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2012/02/03

Plato del Día es Arte a la carta en la Galeria ARTlinavalero: Jesús Olmo, video.

La Galería ARTlinavalero de Barcelona, ofrece el Plato del día. Hasta el 21 de marzo, cada día puede verse en loop un video diferente de Jesús Olmo
El día que fui, después de ver la pieza 3929 me quedé con ganas de ver más belleza, así que Lina me ofreció un segundo Plato del Día suculento, la pieza titulada 0124.


El excelente video de Jesús Olmo tiene sorpresa que no voy a desvelar. Aunque nada de lo que explique puede equivaler a contemplar esos cinco minutos de imágenes metafísicas en el recogimiento de esta sala pequeña, blanca y desnuda como una capilla privada, con la música de la pieza.


Con este encuadre donde una masa esponjosa de agua, con forma de nube pintada por Tiépolo, ocupa el cielo y con esa luz del crepúsculo que lleva a la noche, me parece estar frente a un cuadro de Caspar David Friedrich que ha dejado la pintura al óleo. Ha cogido la cámara de video para volver a ponernos frente a una Naturaleza que al tiempo nos acoge y nos sobrepasa, como en su cuadro "Der Monk am Meer". Pero Jesús Olmo no es un pintor romántico del XIX, sino un video artista del XXI, y muestra una Naturaleza donde la Física ya no es solo newtoniana, sino cuántica. 


Sobre la lámina de agua del horizonte, lisa como un espejo, los seres humanos pescan, caminan, contemplan, corren, se reúnen o se alejan, siempre unidos a su reflejo.


web Jesús Olmo
Plato del día: Del 19 de enero al 21 de marzo 2012
martes a sábado, de 18 a 21 h.
web Galeria ARTlinavalero






2011/12/12

Antonio López, conferencia en la Facultad de Bellas Artes de Barcelona

Antonio López, pintor.
Fotografía: UNAV


''No me interesa la pintura técnicamente excelente pero sin contenido.
Crecí en Tomelloso, un pequeño pueblo de la Mancha. Yo iba a ser oficinista o algún trabajo así, no estaba previsto que fuera a la Universidad y que fuera médico o arquitecto, mi familia era muy humilde. Nada en mi ambiente anunciaba que me dedicaría a esto. Tenía un tío pintor que venía a visitarnos de vez en cuando, Antonio López Torres, un pintor que ahora considero excelente. Cuando yo tenía doce años, durante el verano, de pronto, me fascinó verle pintar las notas que hacía del natural y dejé de jugar a fútbol con mis amigos, para ir con él y copiar los cuadros que él hacía. También empecé a copiar unas láminas de unas revistas de mi abuelo, unos grabados de los que yo copiaba las líneas con lápiz y conseguía una copia fiel. Se vió que tenía una facilidad para el dibujo, y llegó un momento que mi tío me cogió de la mano y dijo que tenía que seguir el aprendizaje. Por eso fui a Bellas Artes, a San Fernando, en Madrid.


Yo sabía copiar muy bien y creía que lo tenía muy fácil. A los tres años de Bellas Artes, con el trato con chicos mayores que yo, tuve la certeza de que pintar era algo más que eso. A los 15, 16 años, no sabía qué hacer con la técnica que yo tenía. Recuerdo que el verano del 52 dibujé y pinté mucho, pero fue realmente angustioso, porque creía que no tenia nada que decir. Pero entonces descubrí que había unos elementos que me interesaban. De la inmensidad que es el mundo real, hice una selección porque noté que me identificaba con ellos y ahí estuvo mi salvación. Noté algo decisivo, que es tener algo que decir. 


La pérdida que se produce de ciertos lenguajes de la figuración, yo no le doy importancia a eso. Lo importante es transmitir algo con la pintura, decir algo que sea inteligible, estar en el medio donde lo que dices pueda ser entendido. Desde mi etapa de formación tuve el instinto de rodearme de unas personas que te acompañan en un camino tan largo, que te ayudan, te acompañan, te enseñan. Más que en el Museo del Prado, o con los libros de Picasso, de Matisse o de Henry Moore, porque entonces no había las exposiciones que hay ahora, yo me hice con esas personas. Personas que me han acompañado muchos años, algunas hasta hoy, otras ya han muerto.


Lo que hagas tiene que estar habitado por algo emocional fuerte. Los artistas estamos en manos de las personas que nos apoyan. A veces lo hemos estado demasiado, hemos pactado con los gustos de la época, por agradar. Hay mucha trampa en relación con la habilidad técnica y también en simular emoción. Es necesario saber si la obra tiene peso y es verdadero. Cuando se consigue, ofreces a los demás y a ti mismo.


La escultura para mi es menos dificultosa que la pintura, que es sumamente laberíntica.Yo aprendí poco de la escultura que vi en el Prado, pero en el Casón del Buen Retiro había reproducciones en yeso de toda la historia de la escultura. Ahí es donde voy a serenarme, cuando necesito encontrar calma. Hay un libro muy bueno, "El retrato de Giacometti", que escribió el modelo al que Giacometti hacia el retrato y que recoge las sesiones, los comentarios que hacia, las situaciones que ocurrían. Estoy muy cercano a Giacometti. No puede trabajar sin el modelo. No hacia nada si el modelo no estaba delante, en cuanto se iba dejaba de trabajar hasta que volvía. Limitación, dificultad y riqueza que te da el mundo real.


Hay momentos de la historia en que surge una pintura que gusta más que la verdad. En esos momentos tal vez había demasiadas batallas, demasiadas enfermedades y desgracias. Querían unas señoras desnudas que bailan, rodeadas de amorcillos, es el arte escapista. Hay un bodegón de Zurbarán, que no se puede decir más con menos: una jarra con agua y un platito en el que hay una rosa. Ahí está el mundo. Y eso no lo hacía Poussin, que no trabajaba de la realidad.


PREGUNTAS DEL PÚBLICO, ALUMNOS Y PROFESORES DE LA FACULTAD.


Alumno:
_. En esta Facultad no se pueden usar los talleres fuera de las horas de clase. ¿Qué opina de esto?
_. En mi época no se hacía otra cosa más que pintar. Pintamos muchas caras y pies y culos. Eso no salvó al que no se tenía que salvar.


(...) Es la mafia de la mediocridad, que se cuela por todas partes. Hay que volar por encima de eso y salvarse. Tú sálvate. De todos modos, si hoy tuviera un nieto que quisiera aprender le diría: ve a Bellas Artes, estate entre los demás, haciendo el recorrido de los primeros años. Nosotros no les hacíamos caso a nuestros profesores. Y eran muy buenos pintores y escultores, de los que hubiéramos podido aprender mucho. Pero estaban resentidos, y una persona amargada no puede llevarte de la mano a enseñarte.
La técnica necesaria, en un año la adquieres. Lo difícil es formarte, iniciarte en un recorrido, que esté en armonía con lo que eres, que llene tu vida.


(...) Dices que la figuración (la pintura figurativa en relación a otros estilos artísticos considerados más contemporáneos: abstracción, video, instalación, etc) no tiene el apoyo que se merece. La figuración, como la Derecha, está pagando siglos de abuso. Creo que artistas como Hopper, como Henry Moore,... aportan algo imprescindible a la totalidad del arte contemporáneo.


(...) El quid está en saber lo que tienes que hacer. Muchos jóvenes me preguntan, ¿qué hago ahora?
El vínculo con el mundo real te va generando un camino. La fotografía (pintar a partir de fotografías) rompe el vínculo con el mundo real.


(...) A mí pintar me mejora la vida. Cuando pinto estoy mejor de la espalda, mejor de la cabeza... Yo quiero pintar.


(...) Hay dos realidades, la realidad objetiva y la realidad subjetiva. Las cuevas de Altamira es pintura realista, pero no está hecho de la realidad: el pintor no tenía un bisonte dentro de la cueva posando para él mientras lo pintaba. Un cuadro de El Bosco no está hecho de la realidad. Recuerdo haber visto la exposición "El retrato y la máscara", y recuerdo los cuadros de Stanley Spencer. Unos copiados de la realidad, como un retrato de una mujer con una falda de tablas, que es un tema bastante banal, pero él lo había hecho de tal modo que sólo podía ser así. Otros cuadros son místicos, pinta experiencias, que eso no lo puedes tener delante para pintarlos. Son dos formas de trabajo en el mundo real: proporcionar una historia o dar una forma literal.


_. (...) Soy una alumna que para aprender estoy copiando cuadros, pero eso no está bien visto porque no es original.
_. Yo hablaría de autenticidad más que de originalidad. (...) El crear de modo que sea una ayuda para los demás. Creo en el contenido secreto de las cosas. No siempre aparece lo mejor de una manera inmediata. (...) Lo primero es hacer algo que tenga veracidad y autenticidad. Después surgen personas que ayudan.


_. ¿Cómo debe utilizar el pintor las nuevas tecnologías?
_. Son una herramienta más. No ha cambiado nada, está nuestro cerebro, nuestra mirada y un impulso que nos lleva a hacer algo. El pintor siempre se ha sabido adaptar. Los nuevos procedimientos han creado nuevos lenguajes. (...) Para mí la dificultad es encontrar modelos y encontrar fuerza para realizar una obra que va a necesitar toda mi energía. 


(...) He tenido un problema en un ojo y no se acoplaban. Lo maravilloso es que se acople lo que vemos y lo que somos.


(...) Yo no hablaría de las dificultades, sino de los logros.


(...) Todo se hace para que digas algo que sólo puedes decir tú.


(...) Los niños que he hecho (en pintura o escultura) los he tenido cerca: primero mis hermanas, después mis hijas, ahora mis nietos. Yo trabajo con cosas que amo. No puedo trabajar con cosas que no me importan, eso me destruiría.


_. ¿Cómo se enfrenta al lienzo en blanco?
_. Llevo varios cuadros en marcha a la vez. No conozco la angustia del lienzo en blanco. Eso es una etapa, el cuadro es como un iceberg, hay mucho trabajo preparatorio que no se ve. Cuando llego al lienzo en blanco tengo ganas de pintarlo.


_. Como docente ¿qué les diría a sus discípulos?
_. Cada cual ha de contar sus propias historias. ¿Qué es lo que más amas? ¿Qué es lo que más odias? Ten más respeto a lo que tú sientes y confía. Sin violentar nada. Yo he copiado también a Picasso y he aprendido de otros. Si lees libros, si ves películas, te van haciendo luz. (...) En los talleres que hago, los alumnos trabajan con la realidad y ahí sale su verdad, aunque muchas veces no se den cuenta. Después, vuelven a su estudio, y a su cárcel.


(...) De la realidad a mí me interesa pintar lo que permanece, lo que mañana cuando vuelva seguirá estando ahí."









2011/10/24

Cuaderno de Apuntes, El Taller / Dibujando del natural en Barcelona




´Cuaderno de Apuntes, El Taller´ de Nuria Armengol
Dibujando del Natural en Barcelona



Noviembre 2011: 
miércoles por la tarde, o sábados por la mañana. 


No es necesario conocimiento previo de dibujo

El notebook es el lugar más íntimo y privado donde registrar observaciones personales. ¿Sabemos utilizarlo? Con este taller fijarás el hábito de guardar y retener tus ideas y percepciones útiles mientras contemplas o te mueves en la ciudad. No es un taller de dibujo, es la adquisición de un gadget, de papel, insustituible para profesionales y amateurs contemporáneos.
Este Taller práctico está dirigido a fotógrafos, escritores, estudiantes, científicos, músicos, diseñadores, artesanos, ingenieros, arquitectos, biólogos, artistas, etc. Utilizando la Observación y la Reflexión previas a la Acción, probaremos distintas técnicas de dibujo del natural en distintos espacios de Barcelona, y adquiriremos el hábito de utilizar el cuaderno con las técnicas de registro que nos sean más útiles según nuestras necesidades profesionales.

Al final del taller tendremos las herramientas y los hábitos necesarios para registrar nuestras ideas siempre que lo necesitemos.

Lugar de inicio: 
Taller Carmen Balada.

c.Freixures, 29 (frente Mercado Santa Catalina)
08003 Barcelona

Fechas: 
2, 9, 16 y 23 Noviembre 2011
5, 12, 19 y 26 Noviembre 2011

Horarios: 
miércoles tarde: de 18,30 a 20,30 h
sábados mañana: de 11,30 a 13,30 h

Precio: 
80 €

Contactar: 
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2011/09/10

Abans que el temps ho esborri



Retrato de Teresa Mestre de Baladía (1869-1949), pintado por Ramón Casas (1866-1932). En la película documental "Abans que el temps ho esborri" (Antes de que el tiempo lo borre) se cuenta la historia de este cuadro y cómo influyó decisiva y trágicamente en la vida de la retratada. 
Cartel de la película.

El libro que escribió su bisnieto Javier Baladía, se ha convertido en una película cuyo guión han escrito Victoria Bermejo y él, y ha dirigido Mireia Ros. Una película hecha con fotografías en blanco y negro y filmaciones de época, alternadas con imágenes del mismo Javier Baladía como narrador moviéndose en la Barcelona actual. Se utilizan con mucha agilidad recursos visuales de postproducción con humor, que ayudan a sobrellevar las a veces desmesuradas biografías de los Baladía, y nos descubre personajes que crearon una Barcelona cosmopolita y culta, que atrajo entre otros a Diaghilev y Nijinski, a Einstein, a Richard Strauss o a Carlos Gardel. Entre las dos Exposiciones Universales de 1881 y 1929, los Baladía fueron parte de la alta burguesía industrial que amasó grandes fortunas. Tuvieron tiempo de divertirse en París, apoyar a Pompeu Fabra, crear el Conferentia Club, encargarle casas a Puig i Cadafalch y pusieron en el mapa de los veranos de miles de turistas posteriores lo que entonces eran remotos pueblos de pescadores como Cadaqués o Palamós.


Teresa Mestre era una belleza, además de una mujer inteligente e independiente, que se casó con Jaume Baladía i Soler, con quien tuvo tres hijos. La madre de su marido murió en el parto y fué su tía Ramona Soler quien lo crió. Esta temible mujer era una fuerza de la naturaleza, capaz de dirigir una empresa textil con miles de obreros que le llamaban "el amo" y acudir al despacho de la fábrica con un revólver en la liga y tener un rifle Winchester encima de la mesa para cuando tenía que enfrentarse a las reclamaciones obreras. Era viuda, sin hijos, dominante, y muy fea, lo que con los años había empeorado un carácter ya de por sí poco afable.

Ramón Casas realizó este retrato de Teresa y dicen que cuando Eugeni d'Ors lo vió en su estudio, reconoció en ella a "La ben plantada", la protagonista de las glosas que publicó el verano de 1911 y en las que quisieron reflejarse todas las mujeres de su época, ya que personificó las virtudes de belleza e independencia de la ética noucentista. Sin embargo, el retrato no había sido un encargo. Se supone que lo hizo a partir de dibujos que  hizo a escondidas, cuando pintó a sus tres hijos por encargo de la matriarca Baladía. La temible tia Ramona tuvo siempre celos de Teresa y descubrir el retrato le dió la oportunidad de perjudicarla. Ante las sospechas que generó el retrato, y el escándalo consiguiente, le retiró la custodia de sus tres hijos y la recluyó en la casa de Argentona, fuera de Barcelona. Su marido se encontró entre dos fuegos, entre el amor por su mujer y la ira de tía Ramona. Teresa resistió algún tiempo y al cabo de unos meses tomó la única vía posible para una mujer en aquella época: huir. Huyó a Suíza con Josep Pijoan, un intelectual  más joven que ella, que le había mostrado su apoyo durante el doloroso proceso de separación de sus hijos. La película incluye la grabación sonora de Teresa en su lecho de muerte en 1949, pidiendo perdón a sus hijos y mostrándoles todo su amor, a pesar de no haber podido volver a verlos en todos esos años, aislada como quedó por tía Ramona.


Una historia trágica, desencadenada a raíz del retrato de una mujer muy hermosa, pintada por un excelente retratista.

Existe otro cuadro de Ramón Casas en que pintó a Teresa Mestre de Baladía Es un cuadro de cuerpo entero que se conserva en el MNAC, Museu Nacional d'Art de Catalunya, en Barcelona.


Respecto a ambos cuadros, Javier Baladía me explica que:

_ El de la túnica es más formal, pero es curioso que este cuadro, pintado por el retratista del Modernismo por excelencia, sea la obra fundacional del Noucentisme, su movimiento opuesto. Es un cuadro excepcional en el conjunto de la obra de Ramón Casas, porque a una persona real y conocida, la descontextualiza y la disfraza y peina de diosa griega. Realmente curioso. Es la única vez que lo hizo.

_  ¿Este cuadro lo pintó por encargo? 
_ Ninguno de los dos cuadros fue por encargo. Los pintó en secreto mientras retrataba a tía Ramona, Gip y Niní (niños, dos de los hijos de Teresa). Como Ramón Casas era amigo de la familia, hubo lio por este tema. Antes de venderlo al Museu d'Art Modern -luego MNAC- , pidió permiso a mi bisabuelo. Guardamos la carta original de Ramón Casas en la que se lo pide. Por eso Casas lo vendió al MNAC con la condición expresa de que nunca figure en una galería de retratos. 
El retrato en que está sentada, creo que se lo vendió Casas poco antes de morir a mi abuelo. El poder que tenía ese cuadro presidiendo el salón de casa de mis abuelos era tremendo. Nadie podía apartarle la mirada solo entrar. Lo llenaba todo con una vibración de belleza, serenidad y elegancia. Cuando te acercabas te miraba con una sonrisa muy amable pero con un punto de tristeza.
El retrato de la túnica es también muy potente, pero personalmente para mi no tiene tantos matices.  És más mitológico y épico, pero menos humano.



Fotografías: Archivo / Fons Baladía - Llorach

Links:
Trailer de "Abans que el temps ho esborri"
Ramón Casas
Eugeni d'Ors
Novecentismo 
Noucentisme
Javier Baladía

2010/10/29

Premio Nobel de Literatura y...pintor.


LIFE® - Churchill with Painting, 1948


"Cuando me vaya al cielo, pienso pasar una parte considerable de mi primer millón de años pintando y de ese modo aprender a hacerlo bien. Pero entonces necesitaré una paleta más alegre que la que tengo aquí abajo. Espero que el naranja y el bermellón serán los colores más oscuros y fríos de esa paleta, y a partir de ellos habrá toda una gama de nuevos colores maravillosos que serán un deleite para el ojo celestial".
Winston Churchilltras ser Primer Ministro de Inglaterra, recibió el Premio Nobel de Literatura en 1953. Se dedicó a pintar con auténtica pasión de amateur tras retirarse de la política. Buena prueba es este párrafo de su libro: "Painting as a pastime", "La pintura como un pasatiempo". 


Durante sus viajes privados o como estadista siempre encontró tiempo para pintar al menos un cuadro al óleo, preferentemente de paisajes: Francia, Italia, Palestina, Marruecos, Madeira,...  Ya en 1921 expuso en una galería de París con el seudónimo Charles Morin. Y cada año, entre 1947 y 1959, sus cuadros fueron seleccionados para la exposición de verano en la prestigiosa Royal Academy de Londres, con el seudónimo David Winter. 


   
Hay varios libros dedicados a su faceta de pintor:
Churchill - Royal Academy Souvenir 1959 Churchill: His Paintings 1967 Winston Churchill: His Life as a Painter 1990



En cambio, estos paisajes realizados en tinta son muy diferentes a los de Churchill, porque tienen elementos de la tradición pictórica oriental y occidental.





Son cuadros del Premio Nobel de Literatura en el año 2000, Gao Xingjian. 
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Fotografía: Robert Wilson

El escritor chino que reside exiliado en París desde 1987, y que ha escrito su obra más conocida "La montagne de l'âme" en francés, es también un consumado pintor: "La peinture vient de l'endroit où les mots ne peuvent plus s'exprimer" (...) "L'esprit vient de la vie: il est dans les montagnes, les rivières, l'herbe et les arbres" (...) "Il ne faut pas sonder les âmes, il ne faut pas rechercher les causes et les effets, il ne faut pas rechercher le sens, tout n'est que chaos". 




Gao Xingjian, Marseille, 2003. Fotografía cortesía de Alain Melka/Jean-Louis Darmyn y Triangle Méditerranée.
La ciudad de Marsella en Francia, declaró 2003 como el año  Gao Xingjian, con una exposición de sus obras y la realización del film "Silhouette / Shadow" que trata de su trabajo pictórico y que él describe como un poema cinemático o una fábula moderna, ya que la película muestra imágenes de sus actividades a lo largo de ese año, sin seguir una línea narrativa. 
En España Gao Xingjian expuso en el Museo de Arte Reina Sofía de Madrid en 2002 y pudimos ver sus pinturas en tinta china sobre tela y papel en Barcelona cuando las expuso la Galería Senda en 2008.