allá de los gastos de viaje y estancia. Este es un proyecto artístico de largo recorrido, que requiere un gran entusiasmo e implicación por parte del artista y una buena gestión por parte de los responsables y que no solo crea puestos de trabajo directos en las labores de reconstrucción, sino que crea un interés artístico y turístico, por una zona antes deshabitada, que va a crecer con el tiempo. Es un proyecto artístico que desde su concepción está completamente vinculado al territorio y a sus habitantes. El tiempo en Digne es ahora un río de arcilla que fluye entre robles, centinelas y cavidades en la piedra.
Las películas en que aparecen pintores son numerosas, ya que su trabajo es muy fotogénico. Al contrario de los poetas, cuyo trabajo es muy poco cinematográfico como bien explica la gran poeta polaca Wieslawa Szymborska:
"Espectaculares pueden ser las películas sobre pintores, ya que es posible reconstruir todas las fases de creación de un cuadro -desde la primera raya hasta la última pincelada. Las películas sobre los compositores se llenan con su música: desde los primeros compases, que el creador escucha en su interior, hasta la obra madura ya terminada y repartida entre varios instrumentos. Todo sigue siendo muy ingenuo y no dice nada sobre el extraño estado de ánimo que se conoce comúnmente como inspiración, pero por lo menos hay algo para ver y oír.
El peor de los casos es el de los poetas. Su trabajo resulta irremediablemente poco fotogénico. Uno permanece sentado a la mesa o acostado en un sofá, con la vista inmóvil, fija en un punto de la pared o en el techo; de vez en cuando escribe siete versos, de los cuales, después que transcurre un cuarto de hora, va a quitar uno y de nuevo pasa una hora en la que no ocurrirá nada ¿Qué clase de espectador podría soportar una cosa semejante"
¿Por qué algunas películas no son ingenuas y sí transmiten el trabajo de Pintura? Parecen sortear la dificultad de mostrar el "extraño estado de ánimo que se conoce comúnmente comoinspiración" del que habla W.S. y que más adelante explica:
"la inspiración no es privilegio exclusivo de los poetas ni de los artistas en general. Hay, hubo, habrá siempre un número de personas en quienes de vez en cuando se despierta la inspiración. A este grupo pertenecen los que escogen su trabajo y lo cumplen con amor e imaginación. Hay médicos así, hay maestros, hay también jardineros y centenares de oficios más. Su trabajo puede ser una aventura sin fin, a condición de que sepan encontrar en él nuevos desafíos cada vez. Sin importar los esfuerzos y fracasos, su inquietud no desfallece. De cada problema resuelto surge un enjambre de nuevas preguntas. La inspiración, cualquier cosa que sea, nace de un perpetuo "no lo sé".
En la película "Andrei Rublev", Tarkovski une la profundidad de las reflexiones que se hace el monje del siglo XV y pintor de iconos Andrei Rublev sobre las relaciones entre el arte y los poderosos, ya sean políticos o eclesiásticos y la enorme belleza de las imágenes en blanco y negro, que sólo dejan paso al color cuando al final de la película se muestran los iconos de los que fué autor, como este "Cristo Redentor".
El punto es la unidad mínima de información gráfica. Es el que determina la existencia de un plano. Es x. La raya es una sucesión de puntos en un plano. Es la que nos da la segunda dimensión. Es y. El punto y la raya son los primeros elementos del Dibujo, la Pintura y la escritura.
Desde la fotografía de éste rostro africano pintado, el punto y la raya nos miran. Los vemos hoy como pudimos verlos hace miles de años pintados en el cuerpo de nuestros ancestros.
Hoy en día, el Festival Punto y Raya se centra en éstos dos elementos y convoca un concurso de audiovisuales. Como explican ellos mismos:
Punto y Raya Festival explora la síntesis máxima de la dualidad forma·movimiento en diversas esferas artísticas. Gracias a la simplicidad de la consigna, propone la utilización de la materia prima de la abstracción humana para revelar los logros y las limitaciones de nuestras formas de representación.
Esta convocatoria está dirigida a obras audiovisuales construidas netamente a través de puntos y rayas moviéndose sobre el plano. ¡Nada de figuración, nada de perspectiva: sólo puntos y rayas como fines en sí mismos!
::participación
La participación está abierta a todas las personas del mundo, de cualquier edad y formación. La inscripción es gratuita y debe realizarse online a través de nuestra web o vía email antes del día lunes 17 de agosto de 2009.
