Vivian Maier, fotógrafa.

Vivian Maier trabajó como niñera para varias familias durante cuarenta años en la ciudad de Chicago. En sus días libres salía siempre a la calle con una cámara de fotos, pero nunca enseñó sus fotos a nadie.

Los niños a los que cuidó en los años 50 la describen como una Mary Poppins, siempre sorprendente e interesante. Otros empleadores la describen como una mujer de carácter fuerte, que hablaba con acento francés, con opiniones firmes en política y un marcado anti-catolicismo.

Este video de un reportaje de tv, entrevista a John Maloof, un vendedor inmobiliario de Chicago que en 2007 preparaba un libro sobre un barrio de su ciudad y encontró en un mercadillo una caja con negativos que incluía alguna vista de Chicago que podía serle útil. Al mirar los negativos con calma se quedó cada vez más admirado. De hecho, como él mismo explica, ver sus fotos le inspiró para hacerse fotógrafo también él y, conforme hacía progresos, cada vez "veía" más en las fotos de Vivian Maier. Compró una cámara como la suya y fué a las calles que Maier había fotografiado, con lo que comprobó lo difícil que era obtener una foto de ese calibre.

Blog de John Maloof sobre Vivian Maier: fotografías, Biografía, calendario de documental, libro, etc:
http://vivianmaier.blogspot.com/
El artículo de wikipedia es muy completo y bien documentado:
http://en.wikipedia.org/wiki/Vivian_Maier
Exposicion en Chicago, del 8 de enero al 3 de abril de 2011:
http://www.explorechicago.org/city/en/things_see_do/event_landing/events/dca_tourism/FindingVivianMaier_ChicagoStreetPhotographer.html

Exposiciones en París. Calendario / Calendrier par Anne Murat

Fotografías: Exposición Moebius en la Fondation Cartier, Paris.


Anne Murat nos envía desde París un calendario de exposiciones seleccionadas para visitar durante los próximos seis meses:
Anne Murat nous envoie dés Paris, un calendrier d'expos selectionnées, à visiter pendant les prochains six mois:

Musée du Moyen Age de Cluny

Hasta el 10 de enero 2011: Arte Eslovaco de finales de la Edad Media.

Jusqu'au 1O janvier 2011: Art Slovaquie à la fin du Moyen Age

web

Grand Palais

Hasta el 10 de enero 2011: Francia 1500: entre la Edad Media y el Renacimiento.

Jusqu'au 10 janvier 2011: France 1500 : entre Moyen Age et Renaissance

Hasta el 24 de enero 2011: Monet

Jusqu'au 24 janvier 2011 : Monet

web

Petit Palais

Hasta el 16 de enero 2011: Giuseppe de Nittis

Jusqu'au 16 jan 2011: Giuseppe de Nittis

web

Orsay

Del 8 de marzo hasta el 29 de mayo 2011: fotografía Prerafaelita.

8 mars-29 mai 2011: photographie Préraphaélite

Del 5 de abril hasta el 3 de julio 2011: Manet.

5 avril-3 juillet 2011: Manet

web

Louvre

Hasta el 3 de enero 2011: Museos de papel. La Antigüedad en los libros, 1600-1800

Jusqu'au 3 janvier 2011: Musées de papier. L'antiquité en livres, 1600-1800

Abril - Julio 2011: Claude Lorrain

Avril - juillet 2011 : Lorrain

web

Jacquemart André

Hasta el 24 de enero 2011: Rubens, Poussin.

Jusqu'au 24 Janvier 2011: Rubens, Poussin

web

Fondation Cartier

Hasta el 13 de marzo 2011: Moebius.

Jusqu' au 13 mars 2011: Moebius 

web

BNF Mitterrand

Hasta el 9 de enero 2011: Depardon.

Jusqu' au 9 janvier 2011: Depardon
web

Andy Goldsworthy responde a un joven artista

Fotografía: Cristina Chi

El proyecto de Refugios de arte que Andy Goldsworthy lleva a cabo en Digne, en la Alta Provenza francesa, sigue adelante.
Este mes de septiembre, Andy Goldsworthy pasa quince días en el refugio de l'Escuichière realizando una nueva escultura en una nueva sala, un muro con el dibujo de un aspa.  En este refugio de l'Escuichière realizó en 2004 el muro de regueros de agua sugeridos mediante las líneas de calcita blanca en piedra calcárea negra que se encuentra en una cantera de la zona. La piedra con la x en blanco necesaria para realizar el cruce de las líneas del aspa se encontró al finalizar el muro de regueros de agua y se ha guardado en el Musée Gassendi de Digne, en la sala Goldsworthy, hasta que ha sido posible colocarla. Andy Goldsworthy ha previsto realizar en el futuro otra sala en este mismo refugio, de la que pueden verse los apuntes en el Musée Gassendi de Digne, en la que el  dibujo de línea blanca en la piedra será un círculo.
En el libro Refuges d'Art, Andy Golsworthy explica sobre esta escultura: "The river is a very strong expression of flow, connexion and movement. I'd like to feel that I can find the river in a tree, in a stone. I think that the sculpture that I make in here is an attempt to find the stream, the water in the stone, the fluidity. It is a line of energy, movement and flow". Una línea de energía, movimiento y fluidez.

Andy Goldsworthy trabaja acompañado por un equipo de siete hombres, expertos en el trabajo en piedra, dirigidos por Gordon, que colabora con él desde hace años en la realización de muros en piedra, como los que pueden verse en el extraordinario documental Rivers and Tides.

Las piedras han de cortarse para encajar entre sí al hacer el muro y al mismo tiempo para que las líneas continúen el dibujo. Se seleccionan, se tallan, se colocan en el suelo para comprobar que encajan de manera adecuada y finalmente se llevan al muro, donde se hacen los cortes  definitivos para su ajuste perfecto.

Al final del día, en un encuentro organizado por Jean-Pierre Brovelli guía de Refuges d'art y Nadine Gomez, directora del Musée Gassendi, entre los que hicimos este año el recorrido de Refugios de arte y Andy Goldsworthy, pude hablar con él y hacerle una pregunta relacionada con el libro Cartas a un joven artista. 

._ I would like to know, now that so far you have accomplished a substantial part of your work, what would you say to a young artist who asks you for advice?

._ I think that the only thing I would say is: place your art first.

._ First of everything?

._ Yes, just place your art first. Don't wait to.., don't say: “I will make my art when I am thirty or forty or fifty”, and you still have not made your art, no?

._ Yes

._ So, if you have no studio, you still make your art, if you have no gallery, you still make your art, if you have no money, you still make your art. That's all, probably.

He traducido así la respuesta de Andy Goldsworthy a un joven artista que le pide consejo:

Pon tu arte por delante de todo lo demás. No esperes a tener treinta, cuarenta o cincuenta años, porque llegarás a tenerlos y todavía no habrás hecho nada. Así que no importa si no tienes estudio, tú haz tu obra, no importa si no tienes galería, tú haz tu obra, no importa si no tienes dinero, tú haz tu obra. Eso es todo.

Fotografías: Cristina Chi y Nuria Armengol

Cartas a un joven artista ¡publicado!

El libro Cartas a un joven artista, ya está publicado en español. 

Ediciones el Ciprés ha hecho una fantástica edición de la traducción que hice del original Letters to a young artist y el libro ya está llegando a las librerías.

Cerrando un círculo que empezó hace dos años, hace unos días pude tomar esta foto, en la librería Loring de Barcelona, de un lector hojeando el libro Cartas a un joven artista junto a la mesa donde siguen vendiéndose ejemplares de Letters to a young artist.

Larga vida a estos textos llenos de entusiasmo, coherencia, sentido común, experiencia, humor y estímulo, en las cartas que escriben 23 artistas contemporáneos de probada experiencia y renombre internacional, a un joven que les solicita consejo al iniciar su vida de artista.

Gracias a todos los que lo han hecho posible.

Ediciones el Ciprés

Peter Nesbett

Librerías de Barcelona donde encontrar el libro:

La Central

Laie

Loring

Les Punxes

Librerías Bertrand

Para encontrar el libro en Librerías del resto de España, o adquirirlo por internet, consultar la web de la editorial, aquí.

Pequeños Dibujos Animados. El mejor regalo.

Pequeños Dibujos Animados es un proyecto artístico de colaboración entre adultos y niños para crear animaciones. Como explican en su web:
PDA es una asociación de artistas audiovisuales que realiza proyectos de cortometrajes de animación con la colaboración de niños entre 6 y 12 años. Siguiendo una metodologia lúdica y didáctica se pretende mostrar el proceso de creación de una obra audiovisual. De la misma manera que ellos aprenden de nosotros, nosotros lo hacemos de ellos creando una obra conjunta.

Ellos descubren cómo se ordena una historia, la creación de un storyboard, la animación y el doblaje, participando en cada una de estas áreas

El resultado final es un cortometraje hecho por un colectivo de niños y adultos, donde las inquietudes artistísticas de unos y otros se encuentran, contrastan y dan fruto a una nueva obra de arte. Dichos cortometrajes se promocionan dentro del panorama artístico internacional ya sea en museos, galerias o festivales internacionales de cine y animación.

El equipo del PDA ha trabajado con el Consorci de Biblioteques de Barcelona, festivales internacionales de cine y animación y escuelas de todo el país. Actualmente estamos realizando una gira  internacional con el Instituto Cervantes.

Desde el mes de mayo del 2008 ya está a la venta el primer DVD de los cortometrajes realizados por el PDA. Editado por Cameo y presentado en el Fnac de Barcelona

Los cuatro adultos de PDA son Mario Torrecillas, Tyto Alba, David Borrull y Pablo Hernández. Los niños son legión, de varios países.  Entre los videos que pueden verse en su web está "El mejor regalo", donde el dibujo es un juego infantil que sirve para explicar cosas muy serias, como el trasplante de médula al que se someten los niños en un hospital, dibujado y explicado por ellos mismos.

Muro de comunicación

Ya lo hizo Banksy antes, pintar el muro de separación en Palestina, ahora un grupo de artistas grafiteros palestinos de ambos sexos se han propuesto pintar o escribir en el muro mensajes email que se les han enviado y fotografiarlos para que puedan verlos. La idea es convertir un muro de hormigón de 8 metros de altura y 620 km de longitud, construido para separar y dividir, en un soporte de mensajes de alegría, unidad y concordia. Y los fondos que recogen van a ayudar y formar a jóvenes palestinos.


Para ver su web aquí

Creative Commons, los derechos de los autores en internet.

Los Derechos de Autor son un tema de actualidad estos días porque salen noticias en la Prensa. Para los Autores son un tema de actualidad todos los días. Esta interesante entrevista que publica el periódico La Vanguardia de Barcelona con Ignasi Labastida, responsable de Creative Commons en España, clarifica conceptos y espero que sea útil para artistas y amantes del arte.


web de creative commons en España aquí
web de creative commons en inglés aquí
encuentra la licencia creative commons adaptada a tu país aquí

La mujer artista, personaje literario. Artículo de Laura Freixas en La Vanguardia.

Interesante y bien documentado artículo sobre La mujer artista, personaje literario, de la escritora Laura Freixas en el periódico de Barcelona La Vanguardia. 
Puedes leerlo completo aquí
Web de Laura Freixas, aquí.

Marc Dalessio pinta su autorretrato.

Un video excelente sobre la realización del autorretrato del pintor Marc Dalessio. No solo se ve todo el proceso en time lapse, sino que la cámara muestra también la vida que transcurre en el estudio alrededor de la tela pintada durante dos semanas, los amigos que vienen y van, el pintor en su ambiente. Y la calidad de la pintura es indudable.

Anish Kapoor: la escultura de un cuadro

La escultura que Anish Kapoor presenta en el Guggenheim de Nueva York hasta el 28 de marzo de 2010 lleva la pintura adonde nunca había llegado.
Un cuadro es una representación en 2 dimensiones de una realidad en 3 dimensiones. Es pues una ilusión, un artificio, que utiliza los colores, la línea o la perspectiva para representar una realidad nueva en una pared. Es la ilusión de una ventana siempre abierta en un muro cerrado.
En la visita al Guggenheim podemos ver colgados en las paredes de varias salas cuadros de Modigliani, Juan Gris, Braque, Matta o éste Picasso, como parte de la exposición "París y las Vanguardias", con ejemplos de pinturas que hacia 1910 o 1920 desafiaban el academicismo mediante nuevas propuestas como el cubismo o la abstracción.

Pablo Picasso, Mandolin and Guitar (Mandoline et guitare), Juan-les-Pins, 1924. Oil with sand on canvas, 140.7 x 200.3 cm. Solomon R. Guggenheim Museum, New York 53.1358


Y tras ver estos cuadros, entramos en la sala donde la enorme mole de acero kor-ten de Kapoor ocupa casi todo el espacio con su color ocre anaranjado y su forma ovoide. Tiene una presencia ineludible y también muda, inescrutable, gracias a sus remaches que la hacen hermética. Podemos rodearla, si despistamos por un momento al guarda de la sala, excepto en el punto en que se funde con la pared. -¿Por qué lo hace? ¿continúa en otra sala completando su forma al otro lado de la pared?- Salimos de esta sala en busca de una respuesta y vamos hacia otra sala que hay en un recodo tras subir unos escalones, y en la pared donde estaría el volumen de la escultura que falta en la primera sala, hay un cuadrado de 1,50m x 1,50m aproximadamente, centrado en la pared, como un cuadro. Su color negro destaca en los muros blancos y nos acercamos recordando el "cuadrado negro" de Malevitch. Pero éste cuadrado negro es diferente. Muy diferente. Porque cuando te asomas al cuadro que ha colgado Kapoor en la pared la Pintura pierde la partida, su ilusión de vacío no es ilusión y lo sabes. Te asomas a un cuadrado negro que es una incógnita real, es la oscuridad de un espacio del que ni siquiera adivinas las dimensiones o los límites y del que sin embargo eres muy consciente porque en la otra sala acabas de ver su volumen exterior. Lo escrutas, te acercas con decisión, te alejas con incredulidad porque no se deja definir. Es vacío y está ahí. Sigues mirando un rato, esperas que cuando tus pupilas se acostumbren a la oscuridad vislumbrarás su forma que ahora ya sabes es ovoide. Pero nada, por más tiempo que pases frente a él, la pared es inmaculadamente blanca y el cuadrado es un espacio inescrutablemente negro. 
Y cuando bajas al hall, sales del edificio y caminas por la calle recordando los cuadros de Picasso, Braque, Miró, Modigliani, que acabas de ver hace un rato, con sus revolucionarios esfuerzos por captar la luz, por romper la forma o por dibujar con el color, ahora te parecen amables y anecdóticos. La escultura del cuadro ha hecho que te asomes a una incógnita, un paso más allá de una ilusión.

Pintar. A pesar de todo.

Frantz Zéphirin es un pintor haitiano. Sobrevivió al seísmo que sacudió Port-au-Prince el pasado 12 de enero y tras experimentar que la tierra se abría bajo sus pies, ver edificios caídos, encontrar cadáveres por las calles y perder a familiares y amigos, ha empezado a pintar cuadros. Ahora los muestra a su galerista diciendo: mira lo que he hecho, mira lo que he vivido, mira lo que pienso. La suya es la pintura de un sacerdote vudú que pinta un mundo poblado de espíritus y dioses y que habla de su deseo de reconstrucción para Haití. "Creo que el seísmo puede actuar como un tratamiento de shock. Hace falta un cambio de mentalidad. Mi país necesita reducir la corrupción y aumentar la educación. Un verdadero proyecto para el pueblo. ¡Tengo muchas cosas que explicar en mis cuadros!".

Henri Jean-Louis pinta en su barrio de Musseau la escena de un campamento de refugiados en la campiña haitiana. La misma campiña en la que le gustaba pintar mercados coloristas y campesinas atareadas, está ahora poblada por la ayuda internacional a un país destruído. Como muchos haitianos, traumatizados por el dolor y la pérdida, quisiera irse de Haití. Y con su dolor y su esperanza, se pone a pintar, a pesar de todo.

Préfète Duffaut pintó esta tela antes del seísmo.

 

Levoy Exil también pintó esta tela antes del seísmo, que pueden verse en la Galeria Monnin de Pétionville.

Ambos pintores tuvieron premoniciones de que iba a suceder algo terrible en Haití meses o días antes del 12 de enero. Todos los pintores que trabajan en Haití son conscientes de que su pintura va a cambiar tras lo que han vivido. 

Reynald Joseph ha empezado a trabajar en un gran tríptico, tras derrumbarse su estudio y perder toda su obra. Dice que no va a cambiar los temas de sus cuadros: escenas de calle, de bodas, de carnaval, de burdeles, simplemente todo estará más movido, en un desequilibrio al borde del caos. "Jugaré con los códigos del vudú para los colores de mis cuadros. Por ejemplo, esta mujer que está del revés llevará unas bragas rojas, como las mujeres que han perdido a sus maridos, porque los muertos temen el color rojo".

La pintura de la joven Pascale Monnin está habitualmente poblada por animales y seres que llenan sus cuadros de evocaciones, poesía y dudas. Está ocupada en criar a su bebé, y una noche se despierta tras una pesadilla llena de gritos de haitianos enterrados bajo los escombros, y empieza a dibujar y escribir sobre los desaparecidos.

Todos ellos son artistas que siguen trabajando. Pintores que cogen su dolor, su tristeza, su desesperación, su incertidumbre, sus esperanzas y deseos, sus convicciones y su testimonio y mezclándolos con colores se ponen a pintar. A pesar de todo.

Gracias a Anne Murat por enviarme este interesante artículo del periódico Le Monde: "Haití, les peintres de l'espoir".

Muy recomendable también la lectura de: "Des milliers d'oeuvres d'art disparues dans les ruines".

Pintura Virtual e Interactiva. Body Paint.

"Body Paint" Installation at "Clicks or Mortar", March 2009 from Memo Akten on Vimeo.
"Body Paint"es una instalación interactiva mediante la que "pintar" sobre un lienzo virtual con los movimientos del cuerpo. No pretende tener una aplicación pictórica, sino ofrecer la posibilidad de hacer algo "plástico" con los movimientos de todo el cuerpo. Es una performance lúdica que permite a los adultos comportarse como niños con una caja de pinturas y verlos embadurnar las paredes mientras juegan y ríen.
El video muestra a varios visitantes de la exposición Decode en el Victoria & Albert Museum de Londres, del 8 de diciembre 2009 al 11 de abril 2010.
Su autor, Memo Akten, se define en su blog como artista, músico, ingeniero, creador de juegos, visualizador y científico loco residente en Londres. En su web se pueden ver muestras detalladas de su trabajo, como Reincarnation, de la que hablé en la entrada sobre La Pintura y el Fuego I.

Escultura, Luz e Interactividad. Studio Roosegaarde.

El video muestra cómo recorrer un pasillo subterráneo de una estación de Metro en Rotterdam, se convierte en un paseo artístico e interactivo, cuando los transeúntes interactúan con la instalación Dune 4.1- Maastunnel de Studio Roosegaarde.

Presentación del libro Journal de voyage.

azulbleu presenta el libro "Journal de voyage", que muestra en detalle la serie de siete cuadros de Nuria Armengol, realizados entre noviembre 2006 y abril 2008. Puede verse completo y puede comprarse en la web de blurb. 
Aviso:  Actúa como bálsamo para las prisas, antídoto para los enfados y estimulante de la actividad cerebral. No tiene contraindicaciones y puede consumirse tantas veces como se quiera, sin necesidad de receta médica.

No hay ningún camino hacia la felicidad, la felicidad es el camino.
Proverbio tibetano.



Texto de introducción que aparece en el libro:
Esta serie de siete cuadros se desarrolló como las etapas de un viaje que se han dejado al azar. El título me lo dió la lectura del libro "Journal de voyage", la correspondencia que durante cuarenta años mantuvo la intrépida viajera y orientalista francesa Alexandra David-Néel con su marido. Esta viajera salió de Argel en 1910 hacia Oriente, sin saber que permanecería allí durante treinta años. Recorrió y vivió largas temporadas en Japón, India, China y Tibet, mientras estudiaba budismo, hinduismo y otras filosofías orientales, siendo la primera mujer occidental que entró en Lhasa en 1924, la capital del país que entonces estaba cerrado a todos los extranjeros: el Tibet.

Inicié la serie “Journal de Voyage” como un viaje del que no tenía un destino fijado de antemano. Sólo sabía que sería un viaje en varias etapas y que esas etapas serían siete cuadros, sin determinar de entrada exactamente cómo serían, dejando que cada cuadro terminado me llevara al siguiente. Estos cuadros relatan un viaje simbólico, una transformación interior, no son un reportaje de viajes, por lo que les dí desde un principio un denominador común visual para que compartieran aquello que miran todos los viajeros: el horizonte. De manera que la línea del horizonte se mantiene a la misma altura en los cuadros 1, 2, 4, 5 y 6, y permanece indicada en los cuadros 3 y 7. Respecto a la niña protagonista de esta serie de cuadros "Journal de voyage", quería hacer evidente su evolución de niña a joven y de joven a adulta, durante la que sufre auténticas metamorfosis interiores, por lo que cambio su aspecto en cada cuadro. Lo mismo les ocurre a los animales y objetos que la acompañan. El paso del tiempo forma parte del viaje y esta serie es una secuencia temporal que abarca varios años en la vida de la niña. Al mismo tiempo, dado que la mejor hora para iniciar un viaje suele ser al amanecer, situé en ése momento el primer cuadro y asigné la noche cerrada al último cuadro. De este modo viajaríamos con las distintas luces del día, recorriendo el arco luminoso completo de una jornada. 

La vida se manifiesta como una danza ininterrumpida de acontecimientos. La serie no queda cerrada en el cuadro “Journal de voyage 7”, que será algún día un nuevo inicio.

Pintura Mural en animación.

Face 2 Face- balloon girl from EB Hu on Vimeo.

Una niña cobra vida en esta animación por ordenador sobre la pintura mural que cubre las fachadas de nuestras ciudades. Los muros de muchas fachadas urbanas están cubiertos de seres, escenas, retratos, pintados por muchos pintores anónimos que regalan su arte. En esta animación que utiliza un dibujo algo ingenuo, se explica muy bien el proceso de transformación mostrando un único personaje que cobra vida, el de una niña pintada en un muro que, haciendo entrega de sí misma, logra permanecer en un mundo impermanente. Es una narración visual sobre la impermanencia de nuestro paisaje urbano, donde vemos aparecer nuevos edificios donde se derriban los anteriores y cómo con ellos desaparecen otros habitantes y otra manera de vivir.


Es el mismo tema que José Luis Guerín narró muy bien en su pelicula documental "En construcción", filmando durante un año el proceso de construcción de un nuevo edificio en el barrio barcelonés del Raval y dejando hablar a los albañiles, a los vecinos antiguos y nuevos de un barrio en transformación, haciéndonos descubrir auténticas pepitas de oro entre el barro de los ladrillos con las palabras del albañil filósofo, el gesto del capitán de barco retirado o la belleza esencial de una joven pareja de enamorados.


En las ciudades pasean personajes anónimos entre pinturas anónimas, como en esta imagen del proyecto pedestrian, de la artista Yvette Helin.

Manifiesto de creative commons

Manifiesto publicado en la página española de creative commons, que suscribo y publico en el blog:

En defensa de los derechos fundamentales en internet

4 Diciembre 2009 por Administrator

Ante la inclusión en el Anteproyecto de Ley de Economía sostenible de modificaciones legislativas que afectan al libre ejercicio de las libertades de expresión, información y el derecho de acceso a la cultura a través de Internet, los periodistas, bloggers, usuarios, profesionales y creadores de Internet manifestamos nuestra firme oposición al proyecto, y declaramos que:
1 - Los derechos de autor no pueden situarse por encima de los derechos fundamentales de los ciudadanos, como el derecho a la privacidad, a la seguridad, a la presunción de inocencia, a la tutela judicial efectiva y a la libertad de expresión.
2 - La suspensión de derechos fundamentales es y debe seguir siendo competencia exclusiva del poder judicial. Ni un cierre sin sentencia. Este anteproyecto, en contra de lo establecido en el artículo 20.5 de la Constitución, pone en manos de un órgano no judicial -un organismo dependiente del ministerio de Cultura-, la potestad de impedir a los ciudadanos españoles el acceso a cualquier página web.
3 - La nueva legislación creará inseguridad jurídica en todo el sector tecnológico español, perjudicando uno de los pocos campos de desarrollo y futuro de nuestra economía, entorpeciendo la creación de empresas, introduciendo trabas a la libre competencia y ralentizando su proyección internacional.
4 - La nueva legislación propuesta amenaza a los nuevos creadores y entorpece la creación cultural. Con Internet y los sucesivos avances tecnológicos se ha democratizado extraordinariamente la creación y emisión de contenidos de todo tipo, que ya no provienen prevalentemente de las industrias culturales tradicionales, sino de multitud de fuentes diferentes.
5 - Los autores, como todos los trabajadores, tienen derecho a vivir de su trabajo con nuevas ideas creativas, modelos de negocio y actividades asociadas a sus creaciones. Intentar sostener con cambios legislativos a una industria obsoleta que no sabe adaptarse a este nuevo entorno no es ni justo ni realista. Si su modelo de negocio se basaba en el control de las copias de las obras y en Internet no es posible sin vulnerar derechos fundamentales, deberían buscar otro modelo.
6 - Consideramos que las industrias culturales necesitan para sobrevivir alternativas modernas, eficaces, creíbles y asequibles y que se adecuen a los nuevos usos sociales, en lugar de limitaciones tan desproporcionadas como ineficaces para el fin que dicen perseguir.
7 - Internet debe funcionar de forma libre y sin interferencias políticas auspiciadas por sectores que pretenden perpetuar obsoletos modelos de negocio e imposibilitar que el saber humano siga siendo libre.
8 - Exigimos que el Gobierno garantice por ley la neutralidad de la Red en España, ante cualquier presión que pueda producirse, como marco para el desarrollo de una economía sostenible y realista de cara al futuro.
9 - Proponemos una verdadera reforma del derecho de propiedad intelectual orientada a su fin: devolver a la sociedad el conocimiento, promover el dominio público y limitar los abusos de las entidades gestoras.
10 - En democracia las leyes y sus modificaciones deben aprobarse tras el oportuno debate público y habiendo consultado previamente a todas las partes implicadas. No es de recibo que se realicen cambios legislativos que afectan a derechos fundamentales en una ley no orgánica y que versa sobre otra materia.

Mirar un cuadro

Robert Hughes, escritor y crítico de arte con un gran prestigio internacional, es también un gran aficionado a la pesca, sin ser un experto pescador. "Un idiota en un extremo de una línea, esperando a un idiota en el otro", es una manera popular de definir la pesca con caña y es como titula su libro sobre el tema: "A Jerk on One End: Reflections of a Mediocre Fisherman", en el que nos explica que pescar con caña consiste en gran medida en no capturar ningún pez y que el fracaso forma parte de este deporte igual que las heridas en la rodilla forman parte del fútbol.
Robert Hughes creció en Sydney Harbour, en Australia, practicando rugby en el colegio cuando su idea de un deporte de contacto era el ajedrez. Desarrolló una gran afición a la pesca por la posibilidad que le daba de permanecer solo varias horas, algo valioso a esa edad para quien tiene fama merecida de listillo snob entre sus compañeros y un padre muy ocupado. Ningún problema, porque sin ser consciente de ello entonces, estaba recibiendo una educación muy valiosa en mirar y discriminar.
Traduzco libremente del inglés un párrafo de su libro:
"Para pescar algo, por pequeño que sea, has de percibir qué pasa: el movimiento del agua y los dibujos que hace, las rocas, las algas, el temblor de los pececillos en desbandada que delata a un depredador mayor por debajo de ellos. El tiempo que pasé en el muelle me enseñó a concentrarme en lo visual, porque pescar es una actividad intensamente visual, incluso-quizá especialmente-cuando no ocurre nada. Ver es fácil, pero aprender a mirar es algo que ocurre gradualmente, algo que se adquiere poco a poco de una forma inconsciente y llega con sigilo. La señal de que se ha adquirido es el hecho de que ya no te aburre la ausencia de lo espectacular."

La ausencia de lo espectacular es precisamente lo que hace que mirar un cuadro sea una experiencia placentera, porque si hemos superado el primer impacto después de verlo y seguimos mirando, podremos recorrer y disfrutar el dibujo, la composición, la gama de color, los matices, las innumerables decisiones que ha tomado el pintor con respecto al tema, veremos el tiempo que el pintor pasó frente a la tela y podremos compartir la luz que le iluminó, las emociones que le influyeron y la conclusión a la que llegó, al firmarlo, de que aquel cuadro es su visión del mundo y que quiere compartir esa visión con cualquiera que en ese momento se detenga a mirar su cuadro.