Pintar la vida cotidiana de un super héroe envejecido.

El pintor Andreas Englund dice que el humor puede ser el vehículo para transmitir ideas que de otro modo sería difícil transmitir. El humor libera sus pensamientos y sus ideas de ser pretenciosas, al tiempo que le abre puertas a caminos y ángulos nuevos.


Andreas Englund nació en Falun, Suecia, en 1974. Ahora vive y trabaja en Estocolmo.


Tal vez sea mi manera de verlo, pero el suyo me parece un humor melancólico. Sus escenas son de un realismo que no deja espacio a ninguna vana esperanza, son descorazonadoras, aunque su super héroe vuele por los aires como es debido, o reúna a un grupo de gente en una celebración. Los puntos de vista son contemporáneos, los hemos visto en las películas, los comic, la televisión, y tienen ángulos propios de una cámara de fotos o de cine, más que de una persona. Su pintura, basada en el dibujo, con trabajo preciso de pincel y escasa materia, me recuerda a la pintura de Mark Tansey, otro pintor que introduce el humor en sus cuadros de factura realista y decimonónica, creando un contraste muy atractivo entre lo que dice y cómo lo dice.
Este super héroe envejecido es tan humano como cualquiera de nosotros, podríamos encontrarlo en la cola del supermercado o en la sala de espera del dentista y eso nos hace vernos a nosotros mismos con una objetividad y una compasión muy instructivas.

web de Andreas Englund

Antonio López, conferencia en la Facultad de Bellas Artes de Barcelona

Antonio López, pintor.

Fotografía: UNAV

''No me interesa la pintura técnicamente excelente pero sin contenido.
Crecí en Tomelloso, un pequeño pueblo de la Mancha. Yo iba a ser oficinista o algún trabajo así, no estaba previsto que fuera a la Universidad y que fuera médico o arquitecto, mi familia era muy humilde. Nada en mi ambiente anunciaba que me dedicaría a esto. Tenía un tío pintor que venía a visitarnos de vez en cuando, Antonio López Torres, un pintor que ahora considero excelente. Cuando yo tenía doce años, durante el verano, de pronto, me fascinó verle pintar las notas que hacía del natural y dejé de jugar a fútbol con mis amigos, para ir con él y copiar los cuadros que él hacía. También empecé a copiar unas láminas de unas revistas de mi abuelo, unos grabados de los que yo copiaba las líneas con lápiz y conseguía una copia fiel. Se vió que tenía una facilidad para el dibujo, y llegó un momento que mi tío me cogió de la mano y dijo que tenía que seguir el aprendizaje. Por eso fui a Bellas Artes, a San Fernando, en Madrid.


Yo sabía copiar muy bien y creía que lo tenía muy fácil. A los tres años de Bellas Artes, con el trato con chicos mayores que yo, tuve la certeza de que pintar era algo más que eso. A los 15, 16 años, no sabía qué hacer con la técnica que yo tenía. Recuerdo que el verano del 52 dibujé y pinté mucho, pero fue realmente angustioso, porque creía que no tenia nada que decir. Pero entonces descubrí que había unos elementos que me interesaban. De la inmensidad que es el mundo real, hice una selección porque noté que me identificaba con ellos y ahí estuvo mi salvación. Noté algo decisivo, que es tener algo que decir. 


La pérdida que se produce de ciertos lenguajes de la figuración, yo no le doy importancia a eso. Lo importante es transmitir algo con la pintura, decir algo que sea inteligible, estar en el medio donde lo que dices pueda ser entendido. Desde mi etapa de formación tuve el instinto de rodearme de unas personas que te acompañan en un camino tan largo, que te ayudan, te acompañan, te enseñan. Más que en el Museo del Prado, o con los libros de Picasso, de Matisse o de Henry Moore, porque entonces no había las exposiciones que hay ahora, yo me hice con esas personas. Personas que me han acompañado muchos años, algunas hasta hoy, otras ya han muerto.


Lo que hagas tiene que estar habitado por algo emocional fuerte. Los artistas estamos en manos de las personas que nos apoyan. A veces lo hemos estado demasiado, hemos pactado con los gustos de la época, por agradar. Hay mucha trampa en relación con la habilidad técnica y también en simular emoción. Es necesario saber si la obra tiene peso y es verdadero. Cuando se consigue, ofreces a los demás y a ti mismo.


La escultura para mi es menos dificultosa que la pintura, que es sumamente laberíntica.Yo aprendí poco de la escultura que vi en el Prado, pero en el Casón del Buen Retiro había reproducciones en yeso de toda la historia de la escultura. Ahí es donde voy a serenarme, cuando necesito encontrar calma. Hay un libro muy bueno, "El retrato de Giacometti", que escribió el modelo al que Giacometti hacia el retrato y que recoge las sesiones, los comentarios que hacia, las situaciones que ocurrían. Estoy muy cercano a Giacometti. No puede trabajar sin el modelo. No hacia nada si el modelo no estaba delante, en cuanto se iba dejaba de trabajar hasta que volvía. Limitación, dificultad y riqueza que te da el mundo real.


Hay momentos de la historia en que surge una pintura que gusta más que la verdad. En esos momentos tal vez había demasiadas batallas, demasiadas enfermedades y desgracias. Querían unas señoras desnudas que bailan, rodeadas de amorcillos, es el arte escapista. Hay un bodegón de Zurbarán, que no se puede decir más con menos: una jarra con agua y un platito en el que hay una rosa. Ahí está el mundo. Y eso no lo hacía Poussin, que no trabajaba de la realidad.


PREGUNTAS DEL PÚBLICO, ALUMNOS Y PROFESORES DE LA FACULTAD.


Alumno:
_. En esta Facultad no se pueden usar los talleres fuera de las horas de clase. ¿Qué opina de esto?
_. En mi época no se hacía otra cosa más que pintar. Pintamos muchas caras y pies y culos. Eso no salvó al que no se tenía que salvar.


(...) Es la mafia de la mediocridad, que se cuela por todas partes. Hay que volar por encima de eso y salvarse. Tú sálvate. De todos modos, si hoy tuviera un nieto que quisiera aprender le diría: ve a Bellas Artes, estate entre los demás, haciendo el recorrido de los primeros años. Nosotros no les hacíamos caso a nuestros profesores. Y eran muy buenos pintores y escultores, de los que hubiéramos podido aprender mucho. Pero estaban resentidos, y una persona amargada no puede llevarte de la mano a enseñarte.
La técnica necesaria, en un año la adquieres. Lo difícil es formarte, iniciarte en un recorrido, que esté en armonía con lo que eres, que llene tu vida.


(...) Dices que la figuración (la pintura figurativa en relación a otros estilos artísticos considerados más contemporáneos: abstracción, video, instalación, etc) no tiene el apoyo que se merece. La figuración, como la Derecha, está pagando siglos de abuso. Creo que artistas como Hopper, como Henry Moore,... aportan algo imprescindible a la totalidad del arte contemporáneo.


(...) El quid está en saber lo que tienes que hacer. Muchos jóvenes me preguntan, ¿qué hago ahora?
El vínculo con el mundo real te va generando un camino. La fotografía (pintar a partir de fotografías) rompe el vínculo con el mundo real.


(...) A mí pintar me mejora la vida. Cuando pinto estoy mejor de la espalda, mejor de la cabeza... Yo quiero pintar.


(...) Hay dos realidades, la realidad objetiva y la realidad subjetiva. Las cuevas de Altamira es pintura realista, pero no está hecho de la realidad: el pintor no tenía un bisonte dentro de la cueva posando para él mientras lo pintaba. Un cuadro de El Bosco no está hecho de la realidad. Recuerdo haber visto la exposición "El retrato y la máscara", y recuerdo los cuadros de Stanley Spencer. Unos copiados de la realidad, como un retrato de una mujer con una falda de tablas, que es un tema bastante banal, pero él lo había hecho de tal modo que sólo podía ser así. Otros cuadros son místicos, pinta experiencias, que eso no lo puedes tener delante para pintarlos. Son dos formas de trabajo en el mundo real: proporcionar una historia o dar una forma literal.


_. (...) Soy una alumna que para aprender estoy copiando cuadros, pero eso no está bien visto porque no es original.
_. Yo hablaría de autenticidad más que de originalidad. (...) El crear de modo que sea una ayuda para los demás. Creo en el contenido secreto de las cosas. No siempre aparece lo mejor de una manera inmediata. (...) Lo primero es hacer algo que tenga veracidad y autenticidad. Después surgen personas que ayudan.


_. ¿Cómo debe utilizar el pintor las nuevas tecnologías?
_. Son una herramienta más. No ha cambiado nada, está nuestro cerebro, nuestra mirada y un impulso que nos lleva a hacer algo. El pintor siempre se ha sabido adaptar. Los nuevos procedimientos han creado nuevos lenguajes. (...) Para mí la dificultad es encontrar modelos y encontrar fuerza para realizar una obra que va a necesitar toda mi energía. 


(...) He tenido un problema en un ojo y no se acoplaban. Lo maravilloso es que se acople lo que vemos y lo que somos.


(...) Yo no hablaría de las dificultades, sino de los logros.


(...) Todo se hace para que digas algo que sólo puedes decir tú.


(...) Los niños que he hecho (en pintura o escultura) los he tenido cerca: primero mis hermanas, después mis hijas, ahora mis nietos. Yo trabajo con cosas que amo. No puedo trabajar con cosas que no me importan, eso me destruiría.


_. ¿Cómo se enfrenta al lienzo en blanco?
_. Llevo varios cuadros en marcha a la vez. No conozco la angustia del lienzo en blanco. Eso es una etapa, el cuadro es como un iceberg, hay mucho trabajo preparatorio que no se ve. Cuando llego al lienzo en blanco tengo ganas de pintarlo.


_. Como docente ¿qué les diría a sus discípulos?
_. Cada cual ha de contar sus propias historias. ¿Qué es lo que más amas? ¿Qué es lo que más odias? Ten más respeto a lo que tú sientes y confía. Sin violentar nada. Yo he copiado también a Picasso y he aprendido de otros. Si lees libros, si ves películas, te van haciendo luz. (...) En los talleres que hago, los alumnos trabajan con la realidad y ahí sale su verdad, aunque muchas veces no se den cuenta. Después, vuelven a su estudio, y a su cárcel.


(...) De la realidad a mí me interesa pintar lo que permanece, lo que mañana cuando vuelva seguirá estando ahí."

Flora Goldberg, dibuja, pinta y esculpe "a golpe de corazón".

Cientos de dibujos de dinosaurios a todo color. Las viñetas ordenadas en las páginas como en los álbumes de cromos que rellenábamos de niños, y escrito al pie, el nombre en latín de cada uno, desde el Brontosaurus al Thyrannosaurus Rex. Los dibujos de los dinosaurios son realistas, con un perfil grueso de rotulador negro, coloreados a lápiz y situados en un paisaje. Me impresiona ver cómo van saliendo páginas y páginas que completan un atlas exhaustivo de dinosaurios, de la carpeta que nos enseña esta mujer de pelo cano y expresión dulce y firme: 

_Los he dibujado para mi nieto. Es autista. Tiene siete años y lo sabe todo todo todo sobre los dinosaurios. A veces me corrige, y me dice: 
"_No, abuela, no se escribe así, lo has hecho mal. Pero no te preocupes, me gustan igual."
Y sonríe recordando a su nieto.

Acabo de conocer a Flora Goldberg, pintora, grabadora y escultora mejicana, en casa de Ulises Cortés y Helena Martínez. Levanto la vista de los dinosaurios, porque me dice señalando la pared que tengo a un lado:

_Esos dos grabados son míos. 

Son dos figuras a tamaño natural, de trazo firme y expresión serena.

Flora Goldberg me explica que nació en París, y a los siete años tuvo que huir a México con su madre cuando los nazis invadieron Francia. Muy joven, con diecinueve años, su padre le enseñó unas de sus acuarelas a su amigo Diego Rivera, el gran pintor muralista mejicano, que al verlas la invitó a acudir a su casa como discípula. Yendo a su casa coincidió con Frida Kahlo, a la que recuerda pintando siempre doliente:

_"Al entrar por primera vez en la casa de Altavista me sentí cautivada por la magia que se respiraba y por la deslumbrante personalidad del maestro Diego Rivera, que pintaba con pasión al tiempo que explicaba historias fantásticas. Decidí ser pintora y dejé la carrera de Química."
Rivera le habló de la libertad en el arte y la constancia en el oficio:
_"El pintar no es solo inspiración, sino diligencia."


En 1957 Flora se casó con Pablo Rudomín, eminente científico que ha recibido el Premio Principe de Asturias por sus trabajos de biología, con quien ha tenido dos hijos.

_"La maternidad fue un período muy importante para mi. El ver día a día cómo mis hijos crecían, fue un período mágico, milagroso. La maternidad es un tema constante en mi obra.
Mi experiencia en lo que concierne a seguir trabajando en el arte teniendo una familia, es que todo el tiempo desde que mis hijos eran bebés, siempre encontré la forma y el tiempo para trabajar en el arte, fué a base de organizarme y sacrificar sueño y vida social. (Y claro  también porque no tenía que trabajar para la manutención de la familia, de eso se encargaba y sigue encargándose mi marido). Lo que yo siento es que la labor creativa se vuelve un vicio para ciertas personas, por lo que si no lo hacía sentía que me faltaba algo y me sentía vacía y hacía hasta lo imposible para trabajar. Hace algunos años pasé mucho tiempo enferma, pero inclusive entonces seguí trabajando."

La crítica Marta Traba ha dicho que Flora Goldberg "dibuja a golpe de corazón, con líneas profundamente humanas y reales". Creo que ese golpe de corazón se ha hecho más evidente si cabe desde hace unos años, al iniciarse  en la escultura.

Flora nos dice que:
_"El cuerpo es nuestra posesión más preciada y solo se nos presta temporalmente. Quizá por eso queremos plasmarlo y darle eternidad a través del arte".
La suya es una pintura costumbrista que ha leído del realismo mágico. Mientras hojeo las páginas del libro monográfico que muestra su obra pictórica, me llaman la atención el cuadro de unas figuras con coronas de flores en la cabeza.

_Son gente de Chalma, un pueblo cerca de Toluca. Es tradición que en Cuaresma, todo el pueblo, niños, hombres, mujeres y ancianos, salgan a la calle adornados con coronas de flores en la cabeza, para ofrecerlas después a San Nicolás.

En el libro se suceden los cuadros de hombres, de mujeres y niños, de flores y de aves, mostrando que esta artista no ha dejado de trabajar incansablemente todos estos años. Inspiración y diligencia.

Su dibujo es estilizado, de texturas trabajadas y líneas airosas, sus temas son en muchos casos alegorías, como en "Susana y los viejos" o "Caligrafía". 

Tiene series dedicadas a frutas o a flores, encarnadas en una figura femenina. 

En 1972 decidió aprender grabado y se dirigió a un renombrado Centro de arte que lamentablemente ya no existe, donde se formaron importantes grabadores mejicanos en un ambiente artístico y creativo muy fructífero:
_"Cuando llegué al Molino de Santo Domingo creí llegar al mundo de Alicia en el País de las Maravillas. Un lugar de silencio y sosiego."

Hace algunos años empezó de una manera autodidacta a trabajar la escultura en madera, un material que selecciona no solo por su textura sino también por el carácter simbólico de su color. 
Utiliza madera de caoba:

madera de ceiba:

o madera de cedro blanco:

Sin boceto previo, esculpe para sacar a la superficie la escena que ella ve en el trozo de madera que ha elegido para trabajar. Sigue centrada en la figura como ocurre en su pintura, aunque con formas más sintetizadas, por lo que a veces las cabezas pierden el rostro, tal como puede verse en las esculturas de Henry Moore, que creo es uno de sus referentes. La expresión del movimiento, que se hace tridimensional y palpable, es por lo tanto más sensual que en su pintura. Los tamaños varían mucho, algunas son piezas pequeñas, otras son grandes, o enormes, como el torero y el toro bravo que han surgido con ímpetu del enorme tronco de nogal en el que trabajó durante meses.

Flora Goldberg es una mujer hermosa, con una espléndida 
vitalidad, que ha puesto su corazón en una vida dedicada al arte.

Of the BLUE color of the sky.Ok Go.

Del color AZUL del cielo es el nuevo álbum del grupo Ok Go. Hay muchas maneras de mancharse con pintura el mono blanco de pintor que utilizamos los que pintamos, la mayoría más lentas y todas menos divertidas.
web de Ok Go. 

Marc Dalessio pinta su autorretrato.

Un video excelente sobre la realización del autorretrato del pintor Marc Dalessio. No solo se ve todo el proceso en time lapse, sino que la cámara muestra también la vida que transcurre en el estudio alrededor de la tela pintada durante dos semanas, los amigos que vienen y van, el pintor en su ambiente. Y la calidad de la pintura es indudable.

Pintar. A pesar de todo.

Frantz Zéphirin es un pintor haitiano. Sobrevivió al seísmo que sacudió Port-au-Prince el pasado 12 de enero y tras experimentar que la tierra se abría bajo sus pies, ver edificios caídos, encontrar cadáveres por las calles y perder a familiares y amigos, ha empezado a pintar cuadros. Ahora los muestra a su galerista diciendo: mira lo que he hecho, mira lo que he vivido, mira lo que pienso. La suya es la pintura de un sacerdote vudú que pinta un mundo poblado de espíritus y dioses y que habla de su deseo de reconstrucción para Haití. "Creo que el seísmo puede actuar como un tratamiento de shock. Hace falta un cambio de mentalidad. Mi país necesita reducir la corrupción y aumentar la educación. Un verdadero proyecto para el pueblo. ¡Tengo muchas cosas que explicar en mis cuadros!".

Henri Jean-Louis pinta en su barrio de Musseau la escena de un campamento de refugiados en la campiña haitiana. La misma campiña en la que le gustaba pintar mercados coloristas y campesinas atareadas, está ahora poblada por la ayuda internacional a un país destruído. Como muchos haitianos, traumatizados por el dolor y la pérdida, quisiera irse de Haití. Y con su dolor y su esperanza, se pone a pintar, a pesar de todo.

Préfète Duffaut pintó esta tela antes del seísmo.

 

Levoy Exil también pintó esta tela antes del seísmo, que pueden verse en la Galeria Monnin de Pétionville.

Ambos pintores tuvieron premoniciones de que iba a suceder algo terrible en Haití meses o días antes del 12 de enero. Todos los pintores que trabajan en Haití son conscientes de que su pintura va a cambiar tras lo que han vivido. 

Reynald Joseph ha empezado a trabajar en un gran tríptico, tras derrumbarse su estudio y perder toda su obra. Dice que no va a cambiar los temas de sus cuadros: escenas de calle, de bodas, de carnaval, de burdeles, simplemente todo estará más movido, en un desequilibrio al borde del caos. "Jugaré con los códigos del vudú para los colores de mis cuadros. Por ejemplo, esta mujer que está del revés llevará unas bragas rojas, como las mujeres que han perdido a sus maridos, porque los muertos temen el color rojo".

La pintura de la joven Pascale Monnin está habitualmente poblada por animales y seres que llenan sus cuadros de evocaciones, poesía y dudas. Está ocupada en criar a su bebé, y una noche se despierta tras una pesadilla llena de gritos de haitianos enterrados bajo los escombros, y empieza a dibujar y escribir sobre los desaparecidos.

Todos ellos son artistas que siguen trabajando. Pintores que cogen su dolor, su tristeza, su desesperación, su incertidumbre, sus esperanzas y deseos, sus convicciones y su testimonio y mezclándolos con colores se ponen a pintar. A pesar de todo.

Gracias a Anne Murat por enviarme este interesante artículo del periódico Le Monde: "Haití, les peintres de l'espoir".

Muy recomendable también la lectura de: "Des milliers d'oeuvres d'art disparues dans les ruines".

Presentación del libro Journal de voyage.

azulbleu presenta el libro "Journal de voyage", que muestra en detalle la serie de siete cuadros de Nuria Armengol, realizados entre noviembre 2006 y abril 2008. Puede verse completo y puede comprarse en la web de blurb. 
Aviso:  Actúa como bálsamo para las prisas, antídoto para los enfados y estimulante de la actividad cerebral. No tiene contraindicaciones y puede consumirse tantas veces como se quiera, sin necesidad de receta médica.

No hay ningún camino hacia la felicidad, la felicidad es el camino.
Proverbio tibetano.



Texto de introducción que aparece en el libro:
Esta serie de siete cuadros se desarrolló como las etapas de un viaje que se han dejado al azar. El título me lo dió la lectura del libro "Journal de voyage", la correspondencia que durante cuarenta años mantuvo la intrépida viajera y orientalista francesa Alexandra David-Néel con su marido. Esta viajera salió de Argel en 1910 hacia Oriente, sin saber que permanecería allí durante treinta años. Recorrió y vivió largas temporadas en Japón, India, China y Tibet, mientras estudiaba budismo, hinduismo y otras filosofías orientales, siendo la primera mujer occidental que entró en Lhasa en 1924, la capital del país que entonces estaba cerrado a todos los extranjeros: el Tibet.

Inicié la serie “Journal de Voyage” como un viaje del que no tenía un destino fijado de antemano. Sólo sabía que sería un viaje en varias etapas y que esas etapas serían siete cuadros, sin determinar de entrada exactamente cómo serían, dejando que cada cuadro terminado me llevara al siguiente. Estos cuadros relatan un viaje simbólico, una transformación interior, no son un reportaje de viajes, por lo que les dí desde un principio un denominador común visual para que compartieran aquello que miran todos los viajeros: el horizonte. De manera que la línea del horizonte se mantiene a la misma altura en los cuadros 1, 2, 4, 5 y 6, y permanece indicada en los cuadros 3 y 7. Respecto a la niña protagonista de esta serie de cuadros "Journal de voyage", quería hacer evidente su evolución de niña a joven y de joven a adulta, durante la que sufre auténticas metamorfosis interiores, por lo que cambio su aspecto en cada cuadro. Lo mismo les ocurre a los animales y objetos que la acompañan. El paso del tiempo forma parte del viaje y esta serie es una secuencia temporal que abarca varios años en la vida de la niña. Al mismo tiempo, dado que la mejor hora para iniciar un viaje suele ser al amanecer, situé en ése momento el primer cuadro y asigné la noche cerrada al último cuadro. De este modo viajaríamos con las distintas luces del día, recorriendo el arco luminoso completo de una jornada. 

La vida se manifiesta como una danza ininterrumpida de acontecimientos. La serie no queda cerrada en el cuadro “Journal de voyage 7”, que será algún día un nuevo inicio.

Pintura Mural en animación.

Face 2 Face- balloon girl from EB Hu on Vimeo.

Una niña cobra vida en esta animación por ordenador sobre la pintura mural que cubre las fachadas de nuestras ciudades. Los muros de muchas fachadas urbanas están cubiertos de seres, escenas, retratos, pintados por muchos pintores anónimos que regalan su arte. En esta animación que utiliza un dibujo algo ingenuo, se explica muy bien el proceso de transformación mostrando un único personaje que cobra vida, el de una niña pintada en un muro que, haciendo entrega de sí misma, logra permanecer en un mundo impermanente. Es una narración visual sobre la impermanencia de nuestro paisaje urbano, donde vemos aparecer nuevos edificios donde se derriban los anteriores y cómo con ellos desaparecen otros habitantes y otra manera de vivir.


Es el mismo tema que José Luis Guerín narró muy bien en su pelicula documental "En construcción", filmando durante un año el proceso de construcción de un nuevo edificio en el barrio barcelonés del Raval y dejando hablar a los albañiles, a los vecinos antiguos y nuevos de un barrio en transformación, haciéndonos descubrir auténticas pepitas de oro entre el barro de los ladrillos con las palabras del albañil filósofo, el gesto del capitán de barco retirado o la belleza esencial de una joven pareja de enamorados.


En las ciudades pasean personajes anónimos entre pinturas anónimas, como en esta imagen del proyecto pedestrian, de la artista Yvette Helin.

¡Pintura! Marina Núñez.

Pintura de Marina Nuñez, una pintora a la que admiro desde hace años, cuando vi un cuadro suyo en la exposición colectiva "Una locura", comisariada por Juan Bofill, en la que también participaba Jordi Saladrigas, en 2001(?). De pronto he caído en que no había escrito nada sobre ella, a pesar de recordar su cuadro durante todos estos años. Era una cabeza enorme, con una gama de color nada realista y una mueca como expresión. Pertenecía a su serie de cuadros "Locura" y aunque era otra, he decidido reproducir ésta cabeza porque es donde mejor se aprecia el contraste de azules y rojos, ya que es difícil en el pequeño tamaño de la columna de este blog producir el mismo impacto que me produjo ver el cuadro de 145 x 145 cm al natural. Creía recordar que el color del fondo era el mismo lienzo de lino sin imprimar, pero al ver las fotos de su web, ahora lo dudo.

La memoria, dicen, reconstruye nuestros recuerdos cada vez que los evocamos y los va modificando con el tiempo.

Es el único cuadro que he visto de ella al natural. Al visitar su web, lamento no haber visto hasta ahora cuadros como éste de la serie "Ciencia Ficción" donde, gracias a un punto de vista cenital nos pinta una inquietante realidad sugiriendo que dos seres habitan un mismo cuerpo, aunque bien podría ser la representación de un pensamiento, un recuerdo, o bien de un proceso mental o capacidad de percepción.

Utilizar la pintura figurativa y el dibujo realista no para representar una realidad externa, sino pensamientos, emociones, procesos mentales, es algo a muchas mujeres pintoras parece interesarnos mucho.

lo que quiero pintar...

...es un video (hacer click sobre la imagen).

Banksy y Miquel Barceló

Los pintores muralistas de hoy día no esperan que un cliente, ya sea la Iglesia o el Estado, el Rey o la Nobleza, le hagan un encargo, como el que el Papa Julio II hizo a Michelangelo para que pintara el techo de la Capilla Sixtina en Roma. El pintor y la pintora muralista de hoy día ya no pintan los muros interiores de un palacio o de una iglesia, dejando sus Pinturas a la vista sólo de unos privilegiados con acceso al interior del palacio, o de los fieles a un determinado culto religioso.

Los pintores muralistas hoy, realizan sus pinturas en las paredes exteriores de los palacios que levanta el poder actual, ya sean Bancos o Museos de Arte contemporáneo. Siguiendo el signo de los tiempos, que han traído los avances sociales que suponen el acceso generalizado a la salud, la educación y la enseñanza, los pintores murales utilizan ahora todas las paredes de fachadas que encuentran a su alcance, poniendo así su Pintura a la vista de todos. Ahora sólo has de pasear por la calle para acceder a muestras de Pintura mural. En Barcelona ha habido ejemplos excelentes en los alrededores del Macba durante los últimos años. Y cualquiera que entre o salga de una gran ciudad en coche o tren, habrá podido ver muchos.

A diferencia de Miquel Barceló que ha aceptado el encargo hecho por el Ministerio de Cultura español con un presupuesto de millones de euros, para pintar el techo de la Sala Central de la ONU en Ginebra, siguiendo así la larga tradición que une a artistas y poderosos de todas las épocas, Banksy es un Pintor muralista que trabaja de forma altruista.

Banksy pinta gratuitamente los muros de fachadas con temas figurativos y socialmente comprometidos. Sus graffitti son el equivalente gráfico a un editorial de prensa sobre temas actuales. Eligiendo el lugar y la imagen, hace comentarios a la vista de todos y emite su opinión sobre terrorismo, autoridad, libertad, vigilancia policial, sexo, etc. Lo ha hecho en las calles de Londres y de muchas otras ciudades. También sobre el muro que separa a los Palestinos en Israel.

Banksy, con su preocupación por mostrar temas que son motivo de polémica y con los que se cuestionan actitudes, tiene un enfoque parecido al Géricault de La balsa de la medusa.

Aunque Banksy abandona temporalmente los muros callejeros y expone sus cuadros en el Bristol Museum. Mmmhh...¿Quizá sea el próximo en pintar la cúpula de Saint Peters?

Pintura, fama y fortuna.

"No te metas en arte por adquirir fama o fortuna. Hazlo porque no puedes no hacerlo", dice John Baldessari en su carta a un joven artista que le pide consejo.

Un periodista le preguntó a Samuel Beckett por qué se dedicaba al Teatro. "Porque es lo único que sé hacer" fué su respuesta.

El filósofo Alain de Botton en su charla TED, nos recuerda con una sonrisa que la medida del éxito y del fracaso en nuestra vida lo determinamos nosotros mismos.

Concurso de Pintura Rápida. Mark Tansey

El cuadro "Action Painting II" del pintor americano Mark Tansey, nacido en 1.949, muestra un grupo de pintores al aire libre, como las reuniones de pintores que se forman en los Concursos de Pintura Rápida.

La fotografía de detalle, para no perder detalle:

El título "Action Painting" se refiere al estilo pictórico que también conocemos como Expresionismo Abstracto.

Mark Tansey utiliza en sus cuadros la grisalla, la técnica de manchado de la tela con grises, con la que se establecía la composición general y el dibujo con sus luces y sombras, el claroscuro, antes de la aplicación del color por veladuras.

El contraste entre el realismo decimonónico de sus escenas y lo absurdo de las situaciones, hacen que su Pintura sea inolvidable.

Cartas a un joven artista, capítulo III

John Baldessari

Querido Joven Artista,

Empecé mi carrera como joven artista en 1957. Entonces no había tanto dinero en el arte como lo hay hoy en día. Por lo tanto, uno creaba arte porque lo necesitaba. Yo daba clases en una escuela privada cinco días a la semana y pintaba cuando podía. Me casé y tuve dos hijos, lo que dificultó aún más que creara arte. Vivía en National City, California, que no era un centro artístico.

¿Mi consejo? No te metas en arte en busca de fama o fortuna. Hazlo porque no puedes no hacerlo. Ser artista es una combinación de talento y obsesión. Vive en Nueva York, Los Ángeles, Köln o Londres. En cuanto al dinero, si tienes talento y estás obsesionado, encontrarás una solución.

Tuyo en el arte,

John Baldessari

Venice, California

Carta de John Baldessari, según traducción de Nuria Armengol, revisada por Victoria Morera , del libro "Letters to a young artist", publicado en inglés por Darte Publishing.

Cartas a un joven artista, capítulo II

Sigo con la publicación de las cartas que destacados artistas escriben en respuesta a un supuesto joven artista que les pide consejo. Son la traducción que Nuria Armengol, con la revisión de Victoria Morera, hemos hecho del libro "Letters to a young artist".

En Cartas a un joven artista, capítulo I, leímos la carta de Gregory Amenoff que empezaba gritando: "LOS ARTISTAS DIRIGEN LA ORQUESTA", y en este capítulo II seguimos con la carta de Jo Baer donde dice que "las torres de marfil solo son buenas para (...) menopáusicos de ambos sexos".

JO BAER

Querido Joven Artista:

¿Participar en el mundo del arte puede dañar tu “integridad” y “libertad de pensamiento”? Tonterías. Sólo tú, por ti mismo, puedes hacer eso.

Además, cualquiera que use la palabra “contaminado” respecto al mundo del arte debería crecer o contentarse con unas producciones de nivel amateur. Si pretendes hacer una obra que los demás disfruten o aprecien, el mundo del arte (comercial) será una parte importante de tu universo: el mejor arte debe estar siempre basado en su realidad contemporánea tanto en su producción como en su distribución. Las torres de marfil solo son buenas para los muy jóvenes, los menopáusicos de ambos sexos, o los insatisfechos o disgustados. El mejor arte raramente reside ahí.

Existen muchas oportunidades para que los jóvenes expongan en galerías porque su obra es barata y por lo tanto es fácil invertir en ella. Si una galería buena se interesa por ti desde el principio, la única razón verdadera para eludir exponer es el riesgo de que el éxito temprano te obligue a mantener una praxis que funciona (es decir, que vende). Esta podría utilizarse como punto de referencia y limitar, si tú lo permites, evoluciones posteriores de tu obra. Pero no hay nada malo en esto, se trata de un patrón común a la mayor parte del mundo artístico.

Por otro lado, emplear cierto tiempo para conocerte a ti mismo no te llevará mucho más lejos que descubrir lo que te gusta o disgusta. El mejor arte no se basa en el ser, sino en lo que es importante imaginar y en cómo articularlo convincentemente. Si, con todo, de verdad quieres “tiempo para desarrollar un verdadero sentido de ti mismo”, te aconsejaría que pasaras una temporada fuera del mundo del arte, viajando y trabajando en el extranjero para saber cómo piensa otra gente o quizá estudiando en la universidad (o ambas cosas). El mundo del arte no se irá. Siempre podrás volver a él.

En mi caso, mis estudios universitarios precedieron a mi dedicación al arte y siempre he valorado lo que aprendí allí ya que fué decisivo para mí más adelante, a la hora de evaluar y decidir las trayectorias de mi obra. Conocer bien el mundo y cómo funcionan las cosas a largo plazo, es mucho más útil que exponer en las galerías.

Te deseo buena suerte iluminando la “sublime e invisible montaña“ de tu futura carrera (¿una cita de Rilke, quizás?)

Sinceramente,

(firma tachada- la producción en serie puede resultar perjudicial)

Jo Baer

Amsterdam

Cartas a un joven artista, capítulo I.

En 2008 leí el libro "Letters to a young artist" que inmediatamente quise traducir al castellano. Es la publicación de las cartas que 23 artistas consagrados escriben a un joven artista que les ha enviado una carta pidiendo consejo para enfocar su carrera. Las respuestas son tan dispares como los estilos, géneros, culturas o razas de los artistas: Cai-Guo Qiang, John Baldessari, Adrian Piper, Guerrilla Girls, Yoko Ono, Howardena Pindell, Alex Katz, Elizabeth Murray, Gregory Amenoff, Jessica Stockholder, Jimmie Durham, Jo Baer, Joan Jonas, John McCrakken, Joseph Grigely, Kerry James Marshall, Lawrence Weiner, Mierle Laderman Ukeles, Stephen Shore, Thomas Nozkowski, William Pope, Xu Bing e Yvonne Rainer.

En el libro no se publica la carta del supuesto joven artista, pero sí una presentación que nos explica su motivación. Por las respuestas deducimos cuáles son sus inquietudes.

Lo que más me llamó la atención del libro fué el tono de las respuestas, porque era el de un artista hablando a otro artista. En éstas conversaciones de tú a tú, no hay críticos, curators, clientes ni galeristas. Solo dos personas que saben o quieren saber cómo enfocar una vida dedicada al Arte. Estas cartas tienen el tono de una conversación en el estudio y eso es lo que las diferencia de monografías, textos críticos e interpretaciones de la obra que leemos en libros de arte o en entrevistas de revistas especializadas.

Espero que alguna editorial muestre interés en publicarlo en español. De momento publicaré periódicamente en el blog la traducción que Nuria Armengol, con la revisión de Victoria Morera, hemos hecho de las cartas, una por una.

Empiezo publicando la Presentación de los editores de la edición norteamericana, la Nota del joven artista al lector y la primera carta, de Gregory Amenoff:

De los editores

El verano de 2005, la revista Art on Paper publicó un número especial titulado “Cartas a un joven artista”. Inspirado en las “Cartas a un joven poeta” de Rainer Maria Rilke, incluía una colección de doce cartas escritas por reconocidos artistas en respuesta a la carta de un ficticio “joven artista”.

Este libro, que incluye veintitrés cartas, amplía esta idea y proporciona un abanico mayor de opiniones y palabras sabias, a menudo sorprendentes, de muchos de los artistas más reverenciados hoy en día. Hemos leído estas cartas muchas veces y siguen emocionándonos, incitando nuestra curiosidad y enriqueciendo nuestra comprensión de lo mejor del mundo del arte y de las interioridades del trabajo de una mente creativa. Como en el caso de Rilke, los consejos que ofrecen estas cartas trascienden la disciplina del arte: son lecciones de vida.

Publicamos este libro en un formato pequeño, de bolsillo, para animar a llevarlo encima -usándolo como inspiración cuando sea necesario– y para facilitar pasarlo a los amigos. Cai Guo-Qiang, que creció en China, se refiere a él humorísticamente como el “pequeño libro verde” asociándolo, al menos en el formato, al pequeño libro rojo de Mao.

Una última nota: la carta original del joven artista no está publicada. Sin embargo, conforme vaya leyendo encontrará ideas recurrentes que le ayudarán a reconstruirla a su manera.

Peter Nesbett, Shelly Bancroft, Sarah Andress

Editores de la primera edición norteamericana.

NOTA DEL JOVEN ARTISTA AL LECTOR

Hace dieciocho meses me gradué en una Escuela de Arte y me mudé a Nueva York desde la costa Oeste. Estaba emocionado ante la posibilidad de vivir y crear en la ciudad que muchos siguen considerando el centro mundial del arte contemporáneo. Los museos, las galerías, las salas de exposiciones institucionales, los clubs de música: una comunidad de colegas. Recuerdo la euforia que sentí al llegar, durmiendo en el sofá de un amigo mientras buscaba mi primer apartamento.

Parece que fue hace mucho tiempo. Desde entonces me he visto abrumado por el desafío de llegar a fin de mes. Cuando no estoy en el trabajo -donde paso la mayor parte del tiempo- estoy viendo exposiciones o encerrado en mi habitación intentando crear mis obras.

En dos palabras, he pasado mucho tiempo sólo en una ciudad atiborrada de gente. Los pocos amigos que he hecho son artistas, muchos de ellos ya están exponiendo y vendiendo sus obras. Yo no, aunque he tenido la oportunidad de hacerlo. Llamadme purista, pero creo que es importante que los artistas desarrollemos un sentido auténtico de nosotros mismos antes de exponer, para que no nos tiente o nos contamine una intención comercial. Estoy en desacuerdo con muchos aspectos del mercado del arte que en estos momentos parece estar regido por la moda y la codicia.

Como sentía la necesidad de conectar con alguien que ya hubiera pasado por lo que estoy viviendo, decidí escribir una carta a un artista establecido cuyo trabajo admiro profundamente. Sólo el proceso de escribir la carta ya fue terapéutico y en realidad no esperaba recibir una respuesta. Pero varias semanas después llegó una respuesta. Estaba más que sorprendido. Al leerla me sentí lleno de confianza y energía y entusiasmado con la colaboración.

Empecé a escribir a otros artistas, uno a uno, seleccionando aquellos que parecían haber desarrollado sus carreras con pasión e integridad. Cada respuesta me daba valor para escribir de nuevo y, al cabo de un tiempo, había acumulado casi dos docenas de cartas de artistas de Estados Unidos y del resto del mundo. Las cartas me hicieron enfrentarme a mí mismo, cuestionarme mis miedos, ambiciones, prejuicios y suposiciones.

Estas cartas las comparto aquí exactamente como las recibí, con la esperanza de que sean tan valiosas para ti como lo han sido para mi.

Gregory Amenoff

Querido Joven Artista,

Gracias por tu lúcida carta. Envidio tu edad y tu caligrafía... no hay nada que pueda hacer respecto a la primera o la segunda, así que ahí va mi respuesta mecanografiada. Más que envolver mi respuesta en términos poéticos, he elaborado una lista de cosas que quizá quieras recordar mientras sigues el camino elegido de las artes visuales. Mientras la lees, imagíname ¡gritándotelas!

Primera y más importante, debes recordar que LOS ARTISTAS DIRIGEN LA ORQUESTA. Es fácil olvidarlo. A veces nos sentimos el último mono (el artista como víctima). Cuando un/una artista está en su estudio trabajando en un cierto aislamiento y produciendo objetos a partir de su imaginación, no hay nada de lo que llamamos el mundo del arte; no hay críticos, comisarios, historiadores del arte, o departamentos de historia del arte, no hay museos ni libros o librerías de arte y tampoco galerías de arte. Todo el tinglado se construye sobre un hecho central: el acto creativo en el estudio. No quiero ser arrogante, es la simple verdad. No sé si somos el plancton o la ballena, pero sé que somos indispensables.

Dicho esto, HAZ DE TU ESTUDIO TU SANTUARIO. No te hagas ilusiones... el negocio del arte, a pesar de las pretensiones que envuelven a los “productos culturales” tiene más en común con los negocios que con el arte. Cuando tu obra sale del estudio y entra en el mundo, cambia su carácter. No es necesario consultar a un marxista para saber que el arte es un artículo de lujo. Aprendes a vivir con este hecho (y encuentras maneras de justificarlo) pero en el estudio las cosas son diferentes. Dentro de ese espacio creas y te arriesgas, destruyes y creas de nuevo. Si espiritualmente el mercado encuentra el acceso al estudio, abdicas de tu poder principal. Mantén tu estudio libre de asuntos del mercado. Puede que tengas que bailar con los lobos, pero puedes mantenerlos al otro lado de la puerta.

Hablando de trabajar en el estudio NO TEMAS HACER TONTERIAS EN EL ESTUDIO. Los artistas no pueden ir más allá de lo familiar y convencional sin arriesgarse a hacer el ridículo. No tendríamos el último trabajo de Guston si, conscientemente, no se hubiera atrevido a hacer tonterías.

Una rápida: MANTENTE ALEJADO DE LAS FERIAS DE ARTE. En vez de eso, ve a un museo y quédate un rato en un ala de arte antiguo. Saldrás rejuvenecido, no desmoralizado.

APOYA A TUS COLEGAS ARTISTAS COMO ELLOS TE APOYAN A TI. Tu mejor comunidad es tu grupo de colegas artistas. Las inauguraciones son ocasiones excelentes en las que los artistas se encuentran para animarse los unos a los otros. Sin duda sirven para ampliar tu red de contactos, pero sobre todo para ampliar tu comunidad más allá del estudio. Vivimos en un país donde la cultura está marginada... mayor razón para apoyar nuestros esfuerzos. Artistas como Joan Mitchell, Adolph Gottlieb, Robert Mapplethorpe y Andy Warhol crearon fundaciones para ayudar a otros artistas a perpetuidad. ¡Qué buen testamento el de su generosidad!

LEE BIOGRAFIAS DE ARTISTAS. Las vidas de otros artistas pueden hacerte ver otras maneras de enfocar tu vida como artista, y esos escritos también pueden ayudarte a ver más allá de las circunstancias concretas de nuestra época.

Es fantástico hacer muchas exposiciones y vender mucha obra, pero esto sólo no te llenará. Como dijo el difunto y sabio pintor Harvey Quaytman, “VIVIR DEL ARTE ES UNA CARRERA DE LARGA DISTANCIA, NO UN SPRINT”. ¿Puedes imaginar una vida rica creativamente más allá de los convencionalismos de fama y triunfo económico? Si empiezas a contestarte esta pregunta mientras eres joven, te mantendrás erguido cuando llegues a la mitad o al final de tu carrera.

Te deseo lo mejor,

Gregory Amenoff

Nueva York