2009/06/29

Pictos, ¿cómo obtenían el azul con que se pintaban?

En una sobremesa agradable, en la que nos quedamos hablando en el jardín tras una comida sabrosa y ligera, hablábamos de Pintura y colores con una amiga y surgieron los Pictos, esos guerreros celtas que iban a la batalla con el cuerpo pintado de azul. Mi amiga preguntó: "¿cómo obtenían el pigmento azul?". He indagado para contestar y he aquí algunas respuestas:

Julio César en el Siglo I a.C. escribe en "La guerra de las Galias": “Los celtas pintan sus cuerpos con tintura de glasto, para parecer más terribles. Llevan el pelo largo y los cuerpos afeitados, a excepción del labio superior y la cabeza”.



En el blog exapamicron encuentro este ameno artículo que amplía la información:

Breve historia del azul
08/15/06 by fraxi

Empezamos con William Wallace. Al "Braveheart" de Mel Gibson habría que desmaquillarlo y quitarle la falda. No existen testimonios de que en esa época hubiera guerreros escoceses pintados de azul, esa ornamentación es bastante anterior, así como tampoco lo hay de escoceses con kilt (la falda) hasta mucho después. Sin embargo lo que nos interesa es el azul que los antepasados de Wallace emplearon para teñir la ropa y pintarse el cuerpo. Para aplicarse esos colores utilizaban un tinte azul que procedía del glasto, un arbusto de un metro de altura que crece en la Europa septentrional. Cuando se ponía el glasto en contacto con un montón de abono produce un líquido amarillo que si se frota en las ropas o el cuerpo cambia de color convirtiéndose en azul brillante.

Como se podía obtener a bajo costo en grandes cantidades este azul se extendió por toda Europa y durante la Edad Media lo encontramos dando color a calzas, jubones y tocas. No tuvo rival hasta unos siglos más tarde cuando los mercaderes holandeses que viajaban a Oriente trajeron una planta que produce el mismo tinte y crece más deprisa y a menos coste que el glasto: el índigo. Los británicos, principales productores europeos de azul de glasto, reclamaron impuestos sobre el “azul extranjero” ya que según sus análisis era “dañosa, funestamente devoradora, perniciosa, engañadora, consuntiva y corrosiva” (documento londinense de 1577). La Marina Real se puso de su lado, sus uniformes sólo podrían ser teñidos mediante el patriótico glasto. Pero los los productores de tinte no tardaron en ver las ventajas del índigo y establecieron plantaciones en el Caribe y en la India abandonando el glasto. A principios del siglo XVII entró en bancarrota el último de los productores de glasto.

La venganza del glasto llegaría por medio de un químico alemán, Adolf von Bayer, que desde los 8 años buscaba una manera de obtener indigo en una probeta y cuya tenacidad se vió recompensada en 1885 cuando contaba 60 años. Ahora una fábrica alemana podía producir tanto índigo como una plantación subtropical británica de 100.000 hectáreas. Los productores de índigo pidieron impuestos sobre ese pernicioso índigo sintético, la Armada Real manifestó que sus uniformes sólo podían ser teñidos con el hermoso y patriótico indigo. Pronto las fabricas británicas empezaron a “cosechar” el índigo sintético. En 1912 entró en bancarrota la ultima de las plantaciones.

Estamos en la gran época del indigo sintético, las batallas en los campos de Europa destrozan millones de uniformes teñidos de ese color. Pero en los 50 estalla el crack del azul, China que utilizaba el índigo para teñir los monos de obrero, el uniforme oficial y obligatorio, cierra el comercio al “azul extranjero” y comienza a utilizar sus propios tintes. El 30% del mercado mundial se vino a pique. Para empeorar las cosas la empresa suiza Ciba y la británica ICI se ponen de acuerdo para comercializar nuevos tintes sintéticos de colores brillantes y baratos. El índigo yace arrinconado en el fondo del armario ante el boom de las prendas de algodón chillonas de los 60. La Armada Real no dice nada no vaya a ser que acabe por llevar uniformes de rosa fucsia.

A principios de los 60 sólo existían cuatro fábricas de índigo fuera de China y la situación empeoraba por momentos, se debía buscar un nuevo uso para el índigo. No se conoce el nombre del ingeniero químico que sugirió la primera aproximación a la solución, marketing dijo que la idea era una solemne estupidez y no fue apoyada. ¿A quién iban a interesarle unos pantalones azules?. La verdad es que el índigo le daba a los pantalones un brillante color azul que los hacia parecer demasiado llamativos. Otro químico dio con una solución que calmaba la intensidad del color azul: se teñirian los hilos verticales de la tela de indigo y se dejarían que los horizontales siguiesen de color blanco. Se descubrió que una pequeña empresa textil de California poseía precisamente este tipo de diseño en su catálogo. Se llamaba Levi-Strauss, y fabricaba los pantalones tejanos de marca Levi’s.

Libro:
David Bodanis : Los secretos de una casa

Existe una información diferente a la del pigmento de glasto que explicaría el origen de ese azul de otro modo:

Herodías, en el Siglo III d.c. escribe:…”Poco acostumbrados a llevar ropas, adornan sus cuellos y cinturas, lo que consideran un símbolo de belleza y de prosperidad económica, tatúan su cuerpo con dibujos abstractos y toda suerte de animales, acudiendo casi siempre desnudos a la lucha…”

2009/06/25

¿Dibujar con los ojos?

El Método Arrieta es un hermoso lenguaje de comunicación desarrollado por dos hermanas con graves dificultades motrices. Consiste en dibujar palabras con el movimiento del iris.
El video lo explica muy bien.

Gracias Ramón por el link.

2009/06/22

Giotto y Bill Viola, Pintura y Video










La obra de Bill Viola (New York, 1951) Going forth by day. Frescoes of light del año 2003, es una instalación de grandes pantallas de video con un fuerte componente espiritual.
La similitud con los frescos de Giotto (1227-Firenze, 1267), pintados en la Capilla Scrovegni de Padua hacia 1306, es evidente. Bill Viola distingue entre "espiritual" y "religioso", en un artículo con motivo de la exposición de esta obra en el Guggenheim de Bilbao, en 2004.

2009/06/20

El aislamiento del artista



























El aislamiento del artista se suele producir en su estudio. Para muchos artistas, el estudio ha de ser una isla. Una isla privada, porque solo así logran la concentración necesaria para crear.

No es el caso de Markus Hofko, editor de Pie Paper, aunque vive en una isla de verdad: Nueva Zelanda. Su proyecto de instalación escultórica Islands, todavía en proceso, incluye entre otras una isla de Pintores que titula "Help!" Los pintores aislados de Markus han unido sus fuerzas para expresar, sin perder la sonrisa, de una forma clara y visible a gran distancia, adónde lleva el aislamiento del artista:
Help!

Mi cazador de libélulas...


Mi cazador de libélulas,
¿hasta dónde
se me habría extraviado hoy?

Este haiku de la poetisa japonesa Chiyo-ni (Kaga No Chiyo) (1703-1775) expresa con la máxima concisión el dolor por la muerte de su hijo, siendo un niño.

Son muchos los artistas que se han inspirado en la concisión, las referencias a la Naturaleza y las estaciones del año así como la profundidad emocional que logran los poetas con la estructura del haiku.

Anna Caubet ha preparado una serie de obras plásticas que siguen el hilo poético del haiku. De momento sólo podéis verlas en su blog.

2009/06/16

Punto y raya

African facial painting por Punto y Raya Festival.
El punto es la unidad mínima de información gráfica. Es el que determina la existencia de un plano. Es x. La raya es una sucesión de puntos en un plano. Es la que nos da la segunda dimensión. Es y. El punto y la raya son los primeros elementos del Dibujo, la Pintura y la escritura.
Desde la fotografía de éste rostro africano pintado, el punto y la raya nos miran. Los vemos hoy como pudimos verlos hace miles de años pintados en el cuerpo de nuestros ancestros.

Hoy en día, el Festival Punto y Raya se centra en éstos dos elementos y convoca un concurso de audiovisuales. Como explican ellos mismos:

Punto y Raya Festival explora la síntesis máxima de la dualidad forma·movimiento en diversas esferas artísticas. Gracias a la simplicidad de la consigna, propone la utilización de la materia prima de la abstracción humana para revelar los logros y las limitaciones de nuestras formas de representación.

Esta convocatoria está dirigida a obras audiovisuales construidas netamente a través de puntos y rayas moviéndose sobre el plano. ¡Nada de figuración, nada de perspectiva: sólo puntos y rayas como fines en sí mismos!


:: participación

La participación está abierta a todas las personas del mundo, de cualquier edad y formación. La inscripción es gratuita y debe realizarse online a través de nuestra web o vía email antes del día lunes 17 de agosto de 2009.



2009/06/15

Pintura Japonesa en Konpira-san





El santuario sintoísta de Konpira-san, en la isla japonesa de Shikoku, tiene pinturas de grandes pintores japoneses desde el Siglo XVII a comienzos del Siglo XX. La visita virtual permite pasear por las salas de paneles pintados de una manera muy realista. 

2009/06/08

Escultura en bronce, etapa final del proceso.


Ésta entrada sobre la etapa final del proceso de realización de escultura en bronce, es una continuación a la anterior sobre fundición del bronce (hacer click sobre el link para refrescar la memoria).
En la foto vemos cómo dejamos en la fragua los tubos con los moldes refractarios de las esculturas enfriándose, tras haber vertido dentro el bronce fundido.





Isabel Escribano, estudiante de escultura en la Escola Pau Gargallo de Badalona, envía las fotos y la información del proceso final de elaboración de la escultura en bronce. Vemos los pasos que se siguen sucesivamente para llegar a la escultura definitiva.
Una vez enfriados los moldes, se sacan de los tubos metálicos en que estaban envueltos. Se rompe poco a poco con una pequeña escarpa y martillo el molde de material refractario que ahora envuelve el bronce ya sólido.
Desvelamos también los tubos metálicos usados para ventilación de aire del molde así como entrada y salida del bronce fundido. Ahora que ya han cumplido su función de vertido del bronce fundido dentro del molde refractario, han quedado soldados al bronce de la escultura y tendremos que cortarlos.




















La fase siguiente es añadir bronce por soldadura en la escultura allí donde hemos cortado los tubos.



Finalmente, puliremos la pieza para eliminar impurezas y restos de soldaduras.

















Opcionalmente podemos darle una pátina. La pátina es una capa que protege el metal y frena los procesos de oxidación del metal por contacto con el aire. Según la composición de la pátina se pueden obtener tonos muy diferentes. Puede aplicarse en caliente, calentando la escultura con un soplete, o en frío; a pincel o por inmersión.
En éste caso, Isabel aplicó sulfato de hierro en frío y frenó el proceso con agua. Le dió sucesivas capas hasta obtener el tono que quería. Por último aplicó cera.



Un ejemplo de escultura en bronce pintado es la pieza de la artista Vija Celmins "To fix the image in memory XII" (1977-1982). Vija Celmins recogió en un viaje al desierto de Nuevo Méjico piedras de diversos tamaños y formas. Una vez en su estudio, quiso ser capaz de "crear" esas piedras por sí misma. Realizó duplicados de cada piedra en bronce y los pintó para obtener una copia de gran realismo. Expone ambos objetos juntos, la piedra y la escultura en bronce pintado de la piedra.

Pic courtesy Mckee Gallery, New York, © Vija Celmins, 2008

2009/06/05

Pintura, infancia


01_Girl in white ..., 2002



Roger Ballen - Untitled, 2001 (Boy with Doll)

Roger Ballen es el fotógrafo que ha hecho éstas fotos extraordinarias. Las ha hecho en Sudáfrica, pero muestran lo que hace cualquier niño del mundo al que se le da algo de pintura o una tiza: envolverse literalmente con sus dibujos. Usa el suelo, las paredes, los muebles, su propio cuerpo, los límites sólidos de su mundo, para cubrirlos con sus imágenes mentales de ése mismo mundo. Necesita dibujar las caras, las casas, las cosas que le rodean porque al pintarlas las hace reales. Ya no son algo que está ahí fuera, al dibujarlas las crea por sí mismo.

2009/06/01

Pintura sobre cometas




Las cometas vuelan desde hace miles de años. Son un excelente soporte para Pintura puesto que se fabrican con papel o tela.
En China, de donde proceden las primeras cometas conocidas desde hace más de 2.000 años, se elaboraban con seda pintada y cañas de bambú. Hoy día se utiliza el mismo tejido sintético con que se hacen las velas de windsurf o las velas spinnaker para veleros. Un tejido de gran resistencia porque incorpora una malla que las hace indeformables en cualquiera de las dos direcciones por las que recibe el viento. Un tejido que también se puede pintar perfectamente con pintura acrílica.






El domingo 30 de mayo, nos reunimos en la Playa del Coco, Badalona, un grupo de pintores para hacer volar las cometas que habíamos pintado a invitación de miramira, una Asociación de amigos de las cometas. Todas eran del tipo rokaku, la palabra japonesa que define ésta cometa hexagonal.
Anna Caubet pintó de azules su cometa y le añadió pequeños espejos sujetos con hilos: el efecto en vuelo era el de un cielo lleno de estrellas parpadeantes. Miguel Olivares pobló la suya con sus habituales multitudes coloristas y Nuria Gual quiso subir un trozo de tierra al cielo, por lo que pintó su cometa con motivos vegetales en rojo ocre y negro.












































En todo Oriente son habituales los torneos, concursos y vuelos multitudinarios de cometas. Se celebran desde China a Japón, en India, Afganistán, Vietnam,...
En Europa, uno de los mayores festivales que se celebran es el de Dieppe, Francia, donde hay una reunión internacional de cometas en el mes de septiembre, al que también acuden artistas con sus cometas originales. En éstas fotografías de Jean Decaux vemos una imagen nocturna y una diurna del festival que se celebra no sólo en la extensa playa sino en toda la ciudad.






















La Fundación Drachen tiene un extenso surtido de materiales y libros sobre el tema, como este libro de cometas decoradas con la técnica japonesa de Ukiyo-e o xilografia, la técnica usada en las estampas japonesas por Hokusai, Utamaro y otros artistas japoneses, que dió pie al "Japonismo", influyendo a artistas occidentales como Degas, Klimt o Matisse.
Japanese Kite Prints Selections from the Skinner Collection

La cometa, que en todo el mundo es un juego de niños, es también un excelente soporte para la Pintura.
Masjid Patang por Meanest Indian.No Strings Attached por Meanest Indian.
Fotografías de India de Meanest Indian