La pátina de la vida. Escultura submarina de Jason de Caires.

Reproduzco la newsletter del escultor Jason de Caires tal como me ha llegado porque las imágenes y el texto son todo lo elocuentes que el tema requiere. Dan noticias de su trabajo en Cancún, Méjico, llevando a cabo el mayor proyecto hasta el momento de esculturas figurativas sumergidas, llamado Silent Evolution. La Evolución Silenciosa se refiere al proceso por el que el mar se apropiará de estas esculturas, que serán desgastadas por la acción del agua y habitadas por corales, pólipos y todo tipo de fauna y vegetación marinas, como puede verse en las imágenes que envía de su anterior instalación Vicissitudes en la isla de Granada.
Jason de Caires agradece a los modelos que posaron pacientemente untados de vaselina y en ropa interior, cubiertos de yeso durante una hora, para realizar las esculturas. Y como en toda ceremonia de inauguración que se precie, la lista de agradecimientos es larga, desde los colaboradores más cercanos a los más esporádicos y también los padres.
El proyecto no está finalizado porque ahora empieza el trabajo de escultor del mar, cubriendo las esculturas con la pátina de la vida.
The latest Jason deCaires Taylor News 
So here we finally have it… The world’s largest underwater collection of contemporary sculpture in history; The Silent Evolution.
400 permanent life-size sculptures forming a monumental artificial reef in Cancun/ Isla Mujeres, Mexico. (click here)

The Journey

The road has been long, taken 18months, required 120 tons of cement, sand and gravel, 3800m of fiber-glass, 400kg of silicone, 8,000miles of red tape,120hrs working underwater and $250,000. Sculpting close to the mangroves in Puerto Morelos the team received over 2500 mosquito bites, tabano bites, fire ant stings and more than 20 nips from Damsel fish during installations in the sea.

Of course on a journey of this scale I have many people to thank along the way and without their help, dedication and faith none of this would have been possible.

Firstly I would like to thank all the models who patiently stood in their underwear covered in vaseline and plaster for over an hour, thus requiring trust and bravery. We are pleased to have immortalized (and removed a few hairs) of the following people: Roy, Vanessa, Joaquin, Marcelo, Tania, Karen, Fernando, Mangala, Froylan, Paz, Charlie Brown, Paulina, Rosario, Angelica, Brian, Jim, Carlito, Karen S, Grace, Amandeep, Valaria, Blanca, Kelly, Lily, Henri, Lucky, Angel, Veronica, Aida, Sarah, Cecil and little Santiago (only 3 years old).

Most importantly a special thanks to the artist assistants: Rodrigo, Jorge, Lucio, James and Karen, who have worked though very tough conditions and have been incredibly loyal and hardworking.  In  particular Karen, who has been there from the start and a key element of this project. I feel very fortunate to have worked alongside each one of them.

During the development and installation we encountered many logistical and engineering challenges and a heart-felt thanks goes out to Mario from Marenter, his family and all the crew on BD1.

Additional thanks to: The National Marine Park of Cancun, with valuable help from Juan Carlos, Roberto, Henri, Tonio, Joel and Patricia Santos.
Todd Barber from Reefball, Alfredo, Ruben, Luis, Mario, Luzma, Franciso from PESCA, Raul, Donna, Pedro Frentes and of course Rita the cat.

This project was realized almost 2 years ago when I sat down with Jaime Gonzalez Cano, Director of the Marine Park and Roberto Diaz President of the Nautical Association, from this initial meeting we laid down the blueprints of the underwater museum. Their enthusiasm, faith and support have been the driving force of this projects success.

Finally I would like to dedicate this work to my parents Christine and Roy who have been the bow that fired this arrow, providing both foundations and support, regardless of all circumstances. You really have been the cornerstone and catalyst to change ideas into reality, and for this I will be eternally grateful.

I would also like to point out that this installation is by no means over and the second phase is dependant on nature’s artists of the sea, to nurture, evolve and apply the patina of life.

New Silent Evolution Film

Grenada News

After a recent trip to Grenada in September the coral and marine life growing on Vicissitudes has beyond all expectations.

And finally

For further details or press information on any of the above please contact:

Jason deCaires Taylor
divetaylor@yahoo.com
www.underwatersculpture.com
Tel: +52 1 9981921189

Premio Nobel de Literatura y...pintor.

"Cuando me vaya al cielo, pienso pasar una parte considerable de mi primer millón de años pintando y de ese modo aprender a hacerlo bien. Pero entonces necesitaré una paleta más alegre que la que tengo aquí abajo. Espero que el naranja y el bermellón serán los colores más oscuros y fríos de esa paleta, y a partir de ellos habrá toda una gama de nuevos colores maravillosos que serán un deleite para el ojo celestial".
Winston Churchill, tras ser Primer Ministro de Inglaterra, recibió el Premio Nobel de Literatura en 1953. Se dedicó a pintar con auténtica pasión de amateur tras retirarse de la política. Buena prueba es este párrafo de su libro: "Painting as a pastime", "La pintura como un pasatiempo". 


Durante sus viajes privados o como estadista siempre encontró tiempo para pintar al menos un cuadro al óleo, preferentemente de paisajes: Francia, Italia, Palestina, Marruecos, Madeira,...  Ya en 1921 expuso en una galería de París con el seudónimo Charles Morin. Y cada año, entre 1947 y 1959, sus cuadros fueron seleccionados para la exposición de verano en la prestigiosa Royal Academy de Londres, con el seudónimo David Winter. 


   
Hay varios libros dedicados a su faceta de pintor:
  



En cambio, estos paisajes realizados en tinta son muy diferentes a los de Churchill, porque tienen elementos de la tradición pictórica oriental y occidental.

Son cuadros del Premio Nobel de Literatura en el año 2000, Gao Xingjian. 

Fotografía: Robert Wilson

El escritor chino que reside exiliado en París desde 1987, y que ha escrito su obra más conocida "La montagne de l'âme" en francés, es también un consumado pintor: "La peinture vient de l'endroit où les mots ne peuvent plus s'exprimer" (...) "L'esprit vient de la vie: il est dans les montagnes, les rivières, l'herbe et les arbres" (...) "Il ne faut pas sonder les âmes, il ne faut pas rechercher les causes et les effets, il ne faut pas rechercher le sens, tout n'est que chaos". 

Gao Xingjian, Marseille, 2003. Fotografía cortesía de Alain Melka/Jean-Louis Darmyn y Triangle Méditerranée.
La ciudad de Marsella en Francia, declaró 2003 como el año  Gao Xingjian, con una exposición de sus obras y la realización del film "Silhouette / Shadow" que trata de su trabajo pictórico y que él describe como un poema cinemático o una fábula moderna, ya que la película muestra imágenes de sus actividades a lo largo de ese año, sin seguir una línea narrativa. 
En España Gao Xingjian expuso en el Museo de Arte Reina Sofía de Madrid en 2002 y pudimos ver sus pinturas en tinta china sobre tela y papel en Barcelona cuando las expuso la Galería Senda en 2008. 

Escultura y Luz. Kumi Yamashita.

Hay escultores que trabajan no sólo con la solidez de los materiales: piedra, metal, madera. Son escultores que trabajan con un elemento inmaterial, que carece de peso, volumen o textura: la luz.
La obra escultórica de la escultora Kumi Yamashita son unos perfiles en metal que cobran todo el sentido al iluminarlos.

Publico el e-mail que ha enviado:


Hi Everyone!

I hope this email finds you well.

I'm in Kaohsiung Design Festival in Taiwan through November 28th, 2010.
http://travelkaohsiung.com/whats-on/kaohsiung-design-festival/

Please come and visit the show if you are in the area!

Have a lovely fall or spring depending on your hemisphere...

Best,
Kumi
www.kumiyamashita.com

«O che dolce cosa è questa prospettiva!»

"O che dolce cosa è questa prospettiva!" le contestaba Paolo Uccello a su mujer cuando allá por 1450* pasaba las noches en vela dibujando, en vez de ir a dormir con ella. El nombre de Uccello le fué dado, a él que se llamaba Paolo di Dono, por su afición a pintar pájaros y otros animales, en paisajes que nadie había pintado antes con la perfección con que lo hizo él. Nos lo explica Vasari, en Le Vite de più eccellenti architetti, pittori et scultori, que escribió 70 años después de la muerte de Uccello: "En la casa de los Médicis ejecutó al temple, sobre tela, algunas escenas de animales, por las cuales tenía mucha afición, empeñándose para realizarlas bien. En su casa siempre tenía dibujos y pinturas de pájaros, gatos, perros y toda clase de animales extraños, porque, siendo pobre, no podía poseer los ejemplares vivos. Y como lo deleitaban más que nada los pájaros, le dieron el apodo de Paolo Uccelli". 

Sigue explicando Vasari:

"Trabajó también en Santa Maria Maggiore, en una capilla al lado de la puerta lateral que conduce a San Giovanni, donde están la tabla y la predella de Masaccio: allí pintó al fresco una Anunciación en que representó una casa que merece atención, pues era tarea nueva y difícil en aquella época, siendo la primera obra en que se mostró a los artistas el buen modo de establecer la fuga de las líneas con gracia y proporción, y de representar amplio espacio y lontananza en una superficie muy pequeña. Quienes son capaces de agregar a esto las luces y las sombras en sus debidos lugares, sin duda logran engañar al ojo y dar vida y relieve a la pintura. Y no bastándole esto a Paolo, quiso superar mayor dificultad aún, representando una columnata en perspectiva, que rompe el ángulo vivo de la bóveda, allí donde están los cuatro Evangelistas. Esa realización fue considerada bella y difícil y, a la verdad, Paolo fue ingenioso y capaz en tal especialidad".










Su obsesión por la perspectiva, aplicada a la descripción de paisajes, figuras y animales ha dejado cuadros como la Batalla de San Romano, que se encuentra en Londres:
 


Y otra versión de la misma Batalla de San Romano, que se encuentra en Florencia:



Uccello dibujaba sin descanso:
"Considerables fueron, realmente, los esfuerzos desplegados por Paolo en materia de pintura, y dibujó tanto que dejó a sus deudos, según por ellos mismos he sabido, cajones llenos de proyectos. Pero si bien vale mucho proyectar, mejor es llevar los proyectos a la práctica, pues tienen más larga vida las obras que las hojas de papel dibujadas. Y aunque en nuestro Libro de dibujos hay bastantes figuras, perspectivas, pájaros y animales maravillosamente bellos, lo mejor de todo es un mazzocchio puramente lineal, tan hermoso que sólo la paciencia de Paolo era capaz de ejecutarlo. Aunque era un individuo de hábitos retraídos, admiraba el talento de los artistas y para dejar el recuerdo de algunos de ellos a la posteridad, pintó con su propia mano, en una larga tabla, los retratos de cinco hombres prominentes, que conservaba en su casa: uno era Giotto, pintor, lumbrera y padre del arte, Filippo di ser Brunelleschi representaba a la arquitectura, Donatello a la escultura, Paolo mismo a la perspectiva y la pintura de animales, y Giovanni Manetti, su amigo, con quien conversaba bastante y comentaba las cosas de Euclides, a las matemáticas". 


Vasari inicia su relato de Uccello con una visión crítica de su obsesión por la perspectiva:
"Paolo Uccello  hubiera sido el más delicioso y original genio después de Giotto en el arte de la pintura si se hubiese esforzado tanto en las figuras y los animales como se esforzó y perdió tiempo en las cosas de la perspectiva, pues aunque éstas son ingeniosas y bellas, quien se dedica inmoderadamente a ellas derrocha tiempo y más tiempo, gasta sus dotes naturales, acumula dificultades para su talento y a menudo lo convierte, de fecundo y fácil que era, en estéril y difícil. Y quien cuida más de la perspectiva que de las figuras, cae en un estilo seco y lleno de perfiles, producido por la voluntad de desmenuzar demasiado las cosas. Además, a menudo se vuelve solitario, extraño, melancólico y conoce la pobreza, como le ocurrió a Paolo Uccello que, dotado por la naturaleza de un ingenio sofístico y sutil, no encontraba placer mayor que el de investigar problemas difíciles e imposibles de la perspectiva. Y ésta, aunque bella y llena de fantasía, lo trabó tanto en la ejecución de las figuras que, a medida que iba envejeciendo, las hacía cada vez peor. Y no cabe duda de que quien, con estudios demasiado terribles, violenta la naturaleza, si bien por un lado aguza su ingenio, por otra parte nunca hace nada que parezca realizado con esa facilidad y esa gracia que naturalmente tienen aquellos que ponen cada pincelada en su lugar, moderadamente, con deliberada inteligencia llena de discreción, y eluden ciertas sutilezas que más bien dan a la obra un no sé qué forzado, seco, difícil y de pésimo estilo, que causa compasión a quien la mira, en vez de causarle asombro. En efecto, el instinto reclama ser utilizado en la misma medida en que el intelecto se empeña en obrar y en que el entusiasmo está encendido: entonces es cuando se ven surgir las maravillosas concepciones y los rasgos excelentes y divinos".


Le reprocha Vasari que cuando trabajó en los frescos de San Miniato, en las afueras de Florencia "hizo los campos azules, las ciudades rojas y los edificios de varios colores, según su fantasía".
Sin embargo, el escritor y erudito francés Marcel Schwob , que en su libro Vies imaginaires también utiliza la fantasía, lo hace para ensalzar la obsesión de Paolo Uccello por la perspectiva mediante imágenes de gran belleza literaria:
"Il représentait aussi toutes les bêtes et leurs mouvements, et les gestes des hommes afin de les réduire en lignes simples.
Ensuite, semblable à l’alchimiste qui se penchait sur les mélanges de métaux et d’organes et qui épiait leur fusion à son fourneau pour trouver l’or, Uccello versait toutes les formes dans le creuset des formes. Il les réunissait, et les combinait, et les fondait, afin d’obtenir leur transmutation dans la forme simple, d’où dépendent toutes les autres. Voilà pourquoi Paolo Uccello vécut comme un alchimiste au fond de sa petite maison. Il crut qu’il pourrait muer toutes les lignes en un seul aspect idéal. Il voulut concevoir l’univers créé ainsi qu’il se reflétait dans l’œil de Dieu, qui voit jaillir toutes les figures hors d’un centre complexe. Autour de lui vivaient Ghiberti, della Robbia, Brunelleschi, Donatello, chacun orgueilleux et maître de son art, raillant le pauvre Uccello, et sa folie de la perspective plaignant sa maison pleine d’araignées, vide de Provisions ; mais Uccello était plus orgueilleux encore. À chaque nouvelle combinaison de lignes, il espérait avoir découvert le mode de créer. Ce n’était pas l’imitation où il mettait son but, mais la puissance de développer souverainement toutes choses et l’étrange série de chaperons à plis lui semblait plus révélatrice que les magnifiques figures de marbre du grand Donatello". (...) Quiso concebir el universo creado tal como se reflejaba en el ojo de Dios, que ve surgir todas las figuras a partir de un centro complejo".


Schwob crea, con la fantasía que tanto le gustaba al pintor, la narración de cómo pudo ser la muerte de Paolo Uccello: "Son visage était rayonnant de rides. Ses yeux étaient fixés sur le mystère révélé. Il tenait dans sa main strictement refermée un petit rond de parchemin couvert d’entrelacements qui allaient du centre à la circonférence et qui retournaient de la circonférence au centre." "Su rostro estaba surcado de arrugas. Sus ojos miraban fijamente al misterio revelado. Sujetaba en su mano firmemente cerrada un rollo pequeño de pergamino cubierto de líneas entrelazadas que iban del centro a la circunferencia y que regresaban de la circunferencia al centro".


Vasari en castellano
Vasari en italiano
Marcel Schwob en castellano
Marcel Schwob en français


*Vasari da la fecha de 1432 para el fallecimiento de Paolo Uccello. Sin embargo, en todas las biografías que he consultado, se da la fecha de 1475. La fecha de 1450 para esta cita es una invenzione.


Gracias a Jesús Olmo por recordarme a Uccello y enviarme las Vidas Imaginarias de Marcel Schwob.

Pintura mural en Philadelphia. A love letter for you.

Approaching a City. Edward Hopper. 1946.



Si el pintor Edward Hopper viviera hoy día en Philadelphia, ¿pintaría así?


Su cuadro "Approaching a City", de 1946, parece haber inspirado la atmósfera y la paleta de color de este video de Will Roegge. 
El cuadro "Approaching a City" de Edward Hopper tiene una paleta de color sombría y densa, alejada de la paleta de otros cuadros suyos de temas urbanos, como "Casa junto a las vías del tren", de 1925, o "Pennsylvania Coal Town", de 1947, o "Early Sunday morning", en los que Hopper pintaba las sombras que se producen en un día soleado con una luz limpia y nítida. Una luz que daba ligereza a la soledad casi metafísica de los habitantes de sus pinturas. En una entrevista que le hizo John Morse en 1959, Hopper habla del miedo y de la ansiedad que hasta cierto punto nos produce el aproximarnos en tren a una gran ciudad y de cómo quiso captar ese sentimiento en el cuadro "Approaching a City". John Morse comenta que la primera vez que lo vió expuesto le llamó poderosamente la atención el juego de planos y volúmenes geométricos de este cuadro. Visto con ojos contemporáneos, llama la atención el muro que lleva al túnel, porque está vacío como un lienzo en blanco. Hoy día estos muros están seguramente llenos de pinturas, firmas y graffiti.












El video del proyecto "A love letter for you" nos lleva a dar un paseo junto a las vías del tren y por las calles de la zona oeste de la ciudad de Philadelphia para mostrarnos las pinturas murales de Stephen Powers. El proyecto, patrocinado por el Programa de Arte Mural de la ciudad de Philadelphia consta de 50 pinturas murales y pudo recorrerse en un tren especial el día de San Valentín.

¿Para cuándo un proyecto como el de Philadelphia Mural Arts Program en Barcelona? ¿Cuándo descubrirá el Ayuntamiento de Barcelona que promover y gestionar la creatividad con que tantos pintores murales llenan espontánea y gratuitamente las paredes de graffiti es mucho mejor que prohibirla? Lo que aquí se considera un problema, y por lo tanto se persigue y se prohíbe, en Philadelphia se promueve y se convierte en patrimonio artístico de todos.

Sigue soñando...